Desesperación por el público

Constantemente se escuchan voces reclamando que los teatros se quedan vacíos, que el público de la llamada "Gran Música" se muere (y no sólo literalmente), pues los abonados van desapareciendo con sus trajes de corbatín y sus abrigos de piel.
Los directores(as) de teatros y auditorios buscan mil y un maneras de mantener en pie la industria y los puestos de trabajo, pero no la Música. La Música es un pretexto para la industria, como lo son los abonados y la desesperación. Trabajo. Ese es el problema principal: generar trabajo. Pero qué trabajo, el de los cachés des-mesurados de las estrellas del plató, o el de los creadores que se afanan solitarios. No, la industria busca las "estrellas", porque a un público cuya única medida es el "estrellato", a un público que no es capaz de reflexionar, le da completamente igual, ellos quieren el autógrafo, la fotografía, el programa de mano que prueba su "culturilla"... y peor aún, por eso se prostituyen los creadores... por un público que no les reconoce si no aparecen en los medios de comunicación de turno o son apadrinados por el señor(a) feudal correspondiente. Esa es la desesperación de los teatros... porque ellos tampoco reflexionan, ellos quieren abonados, ellos son esclavos del público, y el público quiere "pan y circo".

¿Qué hacer? Preguntémosle a los sistemas educativos que son un desierto de reflexión... preguntemos a los que tienen hambre y deseo de justicia... a los que de ser perseguidos se convierten en perseguidores. Una amiga cercana, excelente pianista me comentó: "tenemos que aprender a escuchar con los oídos de nuestra época, los oídos del gran espectáculo de la Música Pop". Y yo me pregunté, pero ¿acaso con eso nos bastará, acaso la Música se quedará en un espectáculo de masas, acaso toda su polisemia se quedará fijada en los reflectores?

Glenn Gould expuso también su inquietud, eso sí, con un humor digno de su mente privilegiada, en su escrito teatral "Glenn Gould Interviews Glenn Gould about Glenn Gould"(en High Fidelity, Febrero 1974), un análisis preciso e iluminado del problema que hoy parece presentarse como el cáncer de la sociedad actual, pero que en realidad es más antiguo que el propio Coliseo.

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Nota: imágenes de la silla de Glenn Gould.

¿Qué es, qué significa "ser humano"?

Esta especie de Hamlet de Andrés Serrano podría llevar la pregunta:
"to be, or not to be" - ¿Qué es, qué significa "ser humano"?
La Ciencia trata de explicarlo con fórmulas pero seguimos pendientes de nuestro propio cadáver, y tal vez sólo el Arte pueda mantener "El Pesar": "El dedo en la llaga".
Luego vienen más preguntas, cómo "la muerte del hombre" y "la nueva mujer"... y entonces nos encontradamos en PHOTOESPAÑA07 con esta fotografía (tamaño gigante) del mismo Andrés Serrano....tremenda, colgada de la fachada del "Círculos de Bellas Artes" en Madrid.

Y los hominidos seguimos vivos,
en des-ajuste (como dijo Anaximandro), pero vivos.

Alejandro Cardona y el "Zachic"(maya) como metáfora musical

El compositor Alejandro Cardona (1959) se convierte en el primer costarricense ganador de un premio internacional de composición otorgado por una Comunidad Española, se trata del VI Concurso Internacional de Composición Isla de La Gomera (Islas Canarias, 2007)*. El premio ha consistido en 6.000 euros, y el estreno absoluto estará acargo de la Orquesta de Cámara de Garajonay y la Orchestre Sinfonietta de París(1).
La creación ganadora de Cardona se titula: "Zachic 5. Concierto Grosso para flauta y orquesta de cuerdas”, y según el director artístico del Centro Canario de Música Iberoamericana, Roberto Túbaro, "la composición ganadora está inspirada en la atmósfera de la rica naturaleza centroamericana"(2). El nombre Zachic está inspirado en “el pájaro Zachic (maya) o Zenzontl (Náhuatl), ave de cien voces, que, según dicen algunos musicólogos, fue una de las bases para la creación de los cantos del pueblo maya-quiché de Guatemala”(3).

Respecto al Concurso, este es “organizado cada dos años por el Centro Canario de Música Iberoamericana y patrocinado por la Corporación Insular, se realiza con el propósito de promover la creación musical en el ámbito iberoamericano y, por tanto, está dirigido a los compositores cuya nacionalidad pertenezca a países de la comunidad iberoamericana o extranjeros con una residencia mínima de tres años”(4). Por esta razón el concurso es uno de los proyectos de cooperación cultural iberoamericana y española que actualmente están creando nuevos espacios para el diálogo intercultural e intelectual entre las dos orillas. En todo caso, esperemos que este sea uno de muchos, y que las nuevas generaciones de compositores(as) iberoaméricanos(as) empiecen ha abrirse camino en la música contemporánea española y europea.


Alejandro Cardona en el panorama internacional:

Alejandro Cardona es uno de los compositores centroamericanos más interesantes de la actualidad, junto a los Benjamín Gutiérrez, Bernal Flores, Mario Alfaro Güell, Eddie Mora, Allen Torres, Marvin Camacho, Roque Cordero, Germán Cáceres, Luis Fletes, entre otros. Graduado en la Harvard University, Masters Degree in Image Synthesis and Computer Animation de la Portsmouth University y The Utrecht School of the Arts. Vive durante varios años en México, donde se dedica a la investigación de la música mesoamericana y caribeña. A participado en el Foro de Compositores del Caribe, el Foro Internacional de Música Nueva (México), el Festival Latinoamericano de Música (Venezuela), The World Music Days (México 1993), el Festival Internacional Cervantino, el Festival Iberoamericano de las Artes (Puerto Rico), entre otros.

Además ha recibido la Mención de Honor en el Primer Premio Ibero-American de Composición Rodolfo Halffter (2004), el Premio Nacional “Aquileo J. Echeverría” (Costa Rica 1999, 2000, 2002) por sus obras “Códices”, “Bajo Sombras” y “En el eco de las paredes”, y varias de sus obras has sido grabadas por algunos de los más interesantes e importantes conjuntos de cámara, como por ejemplo el Cuarteto Latinoamericano. Actualmente se desempeña como docente en la Universidad Nacional (UNA, Costa Rica), como investigador en el CENIDIM (México), como co-fundador de la Editorial Nuestra Cultura, miembro del Colegio de Compositores Latinoamericanos(5), y compositor asociado del Proyecto ORQUESTA NUEVO MUNDO de ACIMUS (España).


“Zachic” como metáfora musical

Cardona ha utilizado el nombre de Zachic para varias de sus obras desde 1994. A este respecto Alejandro comenta que: “Respecto al título de esta obra (y las otras del …mismo nombre), la palabra Zachic proviene del nombre maya que se daba al pájaro que en náhuatl se llamaba zenzontl, y en castellano cenzontle o sinsonte, el pájaro de cien voces. Algunos investigadores guatemaltecos afirman que el canto de esta ave inspiró muchos de los cantos del pueblo maya-quiché”(6).

Las otras obras del “ciclo” que comparten esta visión son:

• Zachic 1 (1994) para violin y piano (7)
• Zachic 2 (1994, para quinteto de vientos): donde se refiere a una música de los indios Huaves, tal como la conoce de la región del Istmo de Tehuantepec: la “danza de la culebra”(8).
• Zachic 3 (2003, para orquesta sinfónica), estrenada en el XXVII Foro Internacional de Música Nueva por la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN) de México, bajo la Batuta de Juan Carlos Lomónaco (9)
• Zachic 4 (2006, para flauta (flauta en sol, flautín), clarinete en si bemol (clarinete bajo), violín, violoncello y piano): “…parte de un ambiente sonoro misterioso y evocativo, y la buena dosificación instrumental imparte a su pieza una notable claridad. Hay, a la vez, una intensidad dramática y una energía concentrada que nunca decaen, y que se convierten en el cimiento que da unidad a la partitura. (…)Variedad de estados de ánimo, eficaces movimientos paralelos, escritura límpida, son algunas de las cualidades de Zachic 4, obra que confirma a Cardona como uno de los compositores más sólidos de nuestro vecindario continental.” (10)

Esta reiteración de la utilización del nombre “Zachic” como metáfora se debe a que: “Para el compositor, el zachic es un símbolo de la increíble capacidad de nuestros pueblos para transformar su realidad sonoro-musical: las naturaleza se vuelve cultural y la cultura forma parte de la naturaleza. Este símbolo de la relación, incialmente imitativa y luego compenetrada, entre cultura y naturaleza tiene diversos tratamientos musicales a lo largo de la obra. Y en el caso específico de Zachic 5, tal vez sea, más que nada, un llamado a que la cultura humana no destruya su entorno natural, a que cultura y natura puedan seguir subsistiendo juntos en equilibrio”(11).


“ZACHIC 5” en palabras de Alejandro Cardona:

“Zachic 5, al igual que las demás obras del compositor con este nombre, se estructura en 4 partes, con un diseño lento-rápido-lento-rápido. En esta obra, además de la flauta solista, los principales de los dos violines, violas y violoncellos tienen un papel concertante e interactúan con la flauta. Los cuatro movimientos llevan por nombre: Pájaros y cantos, Danza de los pájaros que piden agua, Pájaro soñando o sueño con pájaro, y Danza del último pájaro. El material musical de la obra, en parte, se basa en (o evoca libremente) cantos de pájaro. El primer movimiento, Pájaros y cantos, que arranca con la flauta sola, tiene, además, un importante diálogo entre la flauta y el primer violín concertante que, en varios pasajes, imita el canto de la flauta. Danza de los pájaros que piden agua, que surge del primer movimiento sin una pausa, es una danza movida en donde las cuerdas acompañantes tocan casi exclusivamente pizzicati y la flauta desarrolla una parte virtuosística, como si los pájaros bailaran. La parte central de este movimiento lleva una anotación en la partitura que dice “los pájaros platican con Tláloc y Matlalcueye”, dios mexica de la lluvia y la fertilidad, y tlaxcalteca del agua dulce respectivamente. Matlalcueye (Chalchiuhtlicue para los mexicas) es la segunda esposa de Tláloc, luego de que Tezcatlipoca secuestró a su primera esposa, dejando a Tláloc tan triste que la tierra se secaba por falta de lluvia. Al casarse con Matlalcueye se alegró y empezaron de nuevo las lluvias sobre la tierra. El título de este movimiento viene de un dicho de los campesinos en Costa Rica. Ellos dicen que cuando los pájaros cantan (sobre todo en las mañanas) en la época de transición hacia la estación lluviosa, están “pidiendo agua”. Pájaro soñando o sueño con pájaro es un largo solo para flauta que “flota” encima de unas sonoridades en las cueras, sostenidas durante todo el movimiento. De nuevo, el violín primero concertante entra en dialogo con la flauta, imitándola. Danza del último pájaro es una especie de lucha musical entre cuerdas y flauta. La parte central (“danza cañona”) es una sección canónica. Este subtítulo es, para el compositor, un juego de palabras irónico que evoca “canon” (procedimiento imitativo), “canónico” (una evocación religiosa: fueron los curas que llegaron con la conquista los que enseñaron estas técnicas musicales a los músicos locales, en medio se un mundo sonoro para ellos desconocido y luego mal comprendido) y “cañona” (sustitución coloquial en el habla mexicano actual para la palabra “cabrona”). Al final del movimiento, la flauta, último pájaro, evoca el comienzo de la obra antes de morir definitivamente”(12).

* Este artículo ha sido publicado por OPUS MUSICA, Nº 18, sep. 2007, como "Concurso de Composición. Alejandro Cardona gana el VI Concurso Internacional de Composición Isla de La Gomera (Islas Canarias, 2007)".
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NOTAS:

(1) En: http://www.canariasmusica.com/web/contenidos/noticias/86/
(2) En: http://www.eldia.es/2007-06-14/islas/islas2.htm
(3) En: http://www.arts-history.mx/semanario/index.php?id_nota=09052005123929
(4) Más información en: http://www.canariasmusica.com/web/contenidos/noticias/86/

(5) Biografía completa y más detalles sobre sus obras en: http://www.colegiocompositores-la.org/en/bio.asp?nom=Alejandro&ape=Cardona

(6) Entrevista vía correo electrónico: 16 de Julio del 2007
(7) En: http://www.colegiocompositores-la.org/detalle_obra.asp?id=689

(8)En: http://www.latinoamerica-musica.net/compositores/cardona/portrait-es.html

(9) En: http://www.arts-history.mx/semanario/index.php?id_nota=09052005123929
(10) Juan Arturo Brena, 29 del Foro Internacional de Música Nueva (Auditorio Blas Galindo del Centro Nacional de las Artes, México, 2007), en La Jornada, disponible en: http://www.jornada.unam.mx/2007/06/30/index.php?section=opinion&article=a06a1cul
(11) Entrevista vía correo electrónico: 16 de Julio del 2007
(12) Ibidem.

CARTA CULTURAL IBEROAMERICANA

Recientemente se acaba de aprobar la CARTA CULTURAL IBEROAMERICANA, carta que también ha sido firmada por España, lo que reafirma los nexos que desde hace más de 500 años nos unen y separan.

Pero esta carta es más que un acuerdo político, es una afirmación de la Cultura como ente para el desarrollo, es un SI rotundo a la producción cultural que hace de los pueblos y las naciones lo "que son": una comunidad, más allá de etnias, géneros, tribus y asuntos económicos. Esta carta incluye todos los ámbitos del conocimiento, abriendo el concepto de "Cultura" a "Ciencia", o como señala Hegel, como "ciencia de la experiencia de la conciencia".

Pero de nada sirve si no la conocemos, por eso les invito a leerla... no vaya a pasar como con la Constitución Europea, que muchos fueron los llamados y pocos los escogidos, y apesar de la movilización de medios para que todos la conocieramos, la mayoría pasó totalmente del tema.

Valoremos este acto de fe en la cooperación internacional para el desarrollo, esta carta es un ejemplo de pensamiento comunitario, apoyémosla creando proyectos que continúen con su objetivo.

El Canto del Cisne...

El violoncelistas bosnio Evstafiev entre las ruinas de una de las bibliotecas más antiguas de Europa...el canto del cisne sobrevive al holocausto del odio.

FILOSOFIA DE LA MUSICA: de Adorno a Sartre

Recientemente la Revista OBSERVACIONES FILOSÓFICAS Y el portal "Hablemos de Sartre":


....han publicado mi artículo sobre Filosofía de la Música:
"Sartre, Leibowitz, John Cage y la Filosofía de la Nueva Música: del compositor dialéctico al compositor existencial" , disponible en:
http://www.observacionesfilosoficas.net/artesartre.html

Lo incluyo acá para todo@s los interesad@s en el tema.

La Filosofía de la Historia de Walter Benjamin

Tengo las alas prontas para alzarme, Con gusto vuelvo atrás, Porque de seguir siendo tiempo vivo, Tendría poca suerte.
GERHARD SCHOLEM: Gruss vom Angelus.

Hay un cuadro de Klee que se llama Angelus Novus. En él se representa a un ángel que parece como si estuviese a punto de alejarse de algo que le tiene pasmado. Sus ojos están desmesuradamente abiertos, la boca abierta y extendidas las alas. Y este deberá ser el aspecto del ángel de la historia. Ha vuelto el rostro hacia el pasado. Donde a nosotros se nos manifiesta una cadena de datos, él ve una catástrofe única que amontona incansablemente ruina sobre ruina, arrojándolas a sus pies. Bien quisiera él detenerse, despertar a los muertos y recomponer lo despedazado. Pero desde el paraíso sopla un huracán que se ha enredado en sus alas y que es tan fuerte que el ángel ya no puede cerrarlas. Este huracán le empuja irreteniblemente hacia el futuro, al cual da la espalda, mientras que los montones de ruinas crecen ante él hasta el cielo. Ese huracán es lo que nosotros llamamos progreso.
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WALTER, Benjamín: "Tesis sobre Filosofía de la Historia", Tesis Nº 9, p. 5. Disponible en: REVOLTA GLOBAL

Sitio Recomendado:"Benjamin y el concepto de Historia" por Bolivar Echeverría.

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PD: El momento de reflexionar sobre la música, la filosofía y la historia es ahora.

Riding Alone for Thousand of Miles...

La nueva producción Riding Alone for Thousand of Miles del director Zhang Yimou contiene esa mágina que transforma lo aparentemente "simple" en lo extraordinario. Es el viaje de un hombre a través de sí mismo, es un poema a la belleza humana que hemos olvidado, algo así como lo que Adam Zagajewski plasmó en su obra maestra: EN LA BELLEZA AJENA.

Se trata de un film dónde la frase sartreana "el infierno son los otros", esa profecía de A puerta cerrada, no tiene cabida, aquí el animal humano, el "homo homini lupus" es un ángel caído que, como en el "Heiliger Dankgesang eines Genesenden an die Gottheit, in der Lydischen Tonart" del cuarteto op. 132 de Beethoven, renace de entre las más profundas tinieblas trayendo consigo la luz eterna.

Yimou conserva su estética donde lo contemporáneo coexiste con la tradición en el más perfecto equilibrio, esta vez incluyendo un especial homenaje a la "ópera popular china" citando la obra "Riding Alone for Thousand of Miles" (de la que al parecer toma el título para el film), de este género toma la metáfora de la máscara, del padre y el hijo, del ser humano buscándose a sí mismo en la inmesidad de la naturaleza, una naturaleza sabia que le recibe en su seno para devolverle la esencia de la vida, y en cuyo regazo al fin puede descansar después del largo-corto viaje que es la existencia.

A esto se suma una lección socio-cultural, porque Yimou aprovecha el lenguaje para señalar a los occidentales, muy habituados a llamar "oriental" todo lo que les quepa en el estereotipo del "hombre amarillo", que China, Japón, Corea, Mongolia, y en ellos todos los pueblos y tribus humanos son únicos y particulares en su cultura y en su hibridación, pero con esta indicación expone también una idea de comunidad donde el personaje principal somos todos nosotros. En definitiva, una obra maestra digna de ser vista una y otra vez.

¿Qué significa "hacer música"?

¿Qué significa "hacer música"? Creer que podemos responder a esta pregunta significa vislumbrar ese laberinto del que nos habla Borges: "No habrá nunca una puerta. Estás adentro" (1). Pero, también es el laberinto de Schoenberg: "un laberinto, la entrada y salida de todos cuyos puntos sabe el experto sin que lo guíe un hilo rojo" (2).

Pero, para los que estamos adentro y necesitamos un hilo rojo, recomiendo ver el video de Glenn Gould: "Glenn Gould plays Bach" (3)...resulta revelador, no sólo por su técnica de estudio sino por el proceso de fusión y fisión que realiza Gould con la obra... la DEVORA, la hace suya y a su vez él se vuelve en ella. Es impresionante, no se trata sólo de interpretar, de ejecutar, sino de volver-se la Música en carne, sangre y energía humana.

Esto sucede también en el libro de Bruno Walter: "Of Music and Music Making"(1961) donde Walter construye una metafísica del "hacer música". Lástima que la obra esté fuera de imprenta, valdría más que muchos textos "didácticos" que se vende hoy por pura "fama" de sus autores y cuyo contenido no es más mera cacofonía.

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NOTAS:

1. BORGES, J. L.: "Laberinto", en Elogio de la sombra (1969), incluído en Obra Poética, 2, Biblioteca Borges, Alianza Editorial, 2005, p. 243.
2. ADORNO, Th.W.: Filosofía de la Nueva Música, en Obra completa, 12 (Trad. Alfredo Brotons), Akal, 2003, p. 104.
3. Donde se muestra trabajando las "Variaciones Goldberg".

Un piano, una habitación, un humano y acción (...)

Con sólo una habitación blanca y un piano negro Clint Eastwoon ha creado un documental delicioso y transparente sobre y con El Blues, esa música que canta, como diría Sartre: la angustía de la libertad, de la Nada, de la responsabilidad absoluta de sí mismo que tienen el ser humano. Esa libertad de sonidos que son carne y sangre en la acera de la vida.

Este documental trae a la memoria esa emoción viceral que la producción industrial y de ascensor han ido penetrando con su sordera, dejándonos sordos.

Con su simpleza y honestidad este filme nos recuerda esa sensación que describe Adorno en su Beethoven, Filosofía De La Música, cuando confiesa que lo que ha buscado toda su vida es recuperar esa primera emoción que tuvo cuando niño al sentarse ante un piano y ver un libro abierto cubierto de dibujos y líneas negras...

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ENLACES RECOMENDADOS:

http://www.pbs.org/theblues/aboutfilms/eastwood.html
http://en.wikipedia.org/wiki/Piano_blues
http://eastwoodclint.free.fr/clint_jazz/clint_jazz.htm

**Anexo: http://www.apoloybaco.com/Cinejazzhoy.htm**

Música y Era biotecnológica

Recientemente la Revista OPUS MUSICA publicó mi artículo sobre "Música y Era biotecnológica", el cual incluye un acercamiento a la obra de la compositora Annie Gosfield. Aprovecho para adjuntar acá el link al artículo:
http://www.opusmusica.com/015/biotech.html#nota6

El "Festival América-España" y la in-visibilidad

Este mes de junio se celebrará en el Auditorio Nacional de Madrid, el "Festival América-España" una estupenda propuesta que se cose al fuego de la cooperación iberoamericana. Sólo que la maravillosa idea tiene dos problemas: no ha incluido a ninguna compositora, y el espacio de encuentro que ha creado para la reflexión respecto a la música en América y España es ínfimo, en el programa de mano oficial (abril 2007) aparece sólo una conferencia en la Residencia de Estudiantes. Aunque al final se han incluido más coloquios, véase la página oficial del Festival en : http://ocne.mcu.es y cuadriptico oficial (junio 2007), lo cual es una excelente noticia.

Ya es suficientemente vergonzoso que haya que hilar fino en los textos oficiales para poder encontrar citas a las creadoras e intelectuales (incluidas madres y esposas), pues el modelo de poder y de Creador sigue siendo masculino y la opinion pública parece no encontrar importante dicha centralización, o en algunos casos no se va más allá de la curiosidad. Es una lástima que un proyecto tan importante como el “Festival América España” de la Orquesta y Coro Nacionales de España, donde colaboran dos directoras españolas, sea un ejemplo de esto, lo que abre un tremendo vacío.


No se trata de caer en la trampa de generar preguntas cómo: ¿acaso no exiten compositoras “en la medida de” Villalobos, Ginastera, Piazzolla, Toldrá, Albéniz, de Pablo o Golijov? Lo que supone en ellos un paradigma masculino de creador iberoamericano, que también afecta a otros compositores que tampoco fueron incluidos. Tampoco se trata de considerar que “ya se pagó la cuota” incluyendo a dos directoras. No. El problema radica en la invisibilidad, en el impacto de crear una “no existencia” a pesar de "conocer" (pues actualmente existe suficiente información como para alegar desconocimiento) ¿dónde están Tania León, Odaline de la Martínez o Alicia Terzián, por citar algunas figuras internacionalmente conocidas?

Además, en España hay suficientes compositores(as) y musicólogos(as) del norte, centro y sur América como para haber organizar más encuentros con los compositores(as) españoles,... y temas para tratar sobran. Lo que vuelve más conflictivo el hecho de que sólo se organizara una conferencia al rededor de Madrid y Bercelona. En un evento históricamente tan significativo como este Festival, que pretende “crear un espacio específico para el estudio, la divulgación y la difusión de la música española e iberoamericana”(1), la omisión implica anulación. Esperemos que en próximas ediciones esto vaya cambiando.

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NOTA:
1. “Festival América España”: “El Festival” (Introducción de Josep Pons), en Programa de mano, Madrid (junio 2007), p. 3.
IMAGEN:
Joan Miró, "Mujeres escuchando música".

Patricia Petibon y las carcajadas de nuestro tiempo

Casos como el de Patricia Petibon, o Nigel Kennedy, son realmente interesantes no solo desde el punto de vista estético visual, es decir, por su imagen contradictoria y "rompedora" de los esquemas tradicionales más allá de la idea marquetiniana de "modernizar" el look de los "artistas clásicos" -por decirlo de alguna manera-, sino, por lo fascinante de sus representaciones, esquisitamente circenses e híbridas (a lo Cirque Du Soleil).
La deliciosa y refrescante ironía de sus ejecuciones en cuanto al core repertoire o la denominada "massclásica", es estremecedora. Es verdad que Petibon "es un equipo", y debe mucho a Cathy Berberian y su "Laberinto de la voce", así como a "The Cat in the Hat", del escritor y dibujante estadounidense Dr. Seuss; y ¡que decir del manga japonés postmoderno y la tendencia "superflat" de Murakami! ...Pero el mérito es innegable, hay que tener valor para cantar al ridículo de nuestra sociedad actual, a su iconoclástica y a su racionalismo virtual, pues cada vez sabemos menos, cantamos menos y escuchamos menos las voces de nuestro tiempo, incluídas sus risas, esas carcajadas sarcásticas escondidas bajo las piedras de la "civilización".

Imma Shara como imagen

La directora de orquesta y compositora española Imma Shara es reconocida por su colaboración con la Casa Real Española y la Fundación Príncipe de Asturias. Además, por supuesto, de su exitosa carrera profesional.

Pero, a pesar de que existe en España -como en otros lugares- una especie de costumbre por parte de las directoras, compositoras y "orquestas de mujeres", de autoproclamarse "las pocas"(1) o "las únicas"(2)... en pos de sus carreras profesionales o ideales pseudofeministas (lo que no deja de ser perturbador, pues la paridad no consiste en eso). El caso de esta directora en particular, quien no solo ha participado en conciertos oficiales dedicados a las víctimas del terrorismo, sino que ha llegado a convertirse en imagen de la firma cosmética y miembro del jurado del Círculo Olay, (el cual patrocina un concurso de becas para mujeres españolas que deseen iniciar o reiniciar sus estudios), no deja de ser un caso donde hay que reconocer que el valor filantrópico a veces justifica los medios.

Lo que me recuerda el Prefacio al ensayo "El Artista y su Conciencia" del director René Leibowitz (1950), donde Jean Paul Sartre dejó expuesta una problemática que aquí esta muy clara: el cómo en la dirección orquestal, como profesión remunerada, no bastan solamente el nivel intelectual y musical, es necesaria también una imagen "corporativa" personal identificable con valores determinados, donde las estéticas de élite y de masas se confundan, por ejemplo, con ideales humanitarios, feministas o identitarios de cualquier índole acordes con su época, convirtiéndolos en objetos estéticos. Ya la expone Terry Eagleton cuando afirma que la estética es una ideología.

Imma Shara es un buen ejemplo, su mérito es innegable, ella ha sabido convertirse en uno de los rostros de su momento histórico.

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NOTAS:

(1) Un ejemplo de este tipo son las afirmaciones de Imma Shara, quien en una entrevista publicada en la MAGAZINE 250 de El Mundo (2004) dice que "somos solo seis mujeres en el mundo". Algo que puede desmentirse con tan solo mirar en la KAPRALOVA SOCIETY.
(2) Como es el caso de la OSMUN quienes han afirmado en EL PAIS (2006) ser "la única orquesta femenina de Europa..."

ENLACES RECOMENDADOS:
Concierto benéfico 2007
"Enseñando como amar la música"
Imma Shara CV
Entrevista en Mundo Económico
Entrevista para RIVERAMUSICA

¿Son posibles una Música y Teatro "OUTSIDERS" en Iberoamérica?

Esta semana (26-28 de marzo) tuve el gusto de asistir al Congreso internacional "Teatro y Música en España: los géneros breves en la segunda mitad del siglo XVIII", organizado por la Universidad Autónoma de Madrid(UAM), el CSIC y el Ayuntamiento de Madrid, el cual se celebró en las instalaciones de Centro Cultural Conde Duque y su Biblioteca Histórica. Congreso al cual acudieron especialistas, investigadores y estudiantes de América (Norte, Central y Sur), España, Alemania, Francia e Italia. A este respecto, adjunto una video-entrevista dedicada a la directora del congreso y especialista Dra. Begoña Lolo, a quien entrevisté el 17 de abril en la UAM, y con quien conversé sobre el congreso, su ponencia y proyectos, así como sobre este repertorio fascinante. Entrevista que esta disponible en la Revista on line OPUS MUSICA Nº 15.

El congreso incluyó una puesta del "Melólogo Inés de Castro” (escena trágico-lírica), con música de Blas de Laserna y texto de Luciano Francisco Comella. Obra recuperada y editada por German Labrador (UAM), presentada por la Camerata del Prado bajo la dirección de Tomás Garrido. Laserna es uno de los compositores españoles más interesantes del siglo XVIII, y algunas de sus obras han sido editadas también por el ICCMU, pero es una lástima que no se disponga de más material para poder llevar a la escena su obra más representativa, haría falta un monográfico especializado que incluyera un colección de partituras.

Otro aspecto importante que destacar es el ámbito iberoamericano de estos repertorios, pues aun se conserva en España y América una documentación que espera ser estudiada rigurosamente. Estas obras son una fuente de especulación estética e ideológica muy interesante, debido sobre todo a su caracter de "outsider" respecto a los repertorios italiano, francés y alemán, con los que se suelen estandarizar. Cargado de peculiaridades socio-culturales y estéticas, su reconstrucción e interpretación va desde el historicismo conductista-positivista más extremo, pasando por el prisma de las teorías sobre "hibridación" (utilizando el enfoque de García Canclini), hasta lo vanguardista, lo popular y folklórico contemporáneo, enfoques que que dependiendo de las circunstancias, es decir, inmerso in situ, lo convierten en una "opera aperta", como diría Umberto Eco.


Los "monstruos", tópicos y arquetipos que coexisten en esta música son realmente fascinantes, pero por ello "periféricos" en consideración a repertorios más cerrados por la práctica y mitos contemporáneos, respecto a lo que "debe ser" o "lo que pueden ver" tanto los musicólogos, como los estudiosos del Teatro y los interpretes (mediados estos por una educación ideológica marcada por los nacionalismos y los eurocentrismos). Por esta razón, y aunque es un anglicismo, he utilizado la denominación "outsider" (cargada de connotaciones contrahegemónicas) para esta música y teatro salvajes, caricaturescos, versátiles, GROTESCOS y SUBLIMES, los cuales necesitan ser, como comentaron Dr. Joaquín Álvarez (del CSIC, también director del congreso), y ponentes como Dra. Susana Antón (Argentina), Dr. Josep Maria Sala-Valldaura (Catalunya) y Dra. Elisabeth Le Guin (UCLA): pensados como un modo, un "uso", no como un género "fosilizado"... como un metalenguaje, no como una maqueta,... y mucho menos como un "BIG MAC" cultural.

La obertura de La Flauta Mágica por Ingmar Bergman

Luego del Oscar Honorífico recibido por Ennio Morricone, creo que valdría la pena considerar un fenómeno interesante, el de la música como "close up", es decir, como acercamiento a un rostro, a una imagen, como subjetivación u objetivación. Como búsqueda de ese inexorable espacio que se establece entre nosotros y los otros. Pienso en los famosos temas creados por Morricone para Sergio Leone, o en ese místico solo para oboe que escribió para "La Misión", especie de relectura de J. S. Bach y de A. Dvořák, todo un discurso de imágenes creadas con sonidos, con representaciones,con realidades encarnadas por personajes y espacios, construyendo un paisaje que se introduce como si se tratase de un "zoom in" en la mente del espectador y del actor.

Pero este no es un caso particular, personalmente considero que el caso más fascinante de "zoom in" musical es la obertura de La Flauta Mágica de W. A. Mozart propuesta por Ingmar Bergman("Trollflöjten", 1974): donde la música escrita por Mozart es concentrada por el cineasta en el rostro de una niña que forma parte del público que asiste a la representación de la ópera. Es impresionante como cada expresión de esta niña es cuidadosamente estudiada y coloreada con los rostros de otras personas del público (niños, ancianos, hombres, mujeres, y gentes de diferentes etnias), guardando un movimiento de cámara casi mínimo Bergman asume el tiempo y el espacio estructurados por la música y los convierte en melodías de timbres, de rostros cotidianos y misteriosos a la vez, como en una especie de "boyerismo" invertido de la escena al público, con lo que logra exponer un discurso silencioso a través de la música, es decir, el silencio de los rostros que a su vez "escuchan" la música de la obertura de Mozart se convierte en un "close up" al imaginario del espectador, al enigma de su interior.

En este sentido, esta especie de concepción de "close up sonoro" aplicada por Bergman, donde el rostro parece transmutarse en estructura abierta, en tema intrincado, fue cuidadosamente trabajada por su colega, el compositor sueco ERIK NORDGREN, quien trató de explorar ese paisaje insondable en la música que compuso para varias de sus colaboraciones, creo que Nordgren es también un caso muy interesante, cuya música debería ser más considerada, incluso aunque no haya recibido un Oscar.

Un Oscar honorífico para Ennio Morricone

Quienes estaban apesadumbrados porque se supone que la música "clásica" contemporánea esta muerta y que no forma parte del imaginario de la vida cotidiana, se ha quedado atónito de alegría ante el hecho de que le haya sido otorgado un Oscar honorífico al compositor italiano Ennio Morricone.

Este, el galardón más prestigioso y resonante de la industria cinematográfica ¡otorgado a un compositor!, simplemente un acontecimiento único.

La obra de Morricone, de la que suele ser más conocida su producción de bandas sonoras para el cine, insta a reflexionar más sobre la relación estrecha que existe entre música y cultura visual, entre música y cine, hoy, al 400 aniversario de la ópera, el cine, es la obra de arte total por excelencia (con respeto a la ópera, y tomando en consideración que son experiencias distintas, aunque cada día se parecen más).

Además hablamos de un compositor italiano, que ha colaborado con producciones tanto estadounidenses como europeas, lo que también insta a reflexionar sobre la división entre cine "europeo" y "americano", alias cine "de autor", cine "de palomitas". La creación cinematográfica, y la musical en este caso, son más complejas que una delimitación geográfica.

L@s creadores musicales se siguen preguntando ¿qué significa escribir música hoy?, tal vez Morricone tenga parte de la respuesta, y no porque haya ganado un Oscar (algo circunstacial, muy bueno, pero circunstancial), sino por su Música, porque sigue haciendo música.

Por supuesto que todo esto es más complejo de lo que parece, y en el fenómeno de la creación musical intervienen muchísimas variantes, pero aún así este es un evento sin precedentes que vale la pena festejar.

¡Bravo por Ennio Morricone!¡Bravo por la Música Viva!

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ARCHIVO MULTIMEDIA (mini-reportaje)
Blog Dedicado a Morricone (incluye archivos multimedia)
Y el episodio Nº10 del podcast "Sonidos...del mundo de la Música" de Carlos Pérez Cruz, en iTunes.

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Página Web oficial de Ennio Morricone: http://www.enniomorricone.com/

¿Pensamiento Iberoamericano?

Esta semana se han dado cita dos publicaciones dedicadas a un pensamiento iberoamericano, y a la cultura y el desarrollo en Ibero América, ambas patrocinadas por el AECI y la Fundación Carolina.
La primera publicación, presentada el martes 20/2/07, es la renovación de una idea de larga data: la revista en formato libro "Pensamiento Iberoamericano". Asistí a la presentación de la revista, la cual se hizo en Casa de América. Resultó muy interesante conocer y escuchar el discurso de algunos(as) de los que dirigen y representan los intereses del pensamiento en nuestra región.
La segunda publicación se presentó el 22/2/07, y es el boletín "C+D" (Cultura + Desarrollo), dedicado a difundir los proyectos del AECI en el ámbito de la cultura. Me pareció fabuloso el nombre del boletín, pues parodia el I+D maravillosamente y con eso lo dice todo. Realmente hay que aplaudir este tipo de iniciativas, pues demuestran que en la región existe un verdadero interés en crear redes de cooperación en pos del bienestar de las personas.

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El problema de "un pensamiento iberoamericano" (pues hay muchos) es que en la región existe una generalización del problema humano desde los enfoques económico y político, y la particularidad del ser humano no puede generalizarse, no existen generalidades, solo individuos, personas. Las cifras solo permiten observar los problemas, especialmente los relacionados con el polémico concepto "desarrollo", que no solo es lineal y comparativo, sino que, lamentablemente, muchas veces es producto de reflexiones hechas desde la ventanilla de un Mercedes Benz. Ya que no es usual que quienes generan la cultura o quienes necesitan sacar adelante los países sean las personas del pueblo, por así decirlo, sino quienes ostentan el poder hegemónico y cuyas carreras políticas se ven adornadas por este tipo de proyectos.

Personalmente tuve la oportunidad de recibir una beca de la Fundación Carolina en el 2005, y reconozco por propia experiencia que este tipo de apoyos son fundamentales, necesarios y urgentes pues democratizan el acceso y la difusión del trabajo y de los proyectos que nutren el desarrollo desde adentro, desde las personas.

Por esta razón me parece fantástico que estas dos publicaciones estén a la disposición de todos, solo soy crítica con ellas por la razón más importante, porque sé que este tipo de proyectos son capaces de crear grandes diferencias, sobre todo positivas, pero solo si se tratan desde la verdad del pueblo y de quienes crean día a día el pan nuestro, aunque la esperanza en un futuro mejor a veces les parezca irracional.

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NOTA: las palabras subrayadas con colores son enlaces directos on line.

IMAGEN:
Mario Torino, "La voluntad del pensamiento", en http://www.mariotorinoart.es/

El discurso sonoro según Nikolaus Harnoncourt

El nuevo libro de Nikolaus Harnoncourt "La música como discurso sonoro" es una noticia que debería anunciarse con las trompetas del apocalipsis ¡que lucidez tan aplastante! Es impresionante como este director estupendo a logrado exponer algunas de las principales preocupaciones de la música académica de nuestra época, problemas que se debaten entre lo trascendente y lo histórico, entre lo ideológico, lo filosófico, lo estético y lo que vende.
Me enteré de la noticia por la revista El Cultural, del períodico español El Mundo, y sinceramente creo que este es un trabajo ejemplar, al igual que otras obras suyas como EL DIÁLOGO MUSICAL .
Ahora bien, esta obra requiere de una reflexión detallada, y en este espacio eso no me es posible, pero si compartir la alegría de quien encuentra agua en el desierto.

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Nota: los títulos en color son enlaces directos a la información indicada.

Arturo Toscanini DIES IRAE

De nuevo me he topado con otra representación del "mundo de los directores de orquesta" según la cosmogonía de Luis Suñén, en su reportaje "Dios con batuta"(1) . Esta vez a tomado a Dios por Arturo Toscanini y viceversa. El autor cree hacer un homenaje a la muerte del hombre(2) con la muerte de Dios, pues qué mejor representación de la muerte del hombre que su incapacidad de convertirse en su idea de Dios.

En su reportaje Suñén plantea una nostalgia a la figura del "director furioso" que representa Toscanini en el imaginario histórico, y una añoranza del pasado bastante preocupante, pues es el tipo de añoranza que no deja de ser un sentimiento de fracaso del presente, es una añoranza por el aroma del asombro que hay en lo nuevo pero que no deja de ser un olor de copia nueva.

Creo que este tipo de representaciones de un Arturo Toscanini como si fuese un "Dies Irae", o un "Pater Nostre" renacentista que juzga su creación, o como ser todo poderoso en cuyas manos se define la vida o la muerte, es la aberración típica de una sociedad idólatra y desesperada en su propia autofagia.


Si como en este caso lo que se desea es celebrar la obra de un gran maestro (como es el caso de Toscanini) no hace falta deificarlo, pues no va a resucitar, no es Dios hecho hombre. Es un insulto a su legado buscar en las anécdotas de su carácter el secreto de su profunda y genial imaginación sonora e intelecto musical. La única ira real que puede desatarse con este tipo de fábulas es la de ver como se ha convertido su trabajo en una caricatura de las proyecciones mediocres de una sociedad que es incapaz de superarle.

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Notas:
(1) El Pais, Suplemento Cultural BABELIA, 03/02/2007.
(2)Este 16 de enero se cumplieron cincuenta años de la muerte de Arturo Toscanini.
ENLACE RECOMENDADO: http://www.toscaninionline.com/