¿Qué significa "hacer música"?

¿Qué significa "hacer música"? Creer que podemos responder a esta pregunta significa vislumbrar ese laberinto del que nos habla Borges: "No habrá nunca una puerta. Estás adentro" (1). Pero, también es el laberinto de Schoenberg: "un laberinto, la entrada y salida de todos cuyos puntos sabe el experto sin que lo guíe un hilo rojo" (2).

Pero, para los que estamos adentro y necesitamos un hilo rojo, recomiendo ver el video de Glenn Gould: "Glenn Gould plays Bach" (3)...resulta revelador, no sólo por su técnica de estudio sino por el proceso de fusión y fisión que realiza Gould con la obra... la DEVORA, la hace suya y a su vez él se vuelve en ella. Es impresionante, no se trata sólo de interpretar, de ejecutar, sino de volver-se la Música en carne, sangre y energía humana.

Esto sucede también en el libro de Bruno Walter: "Of Music and Music Making"(1961) donde Walter construye una metafísica del "hacer música". Lástima que la obra esté fuera de imprenta, valdría más que muchos textos "didácticos" que se vende hoy por pura "fama" de sus autores y cuyo contenido no es más mera cacofonía.

___________________________________________________________________
NOTAS:

1. BORGES, J. L.: "Laberinto", en Elogio de la sombra (1969), incluído en Obra Poética, 2, Biblioteca Borges, Alianza Editorial, 2005, p. 243.
2. ADORNO, Th.W.: Filosofía de la Nueva Música, en Obra completa, 12 (Trad. Alfredo Brotons), Akal, 2003, p. 104.
3. Donde se muestra trabajando las "Variaciones Goldberg".

Un piano, una habitación, un humano y acción (...)

Con sólo una habitación blanca y un piano negro Clint Eastwoon ha creado un documental delicioso y transparente sobre y con El Blues, esa música que canta, como diría Sartre: la angustía de la libertad, de la Nada, de la responsabilidad absoluta de sí mismo que tienen el ser humano. Esa libertad de sonidos que son carne y sangre en la acera de la vida.

Este documental trae a la memoria esa emoción viceral que la producción industrial y de ascensor han ido penetrando con su sordera, dejándonos sordos.

Con su simpleza y honestidad este filme nos recuerda esa sensación que describe Adorno en su Beethoven, Filosofía De La Música, cuando confiesa que lo que ha buscado toda su vida es recuperar esa primera emoción que tuvo cuando niño al sentarse ante un piano y ver un libro abierto cubierto de dibujos y líneas negras...

____________________________________________
ENLACES RECOMENDADOS:

http://www.pbs.org/theblues/aboutfilms/eastwood.html
http://en.wikipedia.org/wiki/Piano_blues
http://eastwoodclint.free.fr/clint_jazz/clint_jazz.htm

**Anexo: http://www.apoloybaco.com/Cinejazzhoy.htm**

Música y Era biotecnológica

Recientemente la Revista OPUS MUSICA publicó mi artículo sobre "Música y Era biotecnológica", el cual incluye un acercamiento a la obra de la compositora Annie Gosfield. Aprovecho para adjuntar acá el link al artículo:
http://www.opusmusica.com/015/biotech.html#nota6

El "Festival América-España" y la in-visibilidad

Este mes de junio se celebrará en el Auditorio Nacional de Madrid, el "Festival América-España" una estupenda propuesta que se cose al fuego de la cooperación iberoamericana. Sólo que la maravillosa idea tiene dos problemas: no ha incluido a ninguna compositora, y el espacio de encuentro que ha creado para la reflexión respecto a la música en América y España es ínfimo, en el programa de mano oficial (abril 2007) aparece sólo una conferencia en la Residencia de Estudiantes. Aunque al final se han incluido más coloquios, véase la página oficial del Festival en : http://ocne.mcu.es y cuadriptico oficial (junio 2007), lo cual es una excelente noticia.

Ya es suficientemente vergonzoso que haya que hilar fino en los textos oficiales para poder encontrar citas a las creadoras e intelectuales (incluidas madres y esposas), pues el modelo de poder y de Creador sigue siendo masculino y la opinion pública parece no encontrar importante dicha centralización, o en algunos casos no se va más allá de la curiosidad. Es una lástima que un proyecto tan importante como el “Festival América España” de la Orquesta y Coro Nacionales de España, donde colaboran dos directoras españolas, sea un ejemplo de esto, lo que abre un tremendo vacío.


No se trata de caer en la trampa de generar preguntas cómo: ¿acaso no exiten compositoras “en la medida de” Villalobos, Ginastera, Piazzolla, Toldrá, Albéniz, de Pablo o Golijov? Lo que supone en ellos un paradigma masculino de creador iberoamericano, que también afecta a otros compositores que tampoco fueron incluidos. Tampoco se trata de considerar que “ya se pagó la cuota” incluyendo a dos directoras. No. El problema radica en la invisibilidad, en el impacto de crear una “no existencia” a pesar de "conocer" (pues actualmente existe suficiente información como para alegar desconocimiento) ¿dónde están Tania León, Odaline de la Martínez o Alicia Terzián, por citar algunas figuras internacionalmente conocidas?

Además, en España hay suficientes compositores(as) y musicólogos(as) del norte, centro y sur América como para haber organizar más encuentros con los compositores(as) españoles,... y temas para tratar sobran. Lo que vuelve más conflictivo el hecho de que sólo se organizara una conferencia al rededor de Madrid y Bercelona. En un evento históricamente tan significativo como este Festival, que pretende “crear un espacio específico para el estudio, la divulgación y la difusión de la música española e iberoamericana”(1), la omisión implica anulación. Esperemos que en próximas ediciones esto vaya cambiando.

_______________________________________
NOTA:
1. “Festival América España”: “El Festival” (Introducción de Josep Pons), en Programa de mano, Madrid (junio 2007), p. 3.
IMAGEN:
Joan Miró, "Mujeres escuchando música".

Patricia Petibon y las carcajadas de nuestro tiempo

Casos como el de Patricia Petibon, o Nigel Kennedy, son realmente interesantes no solo desde el punto de vista estético visual, es decir, por su imagen contradictoria y "rompedora" de los esquemas tradicionales más allá de la idea marquetiniana de "modernizar" el look de los "artistas clásicos" -por decirlo de alguna manera-, sino, por lo fascinante de sus representaciones, esquisitamente circenses e híbridas (a lo Cirque Du Soleil).
La deliciosa y refrescante ironía de sus ejecuciones en cuanto al core repertoire o la denominada "massclásica", es estremecedora. Es verdad que Petibon "es un equipo", y debe mucho a Cathy Berberian y su "Laberinto de la voce", así como a "The Cat in the Hat", del escritor y dibujante estadounidense Dr. Seuss; y ¡que decir del manga japonés postmoderno y la tendencia "superflat" de Murakami! ...Pero el mérito es innegable, hay que tener valor para cantar al ridículo de nuestra sociedad actual, a su iconoclástica y a su racionalismo virtual, pues cada vez sabemos menos, cantamos menos y escuchamos menos las voces de nuestro tiempo, incluídas sus risas, esas carcajadas sarcásticas escondidas bajo las piedras de la "civilización".

Imma Shara como imagen

La directora de orquesta y compositora española Imma Shara es reconocida por su colaboración con la Casa Real Española y la Fundación Príncipe de Asturias. Además, por supuesto, de su exitosa carrera profesional.

Pero, a pesar de que existe en España -como en otros lugares- una especie de costumbre por parte de las directoras, compositoras y "orquestas de mujeres", de autoproclamarse "las pocas"(1) o "las únicas"(2)... en pos de sus carreras profesionales o ideales pseudofeministas (lo que no deja de ser perturbador, pues la paridad no consiste en eso). El caso de esta directora en particular, quien no solo ha participado en conciertos oficiales dedicados a las víctimas del terrorismo, sino que ha llegado a convertirse en imagen de la firma cosmética y miembro del jurado del Círculo Olay, (el cual patrocina un concurso de becas para mujeres españolas que deseen iniciar o reiniciar sus estudios), no deja de ser un caso donde hay que reconocer que el valor filantrópico a veces justifica los medios.

Lo que me recuerda el Prefacio al ensayo "El Artista y su Conciencia" del director René Leibowitz (1950), donde Jean Paul Sartre dejó expuesta una problemática que aquí esta muy clara: el cómo en la dirección orquestal, como profesión remunerada, no bastan solamente el nivel intelectual y musical, es necesaria también una imagen "corporativa" personal identificable con valores determinados, donde las estéticas de élite y de masas se confundan, por ejemplo, con ideales humanitarios, feministas o identitarios de cualquier índole acordes con su época, convirtiéndolos en objetos estéticos. Ya la expone Terry Eagleton cuando afirma que la estética es una ideología.

Imma Shara es un buen ejemplo, su mérito es innegable, ella ha sabido convertirse en uno de los rostros de su momento histórico.

_________________________________________________
NOTAS:

(1) Un ejemplo de este tipo son las afirmaciones de Imma Shara, quien en una entrevista publicada en la MAGAZINE 250 de El Mundo (2004) dice que "somos solo seis mujeres en el mundo". Algo que puede desmentirse con tan solo mirar en la KAPRALOVA SOCIETY.
(2) Como es el caso de la OSMUN quienes han afirmado en EL PAIS (2006) ser "la única orquesta femenina de Europa..."

ENLACES RECOMENDADOS:
Concierto benéfico 2007
"Enseñando como amar la música"
Imma Shara CV
Entrevista en Mundo Económico
Entrevista para RIVERAMUSICA

¿Son posibles una Música y Teatro "OUTSIDERS" en Iberoamérica?

Esta semana (26-28 de marzo) tuve el gusto de asistir al Congreso internacional "Teatro y Música en España: los géneros breves en la segunda mitad del siglo XVIII", organizado por la Universidad Autónoma de Madrid(UAM), el CSIC y el Ayuntamiento de Madrid, el cual se celebró en las instalaciones de Centro Cultural Conde Duque y su Biblioteca Histórica. Congreso al cual acudieron especialistas, investigadores y estudiantes de América (Norte, Central y Sur), España, Alemania, Francia e Italia. A este respecto, adjunto una video-entrevista dedicada a la directora del congreso y especialista Dra. Begoña Lolo, a quien entrevisté el 17 de abril en la UAM, y con quien conversé sobre el congreso, su ponencia y proyectos, así como sobre este repertorio fascinante. Entrevista que esta disponible en la Revista on line OPUS MUSICA Nº 15.

El congreso incluyó una puesta del "Melólogo Inés de Castro” (escena trágico-lírica), con música de Blas de Laserna y texto de Luciano Francisco Comella. Obra recuperada y editada por German Labrador (UAM), presentada por la Camerata del Prado bajo la dirección de Tomás Garrido. Laserna es uno de los compositores españoles más interesantes del siglo XVIII, y algunas de sus obras han sido editadas también por el ICCMU, pero es una lástima que no se disponga de más material para poder llevar a la escena su obra más representativa, haría falta un monográfico especializado que incluyera un colección de partituras.

Otro aspecto importante que destacar es el ámbito iberoamericano de estos repertorios, pues aun se conserva en España y América una documentación que espera ser estudiada rigurosamente. Estas obras son una fuente de especulación estética e ideológica muy interesante, debido sobre todo a su caracter de "outsider" respecto a los repertorios italiano, francés y alemán, con los que se suelen estandarizar. Cargado de peculiaridades socio-culturales y estéticas, su reconstrucción e interpretación va desde el historicismo conductista-positivista más extremo, pasando por el prisma de las teorías sobre "hibridación" (utilizando el enfoque de García Canclini), hasta lo vanguardista, lo popular y folklórico contemporáneo, enfoques que que dependiendo de las circunstancias, es decir, inmerso in situ, lo convierten en una "opera aperta", como diría Umberto Eco.


Los "monstruos", tópicos y arquetipos que coexisten en esta música son realmente fascinantes, pero por ello "periféricos" en consideración a repertorios más cerrados por la práctica y mitos contemporáneos, respecto a lo que "debe ser" o "lo que pueden ver" tanto los musicólogos, como los estudiosos del Teatro y los interpretes (mediados estos por una educación ideológica marcada por los nacionalismos y los eurocentrismos). Por esta razón, y aunque es un anglicismo, he utilizado la denominación "outsider" (cargada de connotaciones contrahegemónicas) para esta música y teatro salvajes, caricaturescos, versátiles, GROTESCOS y SUBLIMES, los cuales necesitan ser, como comentaron Dr. Joaquín Álvarez (del CSIC, también director del congreso), y ponentes como Dra. Susana Antón (Argentina), Dr. Josep Maria Sala-Valldaura (Catalunya) y Dra. Elisabeth Le Guin (UCLA): pensados como un modo, un "uso", no como un género "fosilizado"... como un metalenguaje, no como una maqueta,... y mucho menos como un "BIG MAC" cultural.

La obertura de La Flauta Mágica por Ingmar Bergman

Luego del Oscar Honorífico recibido por Ennio Morricone, creo que valdría la pena considerar un fenómeno interesante, el de la música como "close up", es decir, como acercamiento a un rostro, a una imagen, como subjetivación u objetivación. Como búsqueda de ese inexorable espacio que se establece entre nosotros y los otros. Pienso en los famosos temas creados por Morricone para Sergio Leone, o en ese místico solo para oboe que escribió para "La Misión", especie de relectura de J. S. Bach y de A. Dvořák, todo un discurso de imágenes creadas con sonidos, con representaciones,con realidades encarnadas por personajes y espacios, construyendo un paisaje que se introduce como si se tratase de un "zoom in" en la mente del espectador y del actor.

Pero este no es un caso particular, personalmente considero que el caso más fascinante de "zoom in" musical es la obertura de La Flauta Mágica de W. A. Mozart propuesta por Ingmar Bergman("Trollflöjten", 1974): donde la música escrita por Mozart es concentrada por el cineasta en el rostro de una niña que forma parte del público que asiste a la representación de la ópera. Es impresionante como cada expresión de esta niña es cuidadosamente estudiada y coloreada con los rostros de otras personas del público (niños, ancianos, hombres, mujeres, y gentes de diferentes etnias), guardando un movimiento de cámara casi mínimo Bergman asume el tiempo y el espacio estructurados por la música y los convierte en melodías de timbres, de rostros cotidianos y misteriosos a la vez, como en una especie de "boyerismo" invertido de la escena al público, con lo que logra exponer un discurso silencioso a través de la música, es decir, el silencio de los rostros que a su vez "escuchan" la música de la obertura de Mozart se convierte en un "close up" al imaginario del espectador, al enigma de su interior.

En este sentido, esta especie de concepción de "close up sonoro" aplicada por Bergman, donde el rostro parece transmutarse en estructura abierta, en tema intrincado, fue cuidadosamente trabajada por su colega, el compositor sueco ERIK NORDGREN, quien trató de explorar ese paisaje insondable en la música que compuso para varias de sus colaboraciones, creo que Nordgren es también un caso muy interesante, cuya música debería ser más considerada, incluso aunque no haya recibido un Oscar.

Un Oscar honorífico para Ennio Morricone

Quienes estaban apesadumbrados porque se supone que la música "clásica" contemporánea esta muerta y que no forma parte del imaginario de la vida cotidiana, se ha quedado atónito de alegría ante el hecho de que le haya sido otorgado un Oscar honorífico al compositor italiano Ennio Morricone.

Este, el galardón más prestigioso y resonante de la industria cinematográfica ¡otorgado a un compositor!, simplemente un acontecimiento único.

La obra de Morricone, de la que suele ser más conocida su producción de bandas sonoras para el cine, insta a reflexionar más sobre la relación estrecha que existe entre música y cultura visual, entre música y cine, hoy, al 400 aniversario de la ópera, el cine, es la obra de arte total por excelencia (con respeto a la ópera, y tomando en consideración que son experiencias distintas, aunque cada día se parecen más).

Además hablamos de un compositor italiano, que ha colaborado con producciones tanto estadounidenses como europeas, lo que también insta a reflexionar sobre la división entre cine "europeo" y "americano", alias cine "de autor", cine "de palomitas". La creación cinematográfica, y la musical en este caso, son más complejas que una delimitación geográfica.

L@s creadores musicales se siguen preguntando ¿qué significa escribir música hoy?, tal vez Morricone tenga parte de la respuesta, y no porque haya ganado un Oscar (algo circunstacial, muy bueno, pero circunstancial), sino por su Música, porque sigue haciendo música.

Por supuesto que todo esto es más complejo de lo que parece, y en el fenómeno de la creación musical intervienen muchísimas variantes, pero aún así este es un evento sin precedentes que vale la pena festejar.

¡Bravo por Ennio Morricone!¡Bravo por la Música Viva!

_________________________________________________
ARCHIVO MULTIMEDIA (mini-reportaje)
Blog Dedicado a Morricone (incluye archivos multimedia)
Y el episodio Nº10 del podcast "Sonidos...del mundo de la Música" de Carlos Pérez Cruz, en iTunes.

***

Página Web oficial de Ennio Morricone: http://www.enniomorricone.com/

¿Pensamiento Iberoamericano?

Esta semana se han dado cita dos publicaciones dedicadas a un pensamiento iberoamericano, y a la cultura y el desarrollo en Ibero América, ambas patrocinadas por el AECI y la Fundación Carolina.
La primera publicación, presentada el martes 20/2/07, es la renovación de una idea de larga data: la revista en formato libro "Pensamiento Iberoamericano". Asistí a la presentación de la revista, la cual se hizo en Casa de América. Resultó muy interesante conocer y escuchar el discurso de algunos(as) de los que dirigen y representan los intereses del pensamiento en nuestra región.
La segunda publicación se presentó el 22/2/07, y es el boletín "C+D" (Cultura + Desarrollo), dedicado a difundir los proyectos del AECI en el ámbito de la cultura. Me pareció fabuloso el nombre del boletín, pues parodia el I+D maravillosamente y con eso lo dice todo. Realmente hay que aplaudir este tipo de iniciativas, pues demuestran que en la región existe un verdadero interés en crear redes de cooperación en pos del bienestar de las personas.

***

El problema de "un pensamiento iberoamericano" (pues hay muchos) es que en la región existe una generalización del problema humano desde los enfoques económico y político, y la particularidad del ser humano no puede generalizarse, no existen generalidades, solo individuos, personas. Las cifras solo permiten observar los problemas, especialmente los relacionados con el polémico concepto "desarrollo", que no solo es lineal y comparativo, sino que, lamentablemente, muchas veces es producto de reflexiones hechas desde la ventanilla de un Mercedes Benz. Ya que no es usual que quienes generan la cultura o quienes necesitan sacar adelante los países sean las personas del pueblo, por así decirlo, sino quienes ostentan el poder hegemónico y cuyas carreras políticas se ven adornadas por este tipo de proyectos.

Personalmente tuve la oportunidad de recibir una beca de la Fundación Carolina en el 2005, y reconozco por propia experiencia que este tipo de apoyos son fundamentales, necesarios y urgentes pues democratizan el acceso y la difusión del trabajo y de los proyectos que nutren el desarrollo desde adentro, desde las personas.

Por esta razón me parece fantástico que estas dos publicaciones estén a la disposición de todos, solo soy crítica con ellas por la razón más importante, porque sé que este tipo de proyectos son capaces de crear grandes diferencias, sobre todo positivas, pero solo si se tratan desde la verdad del pueblo y de quienes crean día a día el pan nuestro, aunque la esperanza en un futuro mejor a veces les parezca irracional.

____________________________________________________________________

NOTA: las palabras subrayadas con colores son enlaces directos on line.

IMAGEN:
Mario Torino, "La voluntad del pensamiento", en http://www.mariotorinoart.es/

El discurso sonoro según Nikolaus Harnoncourt

El nuevo libro de Nikolaus Harnoncourt "La música como discurso sonoro" es una noticia que debería anunciarse con las trompetas del apocalipsis ¡que lucidez tan aplastante! Es impresionante como este director estupendo a logrado exponer algunas de las principales preocupaciones de la música académica de nuestra época, problemas que se debaten entre lo trascendente y lo histórico, entre lo ideológico, lo filosófico, lo estético y lo que vende.
Me enteré de la noticia por la revista El Cultural, del períodico español El Mundo, y sinceramente creo que este es un trabajo ejemplar, al igual que otras obras suyas como EL DIÁLOGO MUSICAL .
Ahora bien, esta obra requiere de una reflexión detallada, y en este espacio eso no me es posible, pero si compartir la alegría de quien encuentra agua en el desierto.

_________________________________________________________
Nota: los títulos en color son enlaces directos a la información indicada.

Arturo Toscanini DIES IRAE

De nuevo me he topado con otra representación del "mundo de los directores de orquesta" según la cosmogonía de Luis Suñén, en su reportaje "Dios con batuta"(1) . Esta vez a tomado a Dios por Arturo Toscanini y viceversa. El autor cree hacer un homenaje a la muerte del hombre(2) con la muerte de Dios, pues qué mejor representación de la muerte del hombre que su incapacidad de convertirse en su idea de Dios.

En su reportaje Suñén plantea una nostalgia a la figura del "director furioso" que representa Toscanini en el imaginario histórico, y una añoranza del pasado bastante preocupante, pues es el tipo de añoranza que no deja de ser un sentimiento de fracaso del presente, es una añoranza por el aroma del asombro que hay en lo nuevo pero que no deja de ser un olor de copia nueva.

Creo que este tipo de representaciones de un Arturo Toscanini como si fuese un "Dies Irae", o un "Pater Nostre" renacentista que juzga su creación, o como ser todo poderoso en cuyas manos se define la vida o la muerte, es la aberración típica de una sociedad idólatra y desesperada en su propia autofagia.


Si como en este caso lo que se desea es celebrar la obra de un gran maestro (como es el caso de Toscanini) no hace falta deificarlo, pues no va a resucitar, no es Dios hecho hombre. Es un insulto a su legado buscar en las anécdotas de su carácter el secreto de su profunda y genial imaginación sonora e intelecto musical. La única ira real que puede desatarse con este tipo de fábulas es la de ver como se ha convertido su trabajo en una caricatura de las proyecciones mediocres de una sociedad que es incapaz de superarle.

____________________________________________________________________
Notas:
(1) El Pais, Suplemento Cultural BABELIA, 03/02/2007.
(2)Este 16 de enero se cumplieron cincuenta años de la muerte de Arturo Toscanini.
ENLACE RECOMENDADO: http://www.toscaninionline.com/

Un Mozart "Nietzscheniano"...según Juan Martínez Val

Esta semana me encontré con el libro de Juan Martínez Val(enlace) "MOZART HOY... ¿IMPOSIBLE? ¿QUÉ PODEMOS APRENDER HOY DE MOZART?" (PERGAMINO EDICIONES 03/2006. Edición: 1ª. Número de páginas: 240).

No estoy segura de compartir el optimismo del autor respecto a tomar iconos o modelos para regir nuestro presente, o si es válido buscar repetir fenómenos o personas en otro tiempo o contexto. Pero, considerando que la obsesión mozartiana a llegado a algunos límites realmente ridículos, y que en el 2006 se le tomó por Quijote, no está de más realizar una reflexión sobre un personaje innegablemente genial, el Genio por excelencia.

Martínez Val también diserta sobre otros importantes contemporáneos de W. A. Mozart, algunos de ellos por lo general subestimados ante la imagen del Genio, como es el caso del Maestro Franz Joseph Haydn, Antonio Salieri (sodomizado por el cine), Leopoldo Mozart (fascinante pedagogo) y Constanza, esposa del genio, personaje polémico y aun indómito.

Este parece ser un trabajo serio, pero espero que no vaya a tomarse como uno de esos manuales de autoayuda, sobre todo en nuestra sociedad post-burguesa donde se cree que hasta el genio y la creatividad pueden venir enlatados.

Considerando que el libro supone un pasar de la Ilustración a nuestros días anti-ilustrados o "sobreinformados", esta especie de "Así hablaba Zaratustra (digo Mozart)", puede resultar de un interés crítico para quien busque ir "más allá..." del centenario marketiniano, estudiando los discursos que se han construido alrededor de un compositor que como persona resultó ser tan sui generis como su obra.

La obsurdo de querer ocupar el trono de Karajan

Este 6 d enero de 2007, el escritor y crítico LUIS SUÑÉN ha publicado en el suplemento cultural BABELIA del periódico español EL PAIS una estupenda caricatura de en lo que se ha convertido el mundo de la dirección orquestal.

Luego de la denominada "Era dorada", cuya imagen más popular es la de Karajan (así, a secas), toda una generación de estupendos directores y directoras no hace más que batirse en duelo para ver quién ocupa su trono, algo completamente absurdo.

El problema es que "el mundo de la música clásica", aunque cueste admitirlo, es tan superficial o "superflat" (para usar la denominación de Takashi Murakami) como cualquier industria, igual que la del pop, el jazz, el rap y así hasta más no poder entre todas las "músicas" del mercado.

El público "cosifica" a los directores, incluso las directoras han caído en esta trampa mortal. No solo se trata de que "los abonados" quieren su pan y circo, sino que los profesionales de la música consideran que es necesario cumplir con esta expectativa: Ser el siguiente Karajan. Y no se trata de "tradición", como asegura SUÑÉN en su reportaje, sino de mercado, de marketing.

Lo único que se vislumbra es caricatura, una profesión que exige tanto de quienes la ejercen no debería caer en semejante falacia, pero quien paga es quien manda en la fiesta.

Enlace a reportaje
Enlace a Herbert von Karajan Centrum
Foto: "Herbert von Karajan, fotografiert von R.Lebeck"

Iniciando el año 2007 con Einojuhani Rautavaara

Si la Música es un empoderamiento de los eventos vitales, o del ser humano jugando a dios, la obra de Einojuhani Rautavaara (link) sería mi elección para crear un Golem.

Finlandia es un país en el extremo norte del Artico, y allí los cantos se confunden con las voces que llegan desde el silencio implacable del espacio. Rautavaara ha escuchado esas voces, y las que suben por las estepas y desde las tierras trepidantes de "civilización", con sus academias, sus aculogías y las músicas que en su diversidad se van volviendo inclasificables, tanto que solo se las mide por prácticas sociales.

No se trata de un compositor que "haya inventado algo nuevo", en él se pueden seguir las vertientes de los cambios y las continuidades. Pero he querido comenzar el año con él porque en su música he encontrado FE... y en lo absurdo del mundo, esto es un tesoro, un Golem para proteger a un pueblo que agoniza.

"The Golemanual" - reż. Israel Falke -
Sixfingers Theatre w Turku - Finlandia

Lux Terra

Este Ángel es de donde yo vengo.
Un Ángel de barro
que trabaja la tierra con sus propias manos.
Un Ángel mestizo con el rostro marcado por el sol
y las desgarradoras fuerzas de la vida.

Un Ángel destructor y creador
que toma las estrellas
con esas mismas manos
que han trabajado la tierra
y la han hecho florecer.

**********************************************

(... el tiempo de fiestas-compras empieza,
así que dedico un espacio a la Luz que no viene
de los alumbrados eléctricos de las calles).

La dirección orquestal ¿Una Galería de imágenes?

Durante el mes de noviembre el canal de televisión francés MEZZO incluyó en su programación una serie de documentales y conciertos dedicados a la figura del "Maestro", alias el Director de Orquesta.

El ciclo incluyó títulos como:

1. Celibidache´s Garden
2. Welcome Mr. Chung (Myung-Whun Chung)
3. Classic Archive:Evgeni Mravinsky
4. Ilya Musin: the master of masters
5. CIassic Portrayal: Graziella Contratto
6. Conversations with Jun Märkl

A continuación LA GALERIA(incluye enlaces) y algunas reflexiones...

Celibidache´s Garden









Welcome Mr. Chung
















Classic Archive:Evgeni Mravinsky














Ilya Musin: the master of masters














CIassic Portrayal: Graziella Contratto














Conversations with Jun Märkl

* * *

Personalmente encontré fascinantes no sólo los documentales y conciertos, sino los contenidos... las lecturas "entrelíneas" de una imaginaria visual construida alrededor del culto al Maestro y a la profesión: dirección orquestal.

Como profesional del gremio también me pareció muy interesante la elección de la "nueva generación". Ver como al lado de Celibidache (graciosamente retratado por SU hijo en SU Jardín, donde naturaleza, mascotas, discípulos y monjes tibetanos se mezclaban de formas diversas); de Myung-Whun Chung y la orquesta de Radio France, en gira por España; de Evgeni Mravinsky y la música sinfónica de la URSS; de Ilya Musin sentado en un parque de Leningrado-San Petersburgo meditando sobre su vida; y luego incluir sin más a Graziella Contratto y Jun Märkl.

Vale la pena reflexionar que, si la idea era incluir a una nueva generación de directores en relación a los Maestros consagrados se eligiera:

1) A una directora y a un director de innegable talento (lo que señala los tiempos que corren).

2) Al elegir a una directora, por qué no se incluyó a una de las que compartieron espacio con Celibidache, Mravinsky y Musin, es decir, a personalidades de su misma altura, como lo fueron Nadia Boulanger o Verónika Dudárova... es más, por qué no se incluyó a alguna de las contemporáneas de Myung-Whun Chung, como Marin Alsop o Gisele Ben-Dor? ¿Es qué acaso las directoras son invento nuevo? Pues no, y así como Graziella Contratto y Jun Märkl son parte del legado de los tres Maestros lo son de muchas Maestras.

Otro aspecto de los documentales que me hizo meditar es lo gracioso que resulta ver como se alimentan los clichés y como las imágenes perviven en nuevas generaciones. El problema reside en que no se critica el como dichas imágenes se convierten en pose, en como se convierten en sinónimos del trabajo musical. Al parecer el "posar como" no se identifica con denigrar la profesión sino como algo positivo... lo cual es completamente irónico.

Sinceramente disfruté muchísimo de este ciclo de documentales, y confieso que me permitió meditar sobre la importancia de conservar la escuela crítica y la sabiduría del pasado, pero no convertir el presente en una caricatura.

Agnieszka Holland y su Friso de Beethoven

Acerca de la impresionante metáfora radical que es la película "Copying Beethoven" de la directora polaca Agnieszka Holland, estrenada este 20 de octubre de 2006. Es importante señalar que, como músico, y amante de la obra del Maestro, esta es, sin duda, una obra cinematográfica que va ha suponer no solo un clásico polémico, sino un homenaje valiente y apasionado a la que es la obra emblemática de la idea moderna de humanidad, la Novena Sinfonía en re menor Op. 125, y una enunciación de las obras que abren la puerta al siglo veinte, los últimos cuartetos Op. 127, 132, 130, 131, 135, especialmente la Gran Fuga op.133.

Holland y su equipo, no solo han creado una joya del séptimo arte, sino una visión radical de Beethoven como símbolo, desde la iconografía de la época hasta el mito. Aquí el personaje histórico es más que un relato de hechos, es una experiencia poética y espiritual.


Esta no es una obra apta ni para las masas ni para los puristas. Es solo para aquellos capaces de experimentar eso que Pierre Boulez llama "imaginación" y Susan Sontag "pensamiento radical". Hay que saber ver, e hilar muy fino entre la delicada y sofisticada espesura de mente.

Ed Harris realiza una representación a la altura de su Pollock del año 2000. Respeta hasta el último detalle a esto que llamamos profesión, pero que en realidad es una forma de vida que devora la Vida: LA MUSICA.

Personalmente creo que hay que ser valiente para realizar un proyecto de esta envergadura, matizado de un humanismo y porque no, un feminismo, pues el personaje "Ana", la compositora y directora asistente de Beethoven dentro de la trama, es un símbolo de la emancipación de las mujeres, es un guiño al tiempo, a las creadoras e intelectuales, y porque no, a la musicología feminista. Se trata de un proyecto brillante, y lamento de ante mano que, como suele suceder, el mundo este sordo para oírlo.

En definitiva, una obra de ruptura, un poema de Schiller, de Klimt, y Friso de Holland.

Este artículo ha sido publicado en la Revista Digital OPUS MUSICA Nº 11, 2006 (dar click para enlazar). También se incluye una crónica sobre la ponencia de Joaquín Díaz en Nueva Economía Forum.

Ser en el Laberinto

La Vida es un laberinto, y no siempre se vive para encontrar la salida, sino solo para hacer el recorrido. El asunto es que al ser un laberinto, tampoco se sabe donde se encuentra uno, igual te puedes subir a las paredes para mirar por arriba y tratar de ubicarte, o de repente encontrarte con un hilo de Ariadna, o con un Minotauro, es más, incluso puedes ser un Teseo heroico y traidor, o un Baco enamorado de la Ariadna abandonada; hasta te puede tocar ser el Minotauro que se encontraba tan en paz dentro de su casa (pues el laberinto es su casa), y de repente ser atacado por un Teseo que sin más te corte la cabeza.

La CREACIÓN por Nora Kelly

La CREACIÓN por Nora Kelly

Encontré por casualidad este "borrowing" sobre la obra emblemática de Miguel Ángel y me sorprendió. Es perfecto para un "sin comentarios", habla por si mismo y para quien quiere escuchar.