viernes, julio 28, 2006

Nigel y el "barroco outsider"

El concepto comienza donde termina el Olimpo, afirma E. M. Cioran, a este respecto, los entusiasmos de la interpretación musical caen como moscas. Es muy interesante encontrar por ello fenómenos como el de Nigel Kennedy y su proyecto como Director Artístico (2002) de la Orquesta de Cámara Polaca.


Si bien es cierto mucho de esto tiene que ver con el marketing y la imagen corporativa, en relación con la crisis general del mercado de la música mal denominada "Clásica", también tiene que ver con los aspectos positivos de dicha crisis, los cuales han llevado a una revaloración de los objetivos estéticos y éticos, por no decir filosóficos e ideológicos del gremio.

El ejemplo más común es la arriesgada propuesta de Nigel, en la década de los años 80, con "Las Cuatro Estaciones" de Antonio Vivaldi. Dicha producción, luego de su éxito de ventas, ha hecho necesario que hasta la crítica más encarnizada ceda terreno a la consideración de nuevas posibilidades interpretativas, llevadas de la mano no de un "payaso", sino de uno de los violinistas más brillantes de su generación, y no solo por "una orquesta", sino por un grupo de especialistas creativos y entusiastas como el equipo que lo acompañó en ese momento.

Personalmente encuentro gratificante la visión que Nigel aplica a su versión de obras del repertorio, especialmente sus sonadas andanzas barrocas, que son una fusión de erudita conciencia del estilo, revalorización del ejercicio de la improvisación y el instante, además de un reconocimiento del germen y esencia popular que yace en los elementos rítmicos, armónicos y melódicos de dicho repertorio. Aunando todo lo anterior, Nigel Kennedy suma un énfasis grotesco y manierista con claras connotaciones de anarquismo punk, estilo que podría denominar como una especie de "barroco outsider", siendo su trabajo de "reconstrucción" tan fascinante como el de Tom Koopman(1), otro de mis favoritos.

Es evidente que gran parte del éxito comercial de Nigel se ha debido a su imagen personal y sus manías, pero muchos se equivocan al señalarle como "payaso", en sentido recriminatorio, pues si es Payaso lo es con mayúscula, al estilo de Chaplin o Einstein con su violín. Lo que es ya mucho decir.








Nigel, Chaplin y Einstein, cada uno con su violín




Pero, ¿qué sucede con la Orquesta de Cámara Polaca? Da gusto ver la versatilidad de sus integrantes, la calidad con la que se desenvuelven y dejan evidente la riqueza de los contrates, sirviendo como excelentes compañeros, como cómplices y víctimas, pues sin su depurado estilo y capacidad creativa el efecto general de la puesta en escena o la interpretación no podría ser tan efectiva. Ellos, en su calidad de "orquesta" son aún más Payasos y Transgresores en contraste con Nigel, es todavía más difícil ser ellos.







The Polish Chamber Orchestra



La visión de este Equipo es realmente refrescante, pero en todo éxito hay siempre el peligro de convertirse en esclavo de una fórmula, por lo que Nigel, a diferencia de la orquesta, se ha visto estigmatizado con el "barroco" de su visión, a pesar de sus aventuras comerciales dentro de otros géneros, convirtiéndose en un Pigmalión, y en un efecto Pigmalión a su tiempo.

En todo caso, considero que Nigel Kennedy y la Orquesta de Cámara Polaca, como equipo, son un ejemplo de como se puede ser capaz de alcanzar las más altas expectativas académicas y a la vez transgredirlas, hacerlas crecer, no dejándolas solo en el recuerdo, en la continua representación del pasado, sino utilizando su conocimiento, y las propias armas de la academia para volverlas a la Vida presente (y reirnos de nosotros mismos con lucidez).

* * *




IN MEMORIAM
















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Nota:
1. Ver: http://www.tonkoopman.nl/indexeng.htm

INFORMACIÓN GENERAL DISPONIBLE EN:
http://www.emiclassics.com/phpNewSite/artists/artists_bio.php?id=24
http://en.wikipedia.org/wiki/Nigel_Kennedy#External_links
http://www.dw-world.de/dw/article/0,2144,2022497,00.html
http://www.nigelkennedy.com/
http://www.filomusica.com/filo28/v2.html
http://www.smh.com.au/news/arts/pencil-in-a-hot-date-with-puccini-nige-and-a-viennese-ringin/2005/08/25/1124562973561.html
http://www.catclassics.com/asp/noticies/cos.asp?idop=3592
http://www.flickr.com/photos/-zig-/25154270/
http://goldbergweb.com/es/news/other/2003/11/15030.php
http://www.elpais.es/articulo/elpepicul/19960627elpepicul_7/Tes/Nigel/Kennedy/escapa/clásicos/debuta/pop/disco/Kafka

"Kôkaku Kidôtai" en el pensamiento musical


















Esta Era Biotecnológica que nos ha tocado vivir, existe en una forma de ver el mundo, una visión entre la carnalidad y un ideal de la máquina, por lo que, si se aborda a la Música como a un modelo de lo humano, dicho ideal se puede ver metamorfoseado por las aristas de este enfoque, tanto en el acto de componer, como en el de improvisar y ejecutar. Partiendo de que son criaturas humanas las que producen el susodicho pensamiento musical y las que construyen la Era.

Las posibilidades de la biotecnología transforman el mundo y sus metáforas - utilizando un gesto conceptual de Susan Sontag-, lo cual se filtra en la ideología del quehacer musical como arte en el imaginario de lo humano. Teodoro Adorno lo expone ya en la postguerra del siglo XX: "The inhumanity of art must triumph over the inhumanity of the world for the sake of the humane" (1). Pero, dicha aseveración lleva a una pregunta: ¿Qué es, qué significa
humanidad?


Acotando al extremo una pregunta de semejante envergadura, la cual ya ha hecho correr "ríos de tinta" - o de petróleo, los cuales yacen ardiendo en medio oriente como los libros en la repisas que contiene dichos discursos- puede ser también una paradoja, como la que se muestra en la idea de una identidad de ser humano y lo particular de su existencia, en conflicto dialéctico con la inteligencia artificial. Paradoja presentada en
Kôkaku Kidôtai, serie manga escrita en 1989-1991, creada por Masamune Shirow, (llevada al animé como Ghost in the sell, película animada de 1995, dirigida por Mamoru Oshii.).

En esta obra, Shirow representa los conflictos internos y externos acerca de la propia naturaleza de
lo humano. Su protagonista, Kusanagi, es una voluptuosa y andrógina mujer que puede perfectamente representar la carnalidad humana "moderna". Su conciencia reside en lo único que conserva de su cuerpo orgánico humano, su cerebro, el cual ha sido intervenido tecnológicamente he instalado en un cuerpo cibernético (un cyborg).













Su cerebro (como representación de
su mente), puede unirse temporalmente, por medio de redes virtuales, a otras entidades y mentes. Pero, lo más interesante es que (por diferentes razones de la trama) decide unirse permanentemente a una entidad autónoma de inteligencia artificial, que existe, (no queda claro si creada o generada espontánea) en la sinergia virtual. Esta unión y propuesta de compartir la conciencia y el cuerpo de Kusanagi, tiene "la intención de sacar a relucir aún más dudas acerca de la naturaleza de la identidad humana", y es reflejo de "un mundo donde la conciencia humana ya no es algo tan particular." (2)


Pero esta visión, aparentemente anti-antropocéntrica, no deja de ser una visión humana, una visión de los propios conflictos de esta conciencia. Conflictos que se proyectan sobre el ideal de la máquina y la inteligencia artificial, los cuales son utopías distópicas de un deseo carnal de perfección y control del ser humano, proyectado a través de su creación: la máquina. En este sentido es importante destacar que este acto de unión, de compartir y coexistir en el cuerpo de otro, no deja de ser la metáfora de un acto erótico, que aporta carnalidad y conciencia a lo humano, por medio de la metonímica de lo anti-humano: la máquina. En palabras de Peter Franklin: "A total collapse of belief in the self as a basis for the expression of transcendent truth, has guiltily adopted the objective observational zeal of the natural-scientist as the only permissible basis for affective enthusiasm. It is a music which seeks not imitatio Dei but imitatio naturae; that the work should become a model of scientifically perceived nature rather than a troubling mirror of the self". (3)

Así que, de imitar a la
Naturaleza o a Dios se a pasado a imitar a la Máquina, en la necesidad potable del Ser, en su afán de conocer en que consiste su condición, su integridad, Su Ser, no dejamos de imitar nuestra creación. Por lo cual toda idea de pensamiento musical no será más que una versión de nosotros mismos, o de lo que creemos que deberíamos ser. La pregunta de una musicalidad implícita en el ser humano, ya plateada por John Blacking, consiste en que la criatura humana se pregunta, ¿en qué consiste lo humano? Y en qué consiste lo humano respecto a la Naturaleza, Dios y la Máquina como un Todo. En este sentido, ¿cómo se pretende plantear la mente, el cerebro, como un ecosistema de ideas, de información? Y al ser humano, como vehículo de dichas ideas, como cuerpo compartido, como elección e inclusión de sí mismo, su auto creación y destrucción.













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NOTAS:
1. Adorno, Teodoro. "Philosophy of Modern Music", tr. A. G. Mitchell and W. V. Bloomster (London: Sheed and Ward, 1973), pp. 132
2. Ambas en: http://es.wikipedia.org/wiki/Ghost_in_the_Shell
3. Franklin, Peter. "The Idea of Music: Schoenberg and others", British Library Cataloguing in Publication Data (1985), pp. 105

RECOMENDACIONES PERSONALES:

-Asimismo les recomiendo leer el artículo de Luis F. de Oliveira y Edson S. Zampronha "EL COMPUTACIONALISMO CLÁSICO Y EL MODELO DE UNA MENTE CREATIVA EN COMPOSICIÓN MUSICAL". Dicho artículo es un ejemplo del caso de un pensamiento musical como modelo de Lo Humano en relación con la Máquina y la biotecnología.
-Aprovecho para enlazar un blog donde se ilustrar dicho artículo de una forma muy interesante: Music from Rusia

SOBRE LA PELICULA EN CUESTION
-Para acceder al sitio web oficial sobre la película animada en cuestión (sinceramente una obra de culto).
-Un ejemplo para meditar es la propia banda sonora de Ghost in the sell. Puede escuchar en su ordenador los temas disponibles.



miércoles, julio 26, 2006

¿Pedagogía Musical?


Discurso de inciación para aspirantes



Estimados alumnos y alumnas, bienvenidos al mundo perdido de la Pedagogía Musical, muchos de ustedes están aquí por una Idea, porque un Ideal los ha traído a estas aulas. Sus ideales pueden ser de lo más comunes y es normal que muchos coincidan en sus razones, pero no lamento decirles que ninguna de ellas es acorde con la Realidad del Mundo que les tocará enfrentar.

Ustedes, estimados alumnos y alumnas, han llegado aquí con sueños de fama y realización personal, pero desde ya les recomiendo ir eligiendo una profesión anexa a esta, ojala de marketing o ciencias liberales, lo más práctica y acotable posible para el capitalismo aplicado, sea aquí o en China.

Segundo, felicito a los que ya son dotados en las artes del cortejo y cuyas habilidades morales son extremadamente flexibles, pues tendrán que aprender a prostituirse y mantener "relaciones", lo demás es asunto de tocar la mayor cantidad de notas posibles en el menor tiempo imaginable, más unas cuantas frases elegantes dentro de un legato de telenovela.

Tercero, es indispensable que consideren el hecho de que la gran mayoría de las naciones actuales ha eliminado la rama musical del "entrenamiento" existente dentro de sus Sistemas Educativos, principalmente por culpa de otros que como ustedes llegaron a estas aulas y luego se dedicaron a la enseñanza y a ponerse ropas elegantes mientras fingían tocar con sobriedad alguna obra de repertorio abonado en iglesias, auditorios y teatros.

El espectáculo es prometedor, estimados alumnos y alumnas, sea como aspirantes a músicos del gremio de la Salsa, el Jazz, la Música de Cámara o el último tema de moda, preferiblemente aspiren a las "élites masivas", dentro de las cuales estamos incorporados, pues no suele haber mucho solitario en este gremio, por lo cual no duden en elegir un género donde puedan ser "vistos", esto es indispensable, aunque tampoco asegura nada, pero no duden en fortalecer sus dones para la comedia y mostrar un poco de carne cada vez.

Sobre el material de texto para el programa de formación general, no vendría mal pasarse buenas horas ante el espejo, leer revistas de personalidades y algún artículo sobre música. Además comprar las versiones en CD y DVD más accesibles en el mercado para no tener que meditar demasiado a la hora de "aprender" las obras que han de interpretarse en los exámenes.

Recuerden que los libros de rigor son los que contienen versiones resumidas de los "contenidos habituales", no vayan a hurgar demasiado en la conciencia, resultaría nocivo para la competencia -que se emponzoñaría con ustedes de manera innecesaria- , y afectaría la salud y paz general de nuestra sociedad, por lo cual, es recomendable leer solo de vez en cuando algún libro "extra" como best sellers de Dan Brown, lo cual quedará muy bien cuando se dediquen ustedes a pasearse por los pasillos, como si tuvieran otros intereses, así, los profesores pensarán que ustedes son como ellos, lo cual aliviará su Odio.


Desde ya les informo que algunos de ustedes tendrán serios problemas de salud durante los próximos años, y su carácter se volverá "un poco" más violento que el actual, perfilándolos como asesinos en serie, comportamiento que compartirán con sus colegas y profesores, lo cual es perfectamente normal dentro de la endogamia.

Por último, quisiera recordarles a los que están por graduarse, la importancia de que consideren inscribirse en concursos y clases maestras, pues al final su persona se define por un curriculum, el cual no necesita estar habitado por sus hechos o proyectos, sino por los nombres de esas personalidades e instituciones musicales sobre las cuales han leído en las revistas y artículos que señalé anteriormente. Recuerden estimados alumnos y alumnas que la imagen lo es todo. Además, así nosotros mantenemos el poder sobre ustedes (controlados en nuestros límites), y, esos distinguidos personajes e instituciones engruesen sus cuentas bancarias, haciéndoles a ustedes el favor de prestarles su famoso nombre, no se diga conocimiento... ustedes limítense a citarnos e imitar.

Así que bien..., si tienen alguna duda, consérvenla, les hará falta en el camino.



Cordialmente,
Nunca suyos...
Directivos(as) de Conservatorios y afines



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miércoles, julio 12, 2006

La elección de Paul Wittgenstein

Los seres humanos vivimos divididos, creemos que tenemos que elegir entre los "ideales", pero esto es una versión simplista de la elección, pues los ideales son representaciones, deseos que, aunque nuestra época aparenta olvidarlos, yacen en la necesidad de auto trascendencia y autodestrucción.


Pero la elección puede ser una acción de otro, una acción que parece no tener nada que ver con nosotros, y entonces nos volvemos uno con la elección aparentemente indirecta, uno con la casualidad, como por ejemplo, con el Concierto para la mano izquierda (1931) de Maurice Ravel, escrito para su amigo el pianista vienés Paul Wittgenstein (quien había perdido su mano derecha en la I Guerra Mundial).

Esta obra es para mi como uno de los Silmarils de JRR Tolkien, una luz que revela la luz de quien lo mira, una herida de luz en el camino. Wittgenstein estaba amputado, pero la música seguía en él, como la herida de un brazo que ya no está. Y su elección de seguir utilizando el piano, y la elección de Ravel de concebir un concierto para él, donde la cultura de la guerra y el crimen no parecen tener fin, se vuelve un acto en nombre de la paz y la auto reconciliación con uno mismo, donde la música no es el fin, sino el camino a la elección.



lunes, julio 03, 2006

Las mujeres en la "Santa Cena"

¿Por qué se excluye a las mujeres de la imagen de la Santa Cena? ¿Por qué algunas mujeres necesitamos o consideramos que es criminal excluir a las discípulas de Jesús? ¿Por qué se crean reproducciones de la primera eucaristía cambiando los personajes tradicionales por mujeres?




Mary Beth Edelson, Some Living American Women Artists/Last Supper, 1971







Publicidad de un cartel donde muestra a mujeres "La Última Cena" de la marca Marithe y Francois Girbaud (París, 2005)







La situación es simple al extremo de la complejidad... que aún peor, sigue siendo polémica.




L` ultima cena di Bohdan Piasecki (2)








Pienso en que puede tener que ver con una idea-imagen de justicia, o como propondría Susan Sontag, de una estilización de la realidad en la imagen, la realidad como sombra de la imagen, si esta puesto es imágenes es "verdad", es una prueba, es justo.

Sontag cita: Un modernista tendría que reescribir el apotegma de Pater según el cual todo arte aspira a ser música. Ahora todo arte aspira a ser fotografía.(1)


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NOTA:
1. En "Sobre la Fotografía", pp. 159 (ed. española, EDHASA, 1981)

jueves, junio 22, 2006

El "aura" de Seiji Ozawa, una "opción de libertad".











El "aura", ese algo auto trascendente o autodestructivo que los seguidores de Walter Benjamín profesan, ese allure... que se olfatea en "La obra de arte en la época de su reproducibilidad técnica" (1), que convierte al ser humano, a su imagen, en objeto codiciado, en un "algo" que puede copiarse, reproducirse. En esta época de "todo esta dicho" y "hay palabras que no conozco" donde se juntan y nos abrazan hasta asfixiarnos esos que creemos nuestros propios deseos. Ahora, en que los modelos están en los escaparates del hipertexto de la memoria histórica, se me hace necesario reflexionar sobre la "imagen del director de orquesta", la heredada por quienes crearon el MITO.

Personalmente encuentro en la imagen de Seiji Ozawa, un ejemplo, una opción de libertad a considerar. En su ambigüedad refrescante, una especie de fusión entre oriente y occidente, él es una discontinuidad histórica (aunque se le considere resultado del "Japón Moderno", considero que es más complejo que eso). Me resulta fascinante su posición ante la orquesta y ante la música centroeuropea, y aún más su técnica, su gesto. Pero es en sus fotografías donde se revela la creación del icono, la selección de actitudes, la visión de la propia ambigüedad en lo sui generis (antes de ser reproducido y copiado por otros). Es más, me resulta muy interesante su dualidad a la inversa con Sergiu Celibidache, quien comenzó siendo un "occidental conquistador" y luego se convirtió al Budismo Zen (para seguir siendo un conquistador).


La imagen Ozawa me resulta indómita.... pues no es una copia de los directores de la Era Dorada, los respeta, pero manteniendo una especie de posición a lo Miyamoto Musashi (2) y su obra "El Libro de los Cinco Anillos" (3). Esto no deja de ser una visión a lo Akira Kurosawa (4), o una extensión de mi visión procesada. Pues para mí él es una idea, una alegoría, una paradoja de sí mismo ante una profesión y una forma de vida cuyos ideales se mueven entre la Adoración a la Música, el intelectualismo, el elitismo (populismo), el hedonismo... y un heroísmo fractal.

Creo que deberíamos ser más críticos con los iconos y la idolatría en general, y si no podemos renunciar a ella, al menos ser más cuidadosos con la elección de nuestros íconos. Hay que recordar la frase de Musashi: "no tengo maestro en ningún camino".


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MÁS INFORMACION EN:
http://en.wikipedia.org/wiki/Seiji_Ozawa

NOTAS:
1. La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica, publicado en: BENJAMIN, Walter. Discursos Interrumpidos I, Taurus, Buenos Aires, 1989. Disponible on line en: http://www.nombrefalso.com.ar/apunte.php?id=13
2. En: http://www.gorinkai.com/textos/musashi2.htm
3. En: http://www.jkaecuador.org/Literatura/El%20libro%20de%20los%205%20anillos.pdf
4. En: http://www2.tky.3web.ne.jp/~adk/kurosawa/AKpage.html

lunes, junio 19, 2006

Por una autofagia del pensamiento musical


La extrema objetivación de la práctica musical esta saturando de tal forma a los músicos profesionales que ya parecen más máquinas futurista que personas. Un ejemplo es cómo el estudio o ejecusión de una obra, se convierte en un acto caricaturezco de lo que "se supone hace un músico" ¡Nos estamos momificando! Y lo más ridículo es que justamente la momificación es un intento de trascender la muerte, o conservar el cuerpo para otra vida, pero un cuerpo "muerto", seco, sin carne ni sangre... un cuerpo que tarde o temprano terminará en un museo, bajo la mirada voyeurísta de un público ... (¿no parece esta la alegoría de un concierto?).

Tenemos que salir del exclavísmo de los formalismos académicos y no convertir la exploración de la partitura o el acontecimiento musical en un acto de acumulación de conocimiento o de experiencia, tratar de buscar en la autofagia de la música una forma de conciencia, de pensamiento. Autofagia de nuestra propia condición como carne y sangre aquí y ahora.

Nuestra condición de ursupadores, de imitadores históricos y sirvientes de la industria musical, nos han transformado en repetidores, en "imágenes". Y el pensamiento musical, - si es que aún existe o se práctica más allá de la verborrea y hambre acumulativa de la musicología- , ha pasado a ser un artículo más en el mercado intelectual y del entretenimiento.

El acto de "hacer música", la musicalidad como forma de vida, es también una "forma de ganarse la vida" (citando a Daniel Barenboim). Lo cual no deja de ser una realidad práctica. Pero, tiene que haber algo más, no se trata sólo de poder pagar las cuentas y disponer del pasaporte del dinero, se trata de la vida de una criatura, de una criatura orgánica, de nuestra propia condición de seres vivos.

Si convertimos nuestra profesión en un acto arqueológico, ¿cuál es el lugar, el aporte de la arqueología musical, del acto teatral del concierto, de la música comunitaria?, si actualmente sólo damos "citas", actos de reafirmación de audiciones e ideas anteriores, como si vivieramos para la revalidación del pasado, o peor aún, de una "idea" de futuro. La propia conceptualización de "conservatorio" lo dice claramente.

El pensamiento musical necesita volverse autofágico.... hay que leer más a Susan Sontag y menos a Joaquín Zamacois. Necesitamos urgentemente dejar esa actitud conformista del oído absoluto y el seudo-virtuosismo mecanicista. Si la pasión por la música occidental y su fausticidad tiene aún víseras para seguir viviendo y sobreviviendo, es por su genética prometéica... ¡Pero la estamos matándo!, y con ella, a la posibilidad de nuestra propia supervivencia como profesionales, pues cuando llegue el día en que la inteligencia artífical y la ingeniería genética creen a quienes sean capaces de realizar la "copia perfecta", solo nos quedará la voluntad de seguir siendo musicales por propia conciencia. Si es que aún recordamos que significa eso.



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jueves, junio 15, 2006

....AÑO CERO








Vivimos en un perpetuo estado de posguerra, no aprendemos de nuestros errores. Estamos ante el horror y seguimos jugando.
Pienso en los niños que "juegan a la humanidad", y en el futuro que muere con ellos. En la contradicción, en la ambigüedad... y en la agonía del niño que fuimos.
Recuerdo los sonidos perdidos... la inocencia en ruinas.


Hay momentos "año cero" en la vida, cuando la perspectiva del horror y el rostro humano en su monstruosidad y natural hipocresía nos hiere de tal forma que solo el gesto del niño desesperado al borde del precipicio parece una opción.... o tal vez ser "heroico", o "santo" y dejarlo todo, soltarlo todo, o... tomar la máscara del monstruo y asumirla.


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IMAGENES:
Germania Anno Zero, 1947 (Dir: Roberto Rossellini) : Tras "Roma..." y "Pais?", dos títulos fundacionales del neorrealismo, Roberto Rossellini penetra en el huevo de la serpiente, los perversos efectos de la propaganda nazi en un joven desgraciado.



miércoles, junio 14, 2006

John Cage y Lin Hwai-Min















Las propuestas del coreógrafo LIN HWAI-MIN y The Could Gate Dance Theatre of Taiwan, y muy especialmente su obra "Cursive II", con música e imágenes de obras pictóricas de John Cage (2003, DVD 2005-06), ha representado para mi un descubrimiento de esos que marcan un antes y un después en la vida de una persona.

La música de Cage, junto al gesto de Lin Hwai-Min, como un Todo, son una revelación.












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IMAGEN:
1. Cloud Gate Dance Theatre in Lin Hwai-mins Moon Water. Photo courtesy of Cal Performances.
2. J. Cage: WHERE THERE IS WHERE THERE--URBAN LANDSCAPE No.16, 1987-1989


INFORMACION:
http://www.cloudgate.org.tw/eng/english/cgdt.htm
http://www.time.com/time/asia/2005/heroes/lin_hwai_min.html
http://www.theage.com.au/articles/2003/10/10/1065676160242.html?from=storyrhs


miércoles, junio 07, 2006

Dos Proyectos en Costa Rica (2004-2005)

En Costa Rica, dos de los proyectos que más me formaron como persona fueron la Orquesta Municipal de Cartago (OMC) y la Camerata de Cartago (CC). Ambos proyectos eran parte del mi labor docente en la Escuela Municipal de Música de Cartago, y se integraban en el desarrollo de la Orquesta Sinfónica Juvenil Municipal de Cartago (OSJMC), dirigido por Federico Molina desde la década de los 90`s.
Mi idea de comenzar con ensambles de cámara en ves de seguir con un ensamble sinfónico se basó en la filosofía de que la música de cámara es la esencia, la médula espinal del trabajo de grupo sobre la cual deben diseñarse los programas que se platean construir orquestas sinfónicas.

Asimismo, el trabajo junto a solistas y conjuntos vocales, como el Coro Heredia Canta (CHC) de la Universidad Nacional (UNA), y la colaboración con excelentes profesionales del ámbito nacional e internacional, unido a proyectos como el de "Barroco Americano" (en el cual se contó con la colaboración de la Universidad de Costa Rica-UCR) que tuvo una intervención especial en el "Festival de Música Barroca de Santa Ana" (CR). Así como la participación como en el "I Campamento Musical Centroamericano (CAMUC-2005)". Permitió a los jóvenes músicos de la orquesta una aproximación a un mundo que exige compromiso, disciplina, inteligencia emocional y una actitud reflexiva hacia la sociedad contemporánea.


La realización de giras a nivel nacional, así como la presentación en algunos de los festivales y salas de conciertos más importantes del país, nos permitió experimentar el placer del trabajo bien hecho. Lo cual refleja que aún siendo para muchos de ellos un hobbie, la Música no cayó en ningún momento en descuidos o ejecuciones mediocres. Lo cual debe servirnos de ejemplo para no caer en las típicas poses que llevan al conformismo y estancan a la gente en la dejadez y la mediocridad... en esa llamada "mano izquierda" que muchos usan para justificar sus propias deficiencias creyendo que "la ley del mínimo esfuerzo", el "saliendo del paso" o "haciendo lo que se puede" ... justifican lo criminal de su actitud. Criminal porque permiten que nuestra sociedad continúe en el síndrome de destrucción de sí misma.

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FOTOS de Francisco Mora*:
(1) CC, 2004, "V Muestra Internacional de Arte Libre Hernán Hidalgo Hidalgo". En el fondo se aprecia parte del mural "Solidaridad" elaborado por niños de la Casa del Artista, que para este año, fue la institución dedicada de la Muestra.
(2) OMC y CHC, 2004, "Conciertos por la Paz", dedicados a las víctimas del terrorismo (la idea nació a razón del atentado del 11 M en Madrid). Teatro del Centro Cultural Costarricense Norteamericano (CCCN).
*www.cartagovirtual.com




martes, junio 06, 2006

BEETHOVEN, Egmont y Coriolano: posibilidades abiertas (5)









Haiku nº 5:
El Número 5 Representa el libre albedrío del ser humano:


El Coriolano de William Shakespeare (1607) hace su entrada en escena con una expresión de voluntad:
I will...
(1)

El Egmont de Johann Wolfgang von Goethe (1787) también hace su entrada con otra expresión de voluntad:
Peace! Peace! good people. (2)

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Adorno cita para BEETHOVEN las palabras de
CLEMENS BRETANO (3):


"Sabiéndose y componiéndose versos a sí mismo
crea el mundo que él mismo es"






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IMAGEN:
"Beethoven's symphonies", Atelier Neo Art, Armand de Pully, Photography (2000).
En: http://www.art1art.com/photos/wulz/PH26001-Beethoven%20symphonies.htm
NOTAS:
1. Citado en: Adorno. T. W., "Beethoven, filosofía de la música", Ed. AKAl, 2003, pp.19
2. SCENE IX. The Roman camp. ACT I, (1607); aunque Beethoven utilizó el drama de H. J. Von Collin (1802).
3. Scene I, Act II, (1787). Traducción de Anna Swanwick.

Los vacíos pendientes: edición crítica de las sinfonías de BEETHOVEN(4).






















Adorno expone que el trabajo de Beethoven era producto de su criticismo, y que cada una de sus obras era resultado de la exhaustiva reflexión. Una posición que retoma Barry Cooper en su libro "Beethoven and the Creative Process"(1), cuya base se sustenta en los sketch materials del Maestro.
Esto genera muchas preguntas, ante todo considerando la consolidada tradición plasmada en la ejecución de las obras de Beethoven, y las intervenciones de que ha sido objeto, sea de sus contemporáneos o de las "lecturas" de compositores y directores como Berlioz, Wagner, Malher y Strauss (para citar algunos). Así como el enorme acervo existente actualmente de documentos audiovisuales (
in vivo o in Vitro) los cuales yacen mimetizados en la práctica musical.



Por eso es importante considerar el "modelo" de Beethoven que nos ha llegado tras ese largo proceso de adoración, y tener dudas, dudas sobre nuestra propia capacidad crítica ante la partitura y ante nuestra propia memoria. Considérense por ejemplo los destacados trabajos de Bathia Churgin (EULENBURG), Armin Raab (G. HENLE VERLAG) y las Critical Edition de la Editorial NORTON. Incluso el trabajo de Ernesto de la Guardia(2), que, aunque demodé, refleja el "espíritu de análisis" de una visión sobre Beethoven, que para muchos aún no es ajena.
Ante esta situación, me remito a los postulados de E.T. Cone (3), donde el trabajo "critico" del ejecutante le obliga a enfrentarse a la "desesperación" de su propia condición como usurpador (ya no reproductor). Y desarrollar criterios sobre dicha condición y la propia duda. A este respecto, el musicólogo español Rubén López Cano en su artículo "La historia interminable"(4), hace una interesante propuesta donde expone lo "modélico" del problema, según la visión de un autor empírico y un autor modelo, donde justamente me pone el caso de Beethoven como ejemplo.



Personalmente creo que enfrentarse a la edición de una partitura de BEETHOVEN, sino ya a la bibliografía existente sobre EL, es como embarcarse en la investigación de las religiones, donde quizá Adorno sea el Mircea Eliade.





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NOTAS:
1. OXFORD UNIVERSITY PRESS (USA), 1993
2. "Las Sinfonías de Beethoven", RICORDI.
3. "The pianist as critic", en: Rink, John."The practice of performance" (1995), Cambridge:Cambridge, p. 241-253
4. En: http://www.geocities.com/lopezcano/RLC.html
IMAGEN: Manuscrito de la Novena Sinfonía, L. v. Beethoven; En: http://www.unesco.org/webworld/mdm/2001/eng/germany/beethoven/beethoven_1bis.html


Cage, Sontag y Cioran: La "estética del silencio" en BEETHOVEN (3)

















"Everything had been said in the saying of nothing."
PAUL GRIFFITHS(1)


¿Existe una "estética del silencio" en BEETHVEN?
Pienso en la obra seminal de John Cage 4'33" (1952).

Un ejemplo de lo que "veo" en mi mente es:
















Pero estos signos, este corpus no es "silencio". Aún así, en la ejecución la ausencia de sonido suele identificarse como "silencio". Pero (y no voy decir que la sordera es ausencia de sonido), el silencio en Beethoven es más que un agente de movimiento, es un estado de la mente.

Recuerdo a E. M. Cioran y su idea sobre una conciencia de los órganos, de que "En el fondo, todo se reduce a una cuestión de fisiología" (2). Y me viene a la memoria la idea de Susan Sontag sobre el silencio como estado de "conciencia", como reflexión dialéctica, como "abolición":

Therefore, art comes to be considered something to be overthrown. A new element enters the individual artwork and becomes constitutive of it: the appeal (tacit or overt) for its own abolition- and, ultimately, for the abolition of art itself.(3)

Y no se trata de "todo" lo que hay o no hay que "decir", usando la analogía respecto a comunicar o representar en la obra musical. Sino en "escuchar", en escuchar como "enfermedad virtual" (citando de nuevo a Cioran).

Hay que escuchar al silencio en Beethoven, escucharlo con nuestra mente y cuerpo saturados por la memoria auditiva del siglo XXI, y tratar de encontrar en qué consiste.



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NOTAS:
1. Citado en : http://www.lichtensteiger.de/silence.html
2. En : http://archivodigital.cervantes.es/documentacion/concioran.pdf , (pp. 2).
3. Susan Sontag, Styles of Radical Will, The Aesthetics of Silence.
Citado en:
http://www.lichtensteiger.de/silence.html
IMAGENES:
1. Andy Warhol, Beethoven 1987, Portfolio of four screenprints on Lenox Museum Board ,Size: 40 x 40" (101.6 x 101.6 cm),Edition: 60.
2. "Silence for piano", en: http://www.lichtensteiger.de/silence.html

miércoles, mayo 31, 2006

BEETHOVEN y GOYA: la "inanidad" (2)




2.

Como uno de los motivos fundamentales del trabajo debe destacarse el hecho de que hemos perdido irremediablemente a Beethoven, su lenguaje, su contenido, en general la tonalidad, es decir, el sistema de la música burguesa, y de que el aspecto que de él obtenemos sólo lo conservamos en fase de extinsión.
La mirada de Eurídice. Todo debe entenderce a partir de ahí.

T. W. ADORNO(1)


Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828).

Ludwig van Beethoven (1770-1827)



Por lo general la "idea" de Beethoven y Goya suele fundamentarse en el carácter revolucionario y aún contemporáneo de su obra, la coincidencia de que ambos sufrieran de una sordera progresiva en las últimas décadas de sus vidas (y murieran casi el mismo año), sus personalidades "conflictivas" ("controversiales"), y por supuesto, lo inacotable de su vida y legado. Pero, para mí, el unir estos dos nombres y las obras en cuestión (que es a lo que tengo acceso), tiene como finalidad asumir no solo la perdida de su presencia como seres humanos (pues solo puedo acceder a ecos...), sino LA INANIDAD (citando a Adorno), que yace en la experiencia de ambos como idea.

Las Pinturas Negras y la arquitectónica beethoveniana comparten una especie de inanidad, es decir : "Solo allí donde se aproximan asintomáticamente a la nada se funden como puro devenir en el todo"(2). Así que antes de comenzar el estudio de una obra, los intérpretes y musicólogos debemos tener presente que somos a Beethoven lo que el "perro semi-hundido" a Goya.





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IMAGEN: "Half-submerged dog" F. Goya, 1820. Prado Museum , Madrid.
NOTAS:
1. En: "Beethoven: filosofía de la Música", Ed. AKAL, 2003, pp. 16
2. Idem, pp. 181



5 HAIKUS de viaje hacia BEETHOVEN (1)


1.

Haiku es simplemente lo que está sucediendo en este lugar, en este momento.
BASHO(1)


He comenzado un viaje de investigación sobre cuatro obras de Ludwig van Beethoven (1770-1827):
Las Overturas de Coriolano (op. 62) y Egmont (op. 84) y las Sinfonías Nº 2 en Re Mayor y la Nº 5 en Do menor, las cuales constituyen por lo general programas de concurso para directores. Pero, ¿porqué, además de la tradición, se suele agrupar a estas cuatro monumentales obras, iconos actuales del organismo sinfónico? ¿Cómo existen estas obras en el imaginario colectivo contemporáneo y cuáles pueden ser las implicaciones de este viaje que me propongo?
Primero, he acotado a algunos de mis acompañantes, eligiendo a la musicóloga israelí Bathia Churgin, al compositor y pianista Edward T. Cone, al filósofo alemán Teodoro Adorno, al filósofo rumano E. M. Cioran, a la Estética del Silencio de John Cage y Susan Sontag, entre otros.
Sí, esto puede implicar no solo una posición hacia el criticismo en la ejecusión musical y investigación musicológica, la teleología, la idea de "vanguadia" y nuestro occidente judío-cristiano, sino también, un Haiku de la experiencia cotidiana de un siglo XXI en su diáspora de sonidos, espacio-tiempo e ideas, acotados en la persona humana.

BEETHOVEN (...)

Y...¿Que significa Beethoven para mí? ... pues, el eterno contemporáneo.

* * *



LOS CINCO HAIKUS (pequeñas reflexiones)
1. HAIKUS de viaje hacia BEETHOVEN
2. BEETHOVEN Y GOYA: la inanidad.
3. Cage, Sontag y Cioran: la "estética del silencio" en BEETHOVEN .
4. Los vacío pendientes: edición crítica de las sinfonías de BEETHOVEN.
5. BEETHOVEN, Egmont y Coriolano: posibilidades abiertas.




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*En: http://personales.alumno.upv.es/~ossanji/quees.htm
IMAGEN: Portrait of Beethoven, by Michel Katzaroff (early 1930s).




lunes, abril 03, 2006

¿Directoras de Orquesta o mujeres directoras?















La alternativa es inexorable: o soy viajero de las antiguas épocas, y me enfrento con un espectáculo prodigioso que me resultaría casi ininteligible o soy viajero de mi época, precipitándome en la búsqueda de una realidad desvanecida.

(...)

Su verdadera tarea no es ejercer su talento para la explicación sino, al ser testigo de su época, fijar las más amplias y edificantes normas de desesperación.


SUSAN SONTAG,
Contra la interpretación (fragmento)






Nuestra época ha visto caer muchos muros, y los límites convencionalmente aceptados, de todo tipo, han sido, por tanto desafiados *... en este sentido, la dirección orquestal, como profesión y forma de vida, no ha sido una excepción. Su principal desafío sigue siendo la Música, pero a esta se ha sumado, por un lado, el enfrentar la necesidad de continuar desarrollándose, sobre todo luego de la llamada Era Dorada durante la cual se creo el Mito del Maestro, y por otro lado, asumir el desafío de su "patriarcalidad", de que el género de las personas que la ejercen no tiene que ser siempre el mismo, y por tanto el hecho ético de que esto no debería interferir en las posibilidades de quien asume y se dedica a dicha profesión.

Pero nuestra sociedad, profundamente iconoclasta, aún vive del mito, y con tal de ocultar su afición, han dividido la dirección orquestal en Maestros y mujeres directoras... sea con propósitos de marketing o por el simple hecho de seguir con el afán racionalista de separarlo todo... de "taxomizarlo". Esto obviando que lo importante debe ser la calidad profesional y no las apariencias... en el eterno dilema de ser o parecer.

En este sentido, no se puede negar que nos movemos en un mundo comercial, donde la música es considerada igualmente que un valor de marca, un coche o la moda de temporada, y donde se trafican seres humanos como cosas... por eso es indispensable que reflexionemos sobre lo fácil que caemos en fórmulas "conceptualizadoras" del mundo, y seamos consientes de nuestra responsabilidad, con nuestra época, con la Música, pero ante todo, como seres humanos.

En este sentido, si uno de los principales retos del ser humano es ser testigo, crítico y constructor de su época, lo cual debería implicar abrir espacios para el debate y el diálogo, para la diversidad y el desacuerdo. ¿Por qué cuando se tratan asuntos de género, al igual que cuando se tratan los políticos, económicos, religiosos, culturales, etc., queda un amargo sabor de boca?... como recordándonos que aún los seres humanos seguimos dividiéndonos en grupos afines, homogéneos, hegemónicos o contra-hegemónicos, y aún peor, justificándonos en nombre de la humanidad y la igualdad. (¿!)

Es cierto que los hechos revelan que las directoras, sea de orquesta, banda de música o coro, al igual que en otras profesiones mitificadamente masculinas, y además, epítomes, como en este caso, del ser patriarcal y la virilidad... a sido para muchas un verdadero calvario, mártires de una sociedad que no les permite competir en igualdad de condiciones en pos de la tradición o el mercado. Pero, igualmente sucede con hombres que han decidido emprender profesiones señaladas como femeninas... o aún peor: de mujeres... y es allí donde se visualiza parte importante del problema, el hecho de que aún prevalecen las categorías de femenino y masculino como intrínsecas a un género específico. De nuevo la bipolaridad de nuestra mentalidad occidental.

Por esto se ha hecho necesaria una crítica feminista de la historia, con el fin de recuperar las voces silenciadas y poner en discusión los constructos sobre los cuales el mito patriarcal se sustenta. Pero esto no debe significar que pasemos de un mito patriarcal a un mito feminista. El asunto es crear espacios para las personas. Por que si nos basamos en los booms... estos tarde o temprano se agotan, y entonces solo queda lo contundente... la excelencia personal y profesional, la calidad del trabajo y el compromiso, en este caso, con la Música.

Pero el fenómeno sigue, y por eso cito a la directora de orquesta Gloria Isabel Ramos Triano, quien en una entrevista respondió así a la pregunta:

-¿Considera que por su condición femenina posee una sensibilidad mayor a la hora de dirigir la orquesta?

-No. Creo que ser mujer u hombre (risas) es independiente. Hay muchas mujeres muy sensibles, hay muchos hombres muy sensibles, al igual que menos sensibles. Por supuesto, el hecho de ser mujer u hombre te condiciona pero no de una manera estricta o predeterminada. Hay otras facultades dentro de la persona aparte del hecho de ser hombre o mujer.**

(....)



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Para mayor información sobre este tema:
http://www.kapralova.org/
http://alaghomnaom.blogspot.com/

NOTAS:
FOTO: Banda Sinfónica de Nueva Odessa, Sao Pablo, Brasil, Susan Campos directora invitada (Auditorio del Conservatorio de Tatuí, 2004)
* Sontag, Susan; Contra la interpretación, Buenos Aires, Alfaguara, 1996, pp. 380-381.
**http://213.172.35.98/epoca1/2005/05/22/noticias/cultura/P90683A.html