Música con ñ

Compositoras rusas del siglo XX

2009-01-25T19:55:00.002+01:00

Génia Unveiled: Music from Russia´s Women Composers es una producción discográfica que incluye obras de Sofia Gubaidulina, Elena Firsova, Galina Ustvolskaya y Elena Langer

La música de estas creadoras es demoledora... tienen que escucharla.

Iniciando el 2009 con valses definitivamente latinos

2009-01-01T13:45:00.004+01:00

Si seguimos el concierto de año nuevo en Viena, este 2009 ha sido inolvidable: un Barenboim con sus mejores galas técnicas y personales no sólo se apoderó de la música sino del público, haciendo gala de ese "toque latino indiscutible" y de su humanismo sin tacha, pasando de la broma de Haynd al llamamiento por la Paz en el mundo y la justicia en medio oriente, y finalizando con un Danubio azul de línea finas y extensas, acuáticas como pocas veces se suele escuchar, y una marcha final de orgullo vienés donde el público fue el solista principal.

¡Olé Barenboim!

"¿Qué pasa...si sustituimos el ego cogito de Descartes por el ego conquiro de Hernán Cortés? " una pregunta de MANUEL BORJA-VILLEL

2008-12-26T16:55:00.010+01:00

Pocas veces tenemos la oportunidad de leer artículos lúcidos en los suplementos culturales, pero MANUEL BORJA-VILLEL en Babelia, 20/12/2008, REPORTAJE: ARTE - Análisis: "Museos del Sur", es una ecepción a la regla...

Borja nos pregunta: "¿Qué pasa, sin embargo, si sustituimos el ego cogito de Descartes por el ego conquiro de Hernán Cortés? Nos damos cuenta de que la modernidad no comienza en el siglo XVIII, sino en el XVI con la conquista de América por los reinos peninsulares."

En definitiva este es un tema que viene discutiéndose en ciertos círculos intelectuales desde hace algún tiempo, pero este director de Museo lo pone al fin en tela de dicusión en un medio "de masas"... les invito a leerlo y discutirlo.

FELICES FIESTAS Y LO MEJOR PARA EL 2009!
Susan Campos Fonseca

Opárupi: El Espejo de Luc Delannoy

2008-12-06T09:57:00.000+01:00

Opárupi: El Espejo de Luc Delannoy

Guernica 3D

2008-08-22T12:42:00.003+02:00

Viaje tridimencional al centro del Guernica de Picasso, una obra en 3D de Lena Gieseke, con música de Manuel de Falla. IMPRESIONANTE!
Disponible en:
http://www.lena-gieseke.com/guernica/movie.html

MUSIC AND ARTS IN ACTION

2008-08-08T08:30:00.004+02:00

Music ans Arts in Action,

una nueva revista dedicada a la música y la cultura en la vida social:

www.musicandartsinaction.net

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Messiaen: "The Eyes in the Wheels"

2008-08-04T16:58:00.006+02:00

Las obras para órgano de Olivier Messiaen son para mi una revelación continua, una contemplación de nuestro mundo desde una realidad musical que el compositor supo construir de una manera impresionante... The Eyes in the Wheels (click) es mi favorita, y justo encontré un montaje que quiero compartir...

Melancolía de L. F. Földényi

2008-07-24T10:17:00.006+02:00

Un libro sin dudas excepcional! MELANCOLIA , de Lászlo F. Földényi, me ha llegado en el momento justo... a veces no se trata de leer lo que quieres, sino lo que realmente lo oscuro del sí mismo necesita.

La "Melancolía" de Durero siempre ha sido mi obra favorita, incluso la tengo en mi recinto de trabajo, no sé si como fuente de inspiración o como visión de tiempo y espacio, como luz oscura que me guía...

A los que comparte esta iconoclástica les recomiendo leer el libro... a nuestra época le falta regurgitar su bilis negra, y mirarse en ella.

¿Pensar en "español"?

2008-06-26T13:33:00.006+02:00

Con motivo de la pasada Feria del Libro de Madrid, la Revista EL CULTURAL (El Mundo) publicó una entrevista colectiva titulada "10 autores latinoamericanos analizan la creación de la otra orilla", les invito a leerla y reflexionar acerca de sus respuestas, especialmente en relación al "pensar en español" como fractura no sólo estética, sino ideológica.

(....)

Y siguen las polémicas, ahora en el "Manifiesto por una lengua común"... y el debate continúa en

EL CULTURAL.

KARAJAN 2008

2008-06-21T13:31:00.008+02:00

Para los que hemos crecido rodeados de la imagen mediática de Herbert von Karajan, la celebración de su centenario (Salzburgo, 5 de abril de 1908 - Anif, cerca de Salzburgo, 16 de julio de 1989), no pasa desapercibida, y mucho menos cuando durante los últimos años la gran querella es ¿quién ocupará el trono de Karajan?

Las figuras mediáticas del mundo de la música "clásica" deben muchísimo a Karajan, él, como ningún otro, supo llevar el ideal wagneriano del "artista total", o digamos mejor del "artista emperador" a sus límites más insospechados.
Pero la Edad de Oro, compuesta por nombres que todos recordamos no deja de ser, como en los "estudios cervantinos", una apología de la infertilidad de nuestra época, abocada a recuperar ídolos del pasado y soñar en sus museos con tiempo mejores. Quizás si reparamos más en el valor del aporte de cada individuo, como por ejemplo en figuras como las de Daniel Barenboim, que siguen su camino... en lugar de tratar de ocupar el "trono" de otro, el olor a estancia cerrada de los teatros se disiparía un poco.
No podemos negar que todos los que hemos tomado una batuta en nuestras manos recordamos a Karajan y sus producciones para Deutsche Grammophon, o que Berlín, como viejo imperio codiciado, es el Avalon de muchos Camelots... pero quizá por ello los proyectos venezolanos de Abreu sean hoy en día un regocijo mundial, porque ellos, han creado una alternativa, se han buscado su propio camino.
En todo caso, para los que seguimos teniendo incrustado en nuestra memoria, a este hombre astuto y genial, este centenario tiene su significado, y lo recordamos... A este respecto, la producción en encuadernado de lujo con 2 CD´s y 1 DVD en una producción magnífica de Deutsche Grammophon, que incluye un libro ilustrado como homenaje a su legado, excelente, como todos los trabajos de la prestigiosa firma, acuerpa de manera especial su iconoclástica.

Pierre Boulez: Idea y Sonido

2008-06-13T15:39:00.002+02:00

Pierre Boulez ha recibido la Medalla de Oro de Circulo de Bellas Artes (CBA) de Madrid, y la Revista Minerva Nº8 (CBA, 2008), ha publicado una entrevista reveladora sobre su pensamiento en relación a la Idea y el Sonido, la cual quisiera compartir con ustedes.
"El maestro sin amo"
Boulez • Fernández Guerra • Vela del Campo
En Minerva Nº8

Luc Delannoy: "El espejo" y la conciencia musical

2008-05-21T15:07:00.003+02:00

Investigando los estudios actuales dedicados a los ámbitos de la música y el pensamiento, encontré el trabajo fascinante de Luc Delannoy. Me ha resultado especialmente interesante su libro El Espejo - The Mirror
Ensayos sobre la consciencia musical - essays on musical consciousness - Filosofía y psicología cognitiva de la música - philosophy and cognitive psychology of music (2007).
Les recomiendo visitar su sitio web: http://www.lucdelannoy.com/

Música y Filosofía

2008-05-01T23:14:00.008+02:00

Buscando artículos sobre "Música y Filosofía" en Internet, encontre uno especialmente interesante de Eugenio Trías, titulado justamente "Música y Filosofía" (2003), así como la video-entrevista que le realiza José Luis Gutiérrez, y a crítica de José Ramón Ripoll, ambas con motivo de su reciente libro El canto de las sirenas, sobre el que ya les he hablado.
De igual manera encontré otros artículos como el de Mónica B. Cragnolini "Música y filosofía en el pensamiento nietzscheano: sobre entrecruzamientos y tensiones" (JORNADAS NIETZSCHE 1998), y los trabajos del Dr. Adolfo Vásquez Rocca sobre sus propuestas en relación a John Cage y Peter Sloterdijk. También encontré un Curso sobre "Filosofía de la Música" de Gustavo Bueno (2007), que incluye sus video-conferencias. Asimismo encontré los artículos (no disponibles en red) de Julián Marrades Millet, Joaquina Labajo-Valdés, Adolfo Salazar. En todo caso no he olvidado las voces de "The Philosophy of Music" (Standord Encyclopedia, 2007), el monográfico "Philosophy of Music Education Review" (Volume 11, Number 1, Spring 2003), enlaces a libros y artículos como los de QUESTIA y opiniones personales como la de Tomas Becker.
Aunque parezca extraño es difícil encontrar material no reiterativo sobre este tema, esta pequeña muestra representa tanto la especulación "estancada" como ése "algo más" que estoy buscando, y en ése sentido sigo trabajo en MOUSIKÉ LOGOS.
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Imagen de Jin Hi Kim.

The History of Western Philosophy in Under 5 Minutes

2008-04-04T11:02:00.003+02:00

Los flujos de internet me ha llevado al portal de AZRIENOCH, su pequeño vídeo titulado "The History of Western Philosophy in Under 5 Minutes" es realmente interesante. Les invito a visitarlo.
Personalmente no me irritan las "poses" del autor, es más, creo que su "performance" sobre la actitud del "filósofo" es muy lúcida, crítica e irónica si se quiere. No es algo particular, la reproducción de las poses y los cultos en las "élites" intelectuales es más que conocida, y tal vez sus referencias sean muy partidistas, eurocéntricas y porque no, incluso "logocéntricas", pero justo por eso es tan interesante... el autor logra simple y llanamente, de manera casi "natural", "resumir" lo que se sigue entendiendo como "pensar". Bravo!

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PAZ Y LIBERTAD PARA EL TIBET

2008-03-22T20:46:00.004+01:00

Red de firmas por la PAZ Y LIBERTAD DEL TIBET

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Nace MOUSIKÉ LOGOS en "La Retreta" (Costa Rica)

2008-03-09T16:20:00.004+01:00

Gracias a la comfianza de mis colegas de LA RETRETA (vitrina de la música académica en Costa Rica), tengo la oportunidad de iniciar una columna dedicada al debate "musico(etno)lógico", la columna será un laboratorio donde preguntar por Mousiké y Logos más allá y más acá de las límitaciones institucionales y los partidismos disciplinares, y fundamentalmente, un lugar donde compartir con mis colegas la pasión por el pensar la música y la música como pensar.

La Música en William Blake: un pensamiento pendiente

2008-02-15T16:31:00.007+01:00

En su libro El matrimonio del cielo y el infierno (1790), William Blake escribe:
"Si las ventanas de la percepción estuviesen limpias, cada cosa aparecería al hombre como es, infinita. Pero el hombre se ha recluido hasta no ver las cosa, sino a través de las aberturas de su caverna."(1)
Estas sentencias poéticas referenciales, de cierto forma, al Platón de La República, una república que a la luz del hermetismo, plantea un enigma fascinante... más aún, si lo consideramos en relación a su alegoría de la música, una música ante el árbol de la vida (o árbol del saber)... es una imagen que me intriga sobre manera... los carneros solares, los astros en el horus, como en sus ilustraciones para La Divina Comedia... Dios Padre-Madre a ambos flacos de una doncella, semejando a la imagen de la Hécate "trifásica", en definitiva, un pensamiento pendiente.

NOTA:
1. Traducción de Xavier Villaurrutia, CENTRO EDITOR DE AMERICA LATINA S.A. 1968
Ilustración disponible en: http://www.friendsofblake.org/

Plataforma en Defensa de la Filosofía en la Educación Pública

2008-02-05T14:11:00.000+01:00

He recibido este mensaje y me ha parecido fundamental difundirlo. Ya bastante obvia es la situación actual de pobreza intelectual mundial (sobre todo en el llamado "primer mundo"), como para que los últimos vestigios de pensamiento sean eliminados definitivamente del ya, de por sí, deteriorado sistema educativo. El problema del que nos habla el mesaje adjunto no debe considerarse como un "mero" problema laboral en relación a los profesionales de la Filosofía, sino un problema social serio que todos debemos asumir, y en el cual tenemos responsabilidad. El texto no es mío, me ha llegado por un colega, así que incluyo sólo un estracto informativo.

Les invito a unirse:

"La Plataforma en Defensa de la Filosofía en la Educación Pública está buscando apoyos para discutir con la Comunidad de Madrid y conseguir que no quiten horas de filosofía y convoquen las plazas que parece que este año no van a convocar. Si queréis leer este manifiesto podéis pinchar en la imagen de abajo o en este link: http://www.filosofia.net/materiales/manifiesto.html . Y si estáis de acuerdo, podéis adheriros mandando un mail con nombre, apellidos, mail y DNI a esta dirección: plataforma.filosofia@gmail.com".

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Imagen: "Sócrates bebe la cicuta".

Iniciar el año con "Sweeney Todd"

2008-01-05T21:02:00.000+01:00

No salgo de mi asombro, el musical Sweeney Todd de Sondheim se ha metamorfoseado en manos de Tim Burton, y la música se ha derramado con la furia de la venganza.
Burton abre una sublime herida en el teatro musical para sangrar la caricatura en que ha caído (sobre todo en las "mecanadas" de Gran Vía), y como si conociera el camino a "nunca jamás",
formula un incipit tragoedia.

EL CANTO DE LAS SIRENAS: entre los 10 libros del año 2007

2007-12-31T17:34:00.000+01:00

El más reciente libro del filósofo catalán Eugenio Trías (Barcelona 1942), dedicado a “pensar la música” desde la filosofía, no sólo ha sido una de las principales “novedades” del mundo literario-filosófico del 2007 en España, sino también, un reconocimiento al pensamiento musical “en español”. Considérese por ejemplo, la erudita crítica realizada por Tomás Marco para la revista Leer (Nº 186, octubre, 2007).

El trabajo de Trías no sólo es una interesantísima consideración entre filosofía y literatura, mito y razón, de algunos de los compositores “olímpicos” de la música occidental, sino también, una lectura personal de su propia experiencia ante drama, vida, obra e impacto en el pensamiento de estos creadores.

Pero, lo que en esta breve nota quisiera especialmente destacar, es la importancia de que un libro “sobre música” haya sido elegido por El Suplemento Cultural BABELIA, de EL PAÍS, entre los 10 libros del año 2007(1). Esto tendrá consecuencias imprevistas en los estudios dedicados a la música como problema del pensar, y el pensar la música. Recuérdese que no corrió la misma suerte la Filosofía de la Música de Juan David García Bacca, publicada en 1990; y que las publicaciones musicológicas o etnomusicológicas no han podido aspirar a semejante impacto, siendo por lo general, endogámicas.

No quiero caer en “voces sibilinas”, y pensar que estamos ante una revolución en la manera en que el medio español considera a la Música, pero el hecho de que un filósofo de la envergadura de Trías escribiera este libro, a lo cual se suma el hecho de que su discurso de envestidura como Doctor Honoris Causa de la Universidad Autónoma de Madrid (2007) también trató el tema, esta vez bajo el título de “Música y filosofía del límite”; y que, incluso, en un artículo suyo publicado por EL MUNDO (2005) se atrevió a señalar como “llama la atención la ocultación de la música en el pensamiento filosófico del siglo XX, con las conocidas excepciones de T.W. Adorno, E. Bloch, E. Severino, V. Jankelevich, C. Levi Strauss, y muy pocos más. Ninguna de las cuales, ni siquiera T. W. Adorno, aciertan a situar a la música en el centro mismo de sus propuestas filosóficas. Nada, pues, que pueda ni de lejos compararse a la centralidad que asumió la música, por ejemplo, en las filosofías de A. Schopenhauer o de F. Nietzsche”, es así como “…la foné se ha hallado secularmente bajo el dominio del Lógos”, lo que ha generado una “tremenda represión y censura” de “los propios medios intelectuales y culturales”.(2)

EL CANTO DE LAS SIRENAS de Eugenio Trías puede que no deje impávida a la crítica especializada, sobre todo por lo personal de muchas de sus opiniones o la selección de obras y compositores, pero es innegable que se ha convertido en un fenómeno que puede resultar profundamente positivo para los estudios dedicados a la música, y favorecer el apoyo a este ámbito de producción intelectual. No estoy diciendo que vaya a convertirse en un fenómeno tipo “código da vinci”, con sus múltiples réplicas, sería realmente lamentable, pero puede sacar del armario muchas obras rechazadas por la crítica literaria y cultural, y, de una vez por todas, iniciar el camino al reconocimiento de una filosofía de la música “en español”.

NOTAS:
1. RODRÍGUEZ MARCOS, Javier: “Ventanas al pasado”, en Babelia, El País, Madrid, España, 29/12/2007.
2. TRÍAS, Eugenio: “El canto de las sirenas”, en Opinión, de El Mundo, 10/8/2005, Madrid, España.

IMAGENES:
- Vasija griega "Sirenas".
- Eugenio Trías.

Una música "como filosofía"

2007-12-29T12:35:00.000+01:00

Me he preguntado por la filosofía británica de la actualidad, y es en el llamado "British Pop" donde he encontrado las preguntas de una generación entera, y de un época.
Pink Floyd, por ejemplo, por no ir ya a lo más obvio, como The Beatles. Y que decir del propio movimiento Punk y sus ramificaciones.
La música y las líricas del pop han cristalizado la visión de mundo que muchas veces la llamada música contemporánea, no es que no "expresara" sino, que no ha llegado más allá de ciertas élites.
Pero el "British Pop", en todo su crisol de "calidades" y matices, es, todavía hoy, incluso en los "amarillos" de Cold Play, una voz que podría, por que no, denominarse de "filosófica", de "sibílica".
Pero también hay "voces" del pasado que en la mal denominada música "clásica", supieron representar la apariciencia del contraste del tiempo, voces como la de Mario del Mónaco, a quien quisiera recordar en homenaje a los que hemos dejado atrás con el siglo, y con ellos, a una "transparencia" de la música como "pensar", en pos del clonar al estereotipo de "los tres tenores" y las poses "post-karagan".
Dejo el 2007 con Pink Floyd y Mario del Mónaco, con su música como "filosofía", y ante la visión aparente del año que pasa y el nuevo que me espera, confío en que, las convicciones que matienen a la especia humana al filo del abismo (sin terminar de caer), se mantendran hasta que la naturaleza nos separe, y como Dorothy, me pongo mis zapatillas carmín.

Saturnianas post modernas

2007-12-21T13:10:00.000+01:00

Este año, como ciclo histórico, llega a su cambio numérico... el espacio continúa en movimiento, y la ilusión de un corte en el destino llega con el equinoccio de invierno y las festividades con fuertes raíces saturnianas. Una vez más, una época, que según la tradición contemplativa, debería implicar reflexión y autocrítica ante la organización periódica de la vida, no deja de sorprender con la jauría de individuos que ahoga las avenidas, ansiosos, desesperados e incluso violentos ante el objeto por comprar y la satisfacción de poseer...
Este año, dedico a estas fechas la imagen de Las Criaturas Saturninas (1967) de Ramón J. Sender, "uno de los descensos al mal y al sufrimiento más brutales que se han escrito en español, cuyo punto álgido se produce con el nacimiento y muerte del hijo de la princesa dentro de la celda, ante la total indiferencia del mundo" (1).
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Nota:
1. MARCHÁN, Cristina S. : "Publican 'Las criaturas saturnianas', la obra más ignorada de Ramón J. Sender", en GIPUZKUA, 19/08/2007.

Beethoven, Nietzsche, Kubrick

2007-11-06T13:13:00.000+01:00

Si buscamos información sobre La Naranja Mecánica (cuyo título original es A Clockwork Orange), encontraremos que es una novela de Anthony Burgess, publicada en 1962 y adaptada por Stanley Kubrick en la película homónima aparecida en 1971. Obra considerada parte de la tradición de las novelas distópicas británicas, sucesora de trabajos como 1984 y Un mundo feliz.

Pero si hilamos más fino nos encontraremos con que el "modulador Moog" se dio a conocer gracias a su banda sonora, ya que este se utilizó como instrumento en una transcripción que homejeaba a Beethoven. Y, justo allí, inicia un viaje que nos puede llevar hasta Friedrich Nietzsche.

Kubrick no sólo hace un "homenaje a Beethoven", realiza lo que Nietzsche llamaría "una transvaloración de los valores supremos", ¿por qué?, porque utiliza una obra como la Novena Sinfonía, y la transforma en "nuevo himno", un himno al nihilismo. Lo que me recuerda las palabras de Romain Rolland en su Vida de Beethoven de 1914 (Losada, p. 13). Rolland escribe: "...armémonos con la fuerza de las almas grandes que, tanto tiempo atrás, nos han enseñado el camino de la redención y nos han descubierto al Dios nuevo, al Hijo del Hombre nuevo que encarna todas nuestras aspiraciones de una humanidad más libre, más generosa, más justa y más feliz". Afirmación que resulta inquietante si es considerada en relación a la novela y las imágenes de Kubrick.

Kubrick transforma, además, la propia iconoclástica beethoveniana y su fuerza arrolladora, la cual alcanza su punto álgido en el grito "¡No el divino Beethoven!", grito que lanza el protagonista durante su "reeducación", cuyas imágenes son arto conocidas.

El camino que recorre la música de Beethoven en La Naranja Mecánica amerita, en definitiva, un examen y meditación más exhaustivos, no sólo por su retrato electrónico realizado a través del "Moog", sino por el giro filosófico que implica.

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IMAGENES:
- Robert Moog junto a su "modulador".
- Retrato de Beethoven.

ARTICULOS RELACIONADOS:
1) Nietzsche vs. Kubrick
2) Cine y Filosofía: escenas en escenario.
3) EL LIBRO DE ESTEBAN BUCH: Beethoven, de mano en mano

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La Música como problema del pensar

2007-10-21T19:21:00.000+02:00

Este sábado 20 de octubre el suplemento BABELIA ha publicado una entrevista realizada por Lourdes Morgades a Eugenio Trias y Ramón Andrés titulada "Pensar la Música".

La entrevista revela un interés renovado por la música como "conocimiento" y "saber" en el ámbito "post" filosófico, colocándola en ese lugar siniestro que es la ética-estética-ideología.

Además, añade una bibliografía recomendada, que aúnque omite importantes títulos como la Filosofía de la Nueva Música de Adorno, la Invención Musical de Monjeau, o Philosophical Perspectives on Music de Bowman, resulta un interesante acierto para convocar a los lectores a acercarse a las dos nuevas publicaciones de Trías y Andrés. Esto tiene mucho de publicidad, pero en este caso, ambos textos despiertan un gran interés en el ámbito intelectual musical, pues vienen de pensadores españoles, lo que implica un cierto "giro" a una filosofía de la música del "pensar en español" de este lado del atlántico.

A este respecto les recomiendo leer la entrevista "El canon musical de Eugenio Trías", el sumario La Música, ese lenguaje que danza/ El rodillo nacionalista: una perentoria necesidad de crítica y el artículo Estilo de pensamiento y estilo musical.

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FOTOGRAFÍA - Cultura - Personajes del mundo de la cultura
Personajes del mundo de la cultura
FERNANDO VICENTE - 20/10/2007

Los artistas de Costa Rica opinan sobre el TLC

2007-10-06T14:55:00.000+02:00

Este domingo 7 de octubre se efectuará en Costa Rica un Referendo sobre el SI o NO al Tratado de Libre Comercio con Estados Unidos.

El sitio RED CULTURA ha publicado las opiniones de varios artistas costarricenses sobre esta decisión crítica para el futuro de Costa Rica y América Latina.

"Fahrenheit 451" muchas veces

2007-09-25T18:52:00.001+02:00

François Truffaut llevó al cine en 1966, el mundo que describe Ray Bradbury en su novela “Fahrenheit 451”(1953), un mundo donde no hay libros, están prohibidos, donde es un crimen contra la sociedad poseerlos... y donde la obligación de los bomberos es quemarlos. Sin embargo, Bradbury imagina que en un mundo semenjante abran personas que se resistan. La resistencia consistirá en aprender cada una de ellas un libro, ser el libro, llevarlo en su mente.

Hoy en día vivimos una crisis semejante en el "pensar" que no pensamos, en la música que no cantamos, que no somos... en el poema que no escribimos. Estamos cambiando, el ser humano ha elegido convertirse en autómata, es la "nueva condición humana", la revolución industrial de los hominidos ahogados en su propio mar de información... ¿y la máquina?, ¿acaso ella también arderá como los libros?¿cuántas de esas páginas que arden en “Fahrenheit 451” se conservan hoy en Internet?¿cuántas voces a las que el sistema de masas es indiferente, se matienen vivas en la red?

Octeto entre Schubert y Pepe Martínez Jiménez

2007-09-20T18:01:00.000+02:00

SCHUBERT, D. 803

Primero,
el violín primero
y un segundo
después, el segundo,
agudos como dardos
en la cantable carne del tribuno.
La viola luego,
con su leve aroma a violetas.
En la clave
del arco, el arco
melódico del violonchelo.
Más grave
y más abajo,
se yergue, afanoso,
el contrabajo.
Verde tremolar marino
y boscoso de la trompa.
Fagot: voz de invierno y cuentos
al amor de la lumbre.
En el extremo, claro de luna
azul y terciopelo, el clarinete.

José (Pepe) Martínez Jiménez
(Poeta inédito español)

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NOTA: Gracias Pepe... porque todavía exiten poetas.

IMAGENES:
1) Facsímil del Octeto en F mayor, D. 803, de Franz Schubert (1824).
2) El Greco: "El caballero de la mano en el pecho" (también conocida como "El juramento del caballero"), 1577 y 1584.

"SONORIDADES" por Cecilia Piñero

2007-09-18T14:12:00.000+02:00

Sonoridades evocadoras, sonoridades enunciativas, sonoridades de denuncia y combate.
Música, musas, mujeres, múltiples frentes,
múltiples batallas de sonido, sangre, leche y dolor.
Gritos entre aguas jabonosas, cargas imposibles, golpes en carnes y mentes doloridas.
Sonidos de creadoras, observadoras conscientes.
Gritos de víctimas silenciosas.
Arte comprometido,
pentagramas sangrantes que nos miran,
desafían y exigen no pararnos.

Carmen Cecilia Piñero Gil
(Musicóloga y pianísta española)

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IMAGEN: "Retrato de Josette" de Juan Gris (1916).
NOTA: Gracias Cecilia.
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EL BARROCO MUSICAL Y EL ARTE ABSTRACTO, por Xavier Blanch

2007-09-11T13:26:00.000+02:00

Ha sido una alegría insospechada encontrarme con el artículo EL BARROCO MUSICAL Y EL ARTE ABSTRACTO(1), de Xavier Blanch, más aún cuando se sigue creyendo en la historia de la música y en los llamados "períodos", como el Barroco, el Clásico...etc, construcciones conceptuales historiográficas que sólo sirven para agrupar y clasificar objetos y manifestaciones sonoras fijadas en diferentes tipos de notaciones y diferenciadas por lo que algunos han dado ha llamar "el algoritmo del estilo". Xavier Blanch lo expone atrevidamente diciendo:

"Así pues, no es de extrañar que Paul Klee, excelente violinista además de pintor y de quien se sabe que adoraba los tríos de Buxtehude y los conciertos de Rameau y Couperin, confiese en el capítulo cuarto de su Teoría del arte moderno: “Lo que ya se había conseguido en música antes del final del siglo XVIII, acaba de empezar en el dominio de las artes plásticas”, o que Kandinsky se expresara de manera similar en De lo espiritual en el arte: “La enseñanza más rica nos la da la música. Con pocas excepciones y desviaciones, la música es, desde hace ya siglos, el arte que utiliza sus medios no para representar fenómenos de la naturaleza, sino para expresar la vida interior del artista y crear una vida propia de tonos musicales” Pero si es todo eso cierto, si el Romanticismo manifiesta sus postulados casi cincuenta años antes de la muerte de Johann Sebastian Bach, si los pintores quieren ser músicos y los músicos pintores y poetas, si la música es abstracta avant la lettre y Kandinsky llega tarde al arte abstracto ¿quién puede, por favor, poner un poco de orden en la historia del arte?"

Blanch expone además irónicamente que "todavía no es posible datar con carbono 14" la música, esa que se alarga en sus ondas a través del tiempo y el espacio. Aunque hay que señalar que esas ondas son sólo soportes, el hecho es que el evento del pensamiento todavía estar por ser pensado, en ondas o sin ellas. Y la Historia de la Música, ese constructor que repiquetea en las cabezas como un ser-fijado que hay que memorizar no es más que la punta de un iceberg. Lo que necesitamos es que esas historias del ser de lo musical dejen de ser un ámbito de estudio disecado, y que los centros de enseñanza provean a los instrumentistas de las herramientas para reflexionar, no sólo para memorizar las virtudes o limitaciones de las academias.

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IMAGEN: Paul Klee. 1930. Blanco encerrado polifónicamente. Fundación Paul Klee, Berna, Suiza
NOTA:
1. BLANCH, Xavier: "El Barroco Musical y el arte abstracto", en Goldbergweb.com (magazine Nº 31 ), 2004.

¿Qué significa "pensar en espaÑol"?

2007-09-06T20:46:00.000+02:00

Una pregunta como ¿Qué significa "pensar en espaÑol"? debería significar no sólo una construcción identitaria a partir de una lengua común, sino los problemas de la traducción del pensamiento en una comunidad hispano hablante dividida. No sólo se trata de una España donde el catalán, euskera y gallego... y porque no el portugués, delimitan un territorio peninsular, sino también, de una América y otras "ex-colonias" que comparten un idioma que implica la misma fractura. Una comunidad que piensa en español es ya una realidad, sólo esperemos que no se vuelva, nuevamente, en una religión.

Hay que pensar por un momento en la comunidad "hispana" de los Estados Unidos, en las poblaciones indígenas que todavía "sobreviven", en el mestizaje intelectual no siempre muy amable, y no olvidar que los ojos siguen puesto en las "grandes potencias intelectuales".

El inglés, como ya lo señaló Anthony Giddens en su visión sobre el futuro de Europa (recientemente publicado en la Revista "Claves de la razón práctica" Nº 175) está ya designado como el "latín" actual... no batará con "pensar en español" y los proyectos generados al rededor, habrá que traducir lo que se piensa, una muestra es el llamado "boom literario latinoamericano".

Si se espera con esto recuperar un "siglo de oro" del pensamiento en español y afines territoriales, tendrá que ser un proyecto necesariamente traducible, en espera a que se "ponga de moda" pensar en español y, al igual que el griego, el latín, el alemán y el inglés, los intelectuales se vuelvan al español como idioma instrumental.

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Enlaces recomendados:

"Pensar en Español" según Reyes Mate
"No hay discurso sin nuestra voz", por Carlos Fuentes
Simposio"pensar en Español" (octubre 2007)

Un Músico ante Robert Capa

2007-08-23T16:49:00.000+02:00

En marzo de 1939 , Robert Capa continuaba documentando la Guerra Civil Española (1936-1939), entonces fotografió a un músico entre Argelès-sur-Mer y Le Barcarès (Francia). Actualmente la fotografía es parte de la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid).

La imagen no admite comentarios pero lo dice todo.

De INEDITOS 2007 en LA CASA ENCENDIDA a próximas intersecciones.

2007-08-19T18:07:00.000+02:00

La Casa Encendida ha presentado su exposición de proyectos "INEDITOS 2007", dentro del cual se ha incluido una muestra que realiza un recorrido de Música a Espacio Sonoro.
Actualmente esta disponible un pequeña visita online en la dirección:Video-Inéditos2007-LACASAENCENDIDA. Y para los(as) interesados en leer el Dossier de la exposición, pueden bajarse el PDF en la dirección: Dossier-Inéditos2007-LACASAENCENDIDA

El Proyecto "RUIDOS, SILENCIOS Y TRANSGRESION MORDAZ: de Fluxus al Techno-Noise" resulta particularmente interesante por sus secciones dedicadas al trabajo de Cory Arcangel, Fluxus, Pepe Iges, Nam June Paik, Philip Corner, Grindcore, Ruido Digital, Ultra-Red, entre otros; donde se han incluido fotografías y muestras sonoras. Un excelente recurso para los interesados en el tema.

Recordemos que a principios de año La Casa Encedida dedico una semana entera al Ciclo John Cage(enlace-artículo), y que su activismo alrededor de la música electrónica a creado no sólo un espacio para su experimentación sino también para su reflexión y pensamiento.

Las nuevas tecnologías en la música digital están creado un mundo propio para la creación musical, ya no se trata sólo de crear nuevas posibilidades sonoras y "performáticas" sino nuevos géneros y espacios para el pensamiento musical. A este respecto recientemente la revista "Parabólica" ha puesto a disposición de todos los interesados(as) la versión PDF del libro "Intersecciones: de la música en la cultura electro-digital(2005)", del cual hablaremos próximamente.

Desesperación por el público

2007-08-02T15:32:00.000+02:00

Constantemente se escuchan voces reclamando que los teatros se quedan vacíos, que el público de la llamada "Gran Música" se muere (y no sólo literalmente), pues los abonados van desapareciendo con sus trajes de corbatín y sus abrigos de piel.
Los directores(as) de teatros y auditorios buscan mil y un maneras de mantener en pie la industria y los puestos de trabajo, pero no la Música. La Música es un pretexto para la industria, como lo son los abonados y la desesperación. Trabajo. Ese es el problema principal: generar trabajo. Pero qué trabajo, el de los cachés des-mesurados de las estrellas del plató, o el de los creadores que se afanan solitarios. No, la industria busca las "estrellas", porque a un público cuya única medida es el "estrellato", a un público que no es capaz de reflexionar, le da completamente igual, ellos quieren el autógrafo, la fotografía, el programa de mano que prueba su "culturilla"... y peor aún, por eso se prostituyen los creadores... por un público que no les reconoce si no aparecen en los medios de comunicación de turno o son apadrinados por el señor(a) feudal correspondiente. Esa es la desesperación de los teatros... porque ellos tampoco reflexionan, ellos quieren abonados, ellos son esclavos del público, y el público quiere "pan y circo".

¿Qué hacer? Preguntémosle a los sistemas educativos que son un desierto de reflexión... preguntemos a los que tienen hambre y deseo de justicia... a los que de ser perseguidos se convierten en perseguidores. Una amiga cercana, excelente pianista me comentó: "tenemos que aprender a escuchar con los oídos de nuestra época, los oídos del gran espectáculo de la Música Pop". Y yo me pregunté, pero ¿acaso con eso nos bastará, acaso la Música se quedará en un espectáculo de masas, acaso toda su polisemia se quedará fijada en los reflectores?

Glenn Gould expuso también su inquietud, eso sí, con un humor digno de su mente privilegiada, en su escrito teatral "Glenn Gould Interviews Glenn Gould about Glenn Gould"(en High Fidelity, Febrero 1974), un análisis preciso e iluminado del problema que hoy parece presentarse como el cáncer de la sociedad actual, pero que en realidad es más antiguo que el propio Coliseo.

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Nota: imágenes de la silla de Glenn Gould.

¿Qué es, qué significa "ser humano"?

2007-07-18T15:07:00.001+02:00

Esta especie de Hamlet de Andrés Serrano podría llevar la pregunta:
"to be, or not to be" - ¿Qué es, qué significa "ser humano"?
La Ciencia trata de explicarlo con fórmulas pero seguimos pendientes de nuestro propio cadáver, y tal vez sólo el Arte pueda mantener "El Pesar": "El dedo en la llaga".
Luego vienen más preguntas, cómo "la muerte del hombre" y "la nueva mujer"... y entonces nos encontradamos en PHOTOESPAÑA07 con esta fotografía (tamaño gigante) del mismo Andrés Serrano....tremenda, colgada de la fachada del "Círculos de Bellas Artes" en Madrid.

Y los hominidos seguimos vivos,
en des-ajuste (como dijo Anaximandro), pero vivos.

Alejandro Cardona y el "Zachic"(maya) como metáfora musical

2007-07-16T22:09:00.000+02:00

El compositor Alejandro Cardona (1959) se convierte en el primer costarricense ganador de un premio internacional de composición otorgado por una Comunidad Española, se trata del VI Concurso Internacional de Composición Isla de La Gomera (Islas Canarias, 2007)*. El premio ha consistido en 6.000 euros, y el estreno absoluto estará acargo de la Orquesta de Cámara de Garajonay y la Orchestre Sinfonietta de París(1).
La creación ganadora de Cardona se titula: "Zachic 5. Concierto Grosso para flauta y orquesta de cuerdas”, y según el director artístico del Centro Canario de Música Iberoamericana, Roberto Túbaro, "la composición ganadora está inspirada en la atmósfera de la rica naturaleza centroamericana"(2). El nombre Zachic está inspirado en “el pájaro Zachic (maya) o Zenzontl (Náhuatl), ave de cien voces, que, según dicen algunos musicólogos, fue una de las bases para la creación de los cantos del pueblo maya-quiché de Guatemala”(3).

Respecto al Concurso, este es “organizado cada dos años por el Centro Canario de Música Iberoamericana y patrocinado por la Corporación Insular, se realiza con el propósito de promover la creación musical en el ámbito iberoamericano y, por tanto, está dirigido a los compositores cuya nacionalidad pertenezca a países de la comunidad iberoamericana o extranjeros con una residencia mínima de tres años”(4). Por esta razón el concurso es uno de los proyectos de cooperación cultural iberoamericana y española que actualmente están creando nuevos espacios para el diálogo intercultural e intelectual entre las dos orillas. En todo caso, esperemos que este sea uno de muchos, y que las nuevas generaciones de compositores(as) iberoaméricanos(as) empiecen ha abrirse camino en la música contemporánea española y europea.

Alejandro Cardona en el panorama internacional:

Alejandro Cardona es uno de los compositores centroamericanos más interesantes de la actualidad, junto a los Benjamín Gutiérrez, Bernal Flores, Mario Alfaro Güell, Eddie Mora, Allen Torres, Marvin Camacho, Roque Cordero, Germán Cáceres, Luis Fletes, entre otros. Graduado en la Harvard University, Masters Degree in Image Synthesis and Computer Animation de la Portsmouth University y The Utrecht School of the Arts. Vive durante varios años en México, donde se dedica a la investigación de la música mesoamericana y caribeña. A participado en el Foro de Compositores del Caribe, el Foro Internacional de Música Nueva (México), el Festival Latinoamericano de Música (Venezuela), The World Music Days (México 1993), el Festival Internacional Cervantino, el Festival Iberoamericano de las Artes (Puerto Rico), entre otros.

Además ha recibido la Mención de Honor en el Primer Premio Ibero-American de Composición Rodolfo Halffter (2004), el Premio Nacional “Aquileo J. Echeverría” (Costa Rica 1999, 2000, 2002) por sus obras “Códices”, “Bajo Sombras” y “En el eco de las paredes”, y varias de sus obras has sido grabadas por algunos de los más interesantes e importantes conjuntos de cámara, como por ejemplo el Cuarteto Latinoamericano. Actualmente se desempeña como docente en la Universidad Nacional (UNA, Costa Rica), como investigador en el CENIDIM (México), como co-fundador de la Editorial Nuestra Cultura, miembro del Colegio de Compositores Latinoamericanos(5), y compositor asociado del Proyecto ORQUESTA NUEVO MUNDO de ACIMUS (España).

“Zachic” como metáfora musical

Cardona ha utilizado el nombre de Zachic para varias de sus obras desde 1994. A este respecto Alejandro comenta que: “Respecto al título de esta obra (y las otras del …mismo nombre), la palabra Zachic proviene del nombre maya que se daba al pájaro que en náhuatl se llamaba zenzontl, y en castellano cenzontle o sinsonte, el pájaro de cien voces. Algunos investigadores guatemaltecos afirman que el canto de esta ave inspiró muchos de los cantos del pueblo maya-quiché”(6).

Las otras obras del “ciclo” que comparten esta visión son:

• Zachic 1 (1994) para violin y piano (7)
• Zachic 2 (1994, para quinteto de vientos): donde se refiere a una música de los indios Huaves, tal como la conoce de la región del Istmo de Tehuantepec: la “danza de la culebra”(8).
• Zachic 3 (2003, para orquesta sinfónica), estrenada en el XXVII Foro Internacional de Música Nueva por la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN) de México, bajo la Batuta de Juan Carlos Lomónaco (9)
• Zachic 4 (2006, para flauta (flauta en sol, flautín), clarinete en si bemol (clarinete bajo), violín, violoncello y piano): “…parte de un ambiente sonoro misterioso y evocativo, y la buena dosificación instrumental imparte a su pieza una notable claridad. Hay, a la vez, una intensidad dramática y una energía concentrada que nunca decaen, y que se convierten en el cimiento que da unidad a la partitura. (…)Variedad de estados de ánimo, eficaces movimientos paralelos, escritura límpida, son algunas de las cualidades de Zachic 4, obra que confirma a Cardona como uno de los compositores más sólidos de nuestro vecindario continental.” (10)

Esta reiteración de la utilización del nombre “Zachic” como metáfora se debe a que: “Para el compositor, el zachic es un símbolo de la increíble capacidad de nuestros pueblos para transformar su realidad sonoro-musical: las naturaleza se vuelve cultural y la cultura forma parte de la naturaleza. Este símbolo de la relación, incialmente imitativa y luego compenetrada, entre cultura y naturaleza tiene diversos tratamientos musicales a lo largo de la obra. Y en el caso específico de Zachic 5, tal vez sea, más que nada, un llamado a que la cultura humana no destruya su entorno natural, a que cultura y natura puedan seguir subsistiendo juntos en equilibrio”(11).

“ZACHIC 5” en palabras de Alejandro Cardona:

“Zachic 5, al igual que las demás obras del compositor con este nombre, se estructura en 4 partes, con un diseño lento-rápido-lento-rápido. En esta obra, además de la flauta solista, los principales de los dos violines, violas y violoncellos tienen un papel concertante e interactúan con la flauta. Los cuatro movimientos llevan por nombre: Pájaros y cantos, Danza de los pájaros que piden agua, Pájaro soñando o sueño con pájaro, y Danza del último pájaro. El material musical de la obra, en parte, se basa en (o evoca libremente) cantos de pájaro. El primer movimiento, Pájaros y cantos, que arranca con la flauta sola, tiene, además, un importante diálogo entre la flauta y el primer violín concertante que, en varios pasajes, imita el canto de la flauta. Danza de los pájaros que piden agua, que surge del primer movimiento sin una pausa, es una danza movida en donde las cuerdas acompañantes tocan casi exclusivamente pizzicati y la flauta desarrolla una parte virtuosística, como si los pájaros bailaran. La parte central de este movimiento lleva una anotación en la partitura que dice “los pájaros platican con Tláloc y Matlalcueye”, dios mexica de la lluvia y la fertilidad, y tlaxcalteca del agua dulce respectivamente. Matlalcueye (Chalchiuhtlicue para los mexicas) es la segunda esposa de Tláloc, luego de que Tezcatlipoca secuestró a su primera esposa, dejando a Tláloc tan triste que la tierra se secaba por falta de lluvia. Al casarse con Matlalcueye se alegró y empezaron de nuevo las lluvias sobre la tierra. El título de este movimiento viene de un dicho de los campesinos en Costa Rica. Ellos dicen que cuando los pájaros cantan (sobre todo en las mañanas) en la época de transición hacia la estación lluviosa, están “pidiendo agua”. Pájaro soñando o sueño con pájaro es un largo solo para flauta que “flota” encima de unas sonoridades en las cueras, sostenidas durante todo el movimiento. De nuevo, el violín primero concertante entra en dialogo con la flauta, imitándola. Danza del último pájaro es una especie de lucha musical entre cuerdas y flauta. La parte central (“danza cañona”) es una sección canónica. Este subtítulo es, para el compositor, un juego de palabras irónico que evoca “canon” (procedimiento imitativo), “canónico” (una evocación religiosa: fueron los curas que llegaron con la conquista los que enseñaron estas técnicas musicales a los músicos locales, en medio se un mundo sonoro para ellos desconocido y luego mal comprendido) y “cañona” (sustitución coloquial en el habla mexicano actual para la palabra “cabrona”). Al final del movimiento, la flauta, último pájaro, evoca el comienzo de la obra antes de morir definitivamente”(12).

* Este artículo ha sido publicado por OPUS MUSICA, Nº 18, sep. 2007, como "Concurso de Composición. Alejandro Cardona gana el VI Concurso Internacional de Composición Isla de La Gomera (Islas Canarias, 2007)".
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NOTAS:

(1) En: http://www.canariasmusica.com/web/contenidos/noticias/86/
(2) En: http://www.eldia.es/2007-06-14/islas/islas2.htm
(3) En: http://www.arts-history.mx/semanario/index.php?id_nota=09052005123929
(4) Más información en: http://www.canariasmusica.com/web/contenidos/noticias/86/

(5) Biografía completa y más detalles sobre sus obras en: http://www.colegiocompositores-la.org/en/bio.asp?nom=Alejandro&ape=Cardona

(6) Entrevista vía correo electrónico: 16 de Julio del 2007
(7) En: http://www.colegiocompositores-la.org/detalle_obra.asp?id=689

(8)En: http://www.latinoamerica-musica.net/compositores/cardona/portrait-es.html

(9) En: http://www.arts-history.mx/semanario/index.php?id_nota=09052005123929
(10) Juan Arturo Brena, 29 del Foro Internacional de Música Nueva (Auditorio Blas Galindo del Centro Nacional de las Artes, México, 2007), en La Jornada, disponible en: http://www.jornada.unam.mx/2007/06/30/index.php?section=opinion&article=a06a1cul
(11) Entrevista vía correo electrónico: 16 de Julio del 2007
(12) Ibidem.

CARTA CULTURAL IBEROAMERICANA

2007-07-10T07:54:00.000+02:00

Recientemente se acaba de aprobar la CARTA CULTURAL IBEROAMERICANA, carta que también ha sido firmada por España, lo que reafirma los nexos que desde hace más de 500 años nos unen y separan.

Pero esta carta es más que un acuerdo político, es una afirmación de la Cultura como ente para el desarrollo, es un SI rotundo a la producción cultural que hace de los pueblos y las naciones lo "que son": una comunidad, más allá de etnias, géneros, tribus y asuntos económicos. Esta carta incluye todos los ámbitos del conocimiento, abriendo el concepto de "Cultura" a "Ciencia", o como señala Hegel, como "ciencia de la experiencia de la conciencia".

Pero de nada sirve si no la conocemos, por eso les invito a leerla... no vaya a pasar como con la Constitución Europea, que muchos fueron los llamados y pocos los escogidos, y apesar de la movilización de medios para que todos la conocieramos, la mayoría pasó totalmente del tema.

Valoremos este acto de fe en la cooperación internacional para el desarrollo, esta carta es un ejemplo de pensamiento comunitario, apoyémosla creando proyectos que continúen con su objetivo.

El Canto del Cisne...

2007-06-30T00:10:00.000+02:00

El violoncelistas bosnio Evstafiev entre las ruinas de una de las bibliotecas más antiguas de Europa...el canto del cisne sobrevive al holocausto del odio.

FILOSOFIA DE LA MUSICA: de Adorno a Sartre

2007-06-25T13:35:00.000+02:00

Recientemente la Revista OBSERVACIONES FILOSÓFICAS Y el portal "Hablemos de Sartre":

....han publicado mi artículo sobre Filosofía de la Música:
"Sartre, Leibowitz, John Cage y la Filosofía de la Nueva Música: del compositor dialéctico al compositor existencial" , disponible en:
http://www.observacionesfilosoficas.net/artesartre.html

Lo incluyo acá para todo@s los interesad@s en el tema.

La Filosofía de la Historia de Walter Benjamin

2007-06-06T11:32:00.000+02:00

Tengo las alas prontas para alzarme, Con gusto vuelvo atrás, Porque de seguir siendo tiempo vivo, Tendría poca suerte.
GERHARD SCHOLEM: Gruss vom Angelus.

Hay un cuadro de Klee que se llama Angelus Novus. En él se representa a un ángel que parece como si estuviese a punto de alejarse de algo que le tiene pasmado. Sus ojos están desmesuradamente abiertos, la boca abierta y extendidas las alas. Y este deberá ser el aspecto del ángel de la historia. Ha vuelto el rostro hacia el pasado. Donde a nosotros se nos manifiesta una cadena de datos, él ve una catástrofe única que amontona incansablemente ruina sobre ruina, arrojándolas a sus pies. Bien quisiera él detenerse, despertar a los muertos y recomponer lo despedazado. Pero desde el paraíso sopla un huracán que se ha enredado en sus alas y que es tan fuerte que el ángel ya no puede cerrarlas. Este huracán le empuja irreteniblemente hacia el futuro, al cual da la espalda, mientras que los montones de ruinas crecen ante él hasta el cielo. Ese huracán es lo que nosotros llamamos progreso.
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WALTER, Benjamín: "Tesis sobre Filosofía de la Historia", Tesis Nº 9, p. 5. Disponible en: REVOLTA GLOBAL

Sitio Recomendado:"Benjamin y el concepto de Historia" por Bolivar Echeverría.

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PD: El momento de reflexionar sobre la música, la filosofía y la historia es ahora.

Riding Alone for Thousand of Miles...

2007-06-03T20:40:00.000+02:00

La nueva producción Riding Alone for Thousand of Miles del director Zhang Yimou contiene esa mágina que transforma lo aparentemente "simple" en lo extraordinario. Es el viaje de un hombre a través de sí mismo, es un poema a la belleza humana que hemos olvidado, algo así como lo que Adam Zagajewski plasmó en su obra maestra: EN LA BELLEZA AJENA.

Se trata de un film dónde la frase sartreana "el infierno son los otros", esa profecía de A puerta cerrada, no tiene cabida, aquí el animal humano, el "homo homini lupus" es un ángel caído que, como en el "Heiliger Dankgesang eines Genesenden an die Gottheit, in der Lydischen Tonart" del cuarteto op. 132 de Beethoven, renace de entre las más profundas tinieblas trayendo consigo la luz eterna.

Yimou conserva su estética donde lo contemporáneo coexiste con la tradición en el más perfecto equilibrio, esta vez incluyendo un especial homenaje a la "ópera popular china" citando la obra "Riding Alone for Thousand of Miles" (de la que al parecer toma el título para el film), de este género toma la metáfora de la máscara, del padre y el hijo, del ser humano buscándose a sí mismo en la inmesidad de la naturaleza, una naturaleza sabia que le recibe en su seno para devolverle la esencia de la vida, y en cuyo regazo al fin puede descansar después del largo-corto viaje que es la existencia.

A esto se suma una lección socio-cultural, porque Yimou aprovecha el lenguaje para señalar a los occidentales, muy habituados a llamar "oriental" todo lo que les quepa en el estereotipo del "hombre amarillo", que China, Japón, Corea, Mongolia, y en ellos todos los pueblos y tribus humanos son únicos y particulares en su cultura y en su hibridación, pero con esta indicación expone también una idea de comunidad donde el personaje principal somos todos nosotros. En definitiva, una obra maestra digna de ser vista una y otra vez.

¿Qué significa "hacer música"?

2007-05-14T12:51:00.000+02:00

¿Qué significa "hacer música"? Creer que podemos responder a esta pregunta significa vislumbrar ese laberinto del que nos habla Borges: "No habrá nunca una puerta. Estás adentro" (1). Pero, también es el laberinto de Schoenberg: "un laberinto, la entrada y salida de todos cuyos puntos sabe el experto sin que lo guíe un hilo rojo" (2).

Pero, para los que estamos adentro y necesitamos un hilo rojo, recomiendo ver el video de Glenn Gould: "Glenn Gould plays Bach" (3)...resulta revelador, no sólo por su técnica de estudio sino por el proceso de fusión y fisión que realiza Gould con la obra... la DEVORA, la hace suya y a su vez él se vuelve en ella. Es impresionante, no se trata sólo de interpretar, de ejecutar, sino de volver-se la Música en carne, sangre y energía humana.

Esto sucede también en el libro de Bruno Walter: "Of Music and Music Making"(1961) donde Walter construye una metafísica del "hacer música". Lástima que la obra esté fuera de imprenta, valdría más que muchos textos "didácticos" que se vende hoy por pura "fama" de sus autores y cuyo contenido no es más mera cacofonía.

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NOTAS:

1. BORGES, J. L.: "Laberinto", en Elogio de la sombra (1969), incluído en Obra Poética, 2, Biblioteca Borges, Alianza Editorial, 2005, p. 243.
2. ADORNO, Th.W.: Filosofía de la Nueva Música, en Obra completa, 12 (Trad. Alfredo Brotons), Akal, 2003, p. 104.
3. Donde se muestra trabajando las "Variaciones Goldberg".

Un piano, una habitación, un humano y acción (...)

2007-05-12T16:59:00.000+02:00

Con sólo una habitación blanca y un piano negro Clint Eastwoon ha creado un documental delicioso y transparente sobre y con El Blues, esa música que canta, como diría Sartre: la angustía de la libertad, de la Nada, de la responsabilidad absoluta de sí mismo que tienen el ser humano. Esa libertad de sonidos que son carne y sangre en la acera de la vida.

Este documental trae a la memoria esa emoción viceral que la producción industrial y de ascensor han ido penetrando con su sordera, dejándonos sordos.

Con su simpleza y honestidad este filme nos recuerda esa sensación que describe Adorno en su Beethoven, Filosofía De La Música, cuando confiesa que lo que ha buscado toda su vida es recuperar esa primera emoción que tuvo cuando niño al sentarse ante un piano y ver un libro abierto cubierto de dibujos y líneas negras...

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ENLACES RECOMENDADOS:

http://www.pbs.org/theblues/aboutfilms/eastwood.html
http://en.wikipedia.org/wiki/Piano_blues
http://eastwoodclint.free.fr/clint_jazz/clint_jazz.htm

**Anexo: http://www.apoloybaco.com/Cinejazzhoy.htm**

Música y Era biotecnológica

2007-05-02T13:33:00.000+02:00

Recientemente la Revista OPUS MUSICA publicó mi artículo sobre "Música y Era biotecnológica", el cual incluye un acercamiento a la obra de la compositora Annie Gosfield. Aprovecho para adjuntar acá el link al artículo:
http://www.opusmusica.com/015/biotech.html#nota6

El "Festival América-España" y la in-visibilidad

2007-04-18T17:57:00.000+02:00

Este mes de junio se celebrará en el Auditorio Nacional de Madrid, el "Festival América-España" una estupenda propuesta que se cose al fuego de la cooperación iberoamericana. Sólo que la maravillosa idea tiene dos problemas: no ha incluido a ninguna compositora, y el espacio de encuentro que ha creado para la reflexión respecto a la música en América y España es ínfimo, en el programa de mano oficial (abril 2007) aparece sólo una conferencia en la Residencia de Estudiantes. Aunque al final se han incluido más coloquios, véase la página oficial del Festival en : http://ocne.mcu.es y cuadriptico oficial (junio 2007), lo cual es una excelente noticia.

Ya es suficientemente vergonzoso que haya que hilar fino en los textos oficiales para poder encontrar citas a las creadoras e intelectuales (incluidas madres y esposas), pues el modelo de poder y de Creador sigue siendo masculino y la opinion pública parece no encontrar importante dicha centralización, o en algunos casos no se va más allá de la curiosidad. Es una lástima que un proyecto tan importante como el “Festival América España” de la Orquesta y Coro Nacionales de España, donde colaboran dos directoras españolas, sea un ejemplo de esto, lo que abre un tremendo vacío.

No se trata de caer en la trampa de generar preguntas cómo: ¿acaso no exiten compositoras “en la medida de” Villalobos, Ginastera, Piazzolla, Toldrá, Albéniz, de Pablo o Golijov? Lo que supone en ellos un paradigma masculino de creador iberoamericano, que también afecta a otros compositores que tampoco fueron incluidos. Tampoco se trata de considerar que “ya se pagó la cuota” incluyendo a dos directoras. No. El problema radica en la invisibilidad, en el impacto de crear una “no existencia” a pesar de "conocer" (pues actualmente existe suficiente información como para alegar desconocimiento) ¿dónde están Tania León, Odaline de la Martínez o Alicia Terzián, por citar algunas figuras internacionalmente conocidas?

Además, en España hay suficientes compositores(as) y musicólogos(as) del norte, centro y sur América como para haber organizar más encuentros con los compositores(as) españoles,... y temas para tratar sobran. Lo que vuelve más conflictivo el hecho de que sólo se organizara una conferencia al rededor de Madrid y Bercelona. En un evento históricamente tan significativo como este Festival, que pretende “crear un espacio específico para el estudio, la divulgación y la difusión de la música española e iberoamericana”(1), la omisión implica anulación. Esperemos que en próximas ediciones esto vaya cambiando.

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NOTA:
1. “Festival América España”: “El Festival” (Introducción de Josep Pons), en Programa de mano, Madrid (junio 2007), p. 3.
IMAGEN:
Joan Miró, "Mujeres escuchando música".

Patricia Petibon y las carcajadas de nuestro tiempo

2007-04-03T20:27:00.000+02:00

Casos como el de Patricia Petibon, o Nigel Kennedy, son realmente interesantes no solo desde el punto de vista estético visual, es decir, por su imagen contradictoria y "rompedora" de los esquemas tradicionales más allá de la idea marquetiniana de "modernizar" el look de los "artistas clásicos" -por decirlo de alguna manera-, sino, por lo fascinante de sus representaciones, esquisitamente circenses e híbridas (a lo Cirque Du Soleil).
La deliciosa y refrescante ironía de sus ejecuciones en cuanto al core repertoire o la denominada "massclásica", es estremecedora. Es verdad que Petibon "es un equipo", y debe mucho a Cathy Berberian y su "Laberinto de la voce", así como a "The Cat in the Hat", del escritor y dibujante estadounidense Dr. Seuss; y ¡que decir del manga japonés postmoderno y la tendencia "superflat" de Murakami! ...Pero el mérito es innegable, hay que tener valor para cantar al ridículo de nuestra sociedad actual, a su iconoclástica y a su racionalismo virtual, pues cada vez sabemos menos, cantamos menos y escuchamos menos las voces de nuestro tiempo, incluídas sus risas, esas carcajadas sarcásticas escondidas bajo las piedras de la "civilización".

Imma Shara como imagen

2007-04-02T12:57:00.001+02:00

La directora de orquesta y compositora española Imma Shara es reconocida por su colaboración con la Casa Real Española y la Fundación Príncipe de Asturias. Además, por supuesto, de su exitosa carrera profesional.

Pero, a pesar de que existe en España -como en otros lugares- una especie de costumbre por parte de las directoras, compositoras y "orquestas de mujeres", de autoproclamarse "las pocas"(1) o "las únicas"(2)... en pos de sus carreras profesionales o ideales pseudofeministas (lo que no deja de ser perturbador, pues la paridad no consiste en eso). El caso de esta directora en particular, quien no solo ha participado en conciertos oficiales dedicados a las víctimas del terrorismo, sino que ha llegado a convertirse en imagen de la firma cosmética y miembro del jurado del Círculo Olay, (el cual patrocina un concurso de becas para mujeres españolas que deseen iniciar o reiniciar sus estudios), no deja de ser un caso donde hay que reconocer que el valor filantrópico a veces justifica los medios.

Lo que me recuerda el Prefacio al ensayo "El Artista y su Conciencia" del director René Leibowitz (1950), donde Jean Paul Sartre dejó expuesta una problemática que aquí esta muy clara: el cómo en la dirección orquestal, como profesión remunerada, no bastan solamente el nivel intelectual y musical, es necesaria también una imagen "corporativa" personal identificable con valores determinados, donde las estéticas de élite y de masas se confundan, por ejemplo, con ideales humanitarios, feministas o identitarios de cualquier índole acordes con su época, convirtiéndolos en objetos estéticos. Ya la expone Terry Eagleton cuando afirma que la estética es una ideología.

Imma Shara es un buen ejemplo, su mérito es innegable, ella ha sabido convertirse en uno de los rostros de su momento histórico.

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NOTAS:

(1) Un ejemplo de este tipo son las afirmaciones de Imma Shara, quien en una entrevista publicada en la MAGAZINE 250 de El Mundo (2004) dice que "somos solo seis mujeres en el mundo". Algo que puede desmentirse con tan solo mirar en la KAPRALOVA SOCIETY.
(2) Como es el caso de la OSMUN quienes han afirmado en EL PAIS (2006) ser "la única orquesta femenina de Europa..."

¿Son posibles una Música y Teatro "OUTSIDERS" en Iberoamérica?

2007-03-28T22:35:00.000+02:00

Esta semana (26-28 de marzo) tuve el gusto de asistir al Congreso internacional "Teatro y Música en España: los géneros breves en la segunda mitad del siglo XVIII", organizado por la Universidad Autónoma de Madrid(UAM), el CSIC y el Ayuntamiento de Madrid, el cual se celebró en las instalaciones de Centro Cultural Conde Duque y su Biblioteca Histórica. Congreso al cual acudieron especialistas, investigadores y estudiantes de América (Norte, Central y Sur), España, Alemania, Francia e Italia. A este respecto, adjunto una video-entrevista dedicada a la directora del congreso y especialista Dra. Begoña Lolo, a quien entrevisté el 17 de abril en la UAM, y con quien conversé sobre el congreso, su ponencia y proyectos, así como sobre este repertorio fascinante. Entrevista que esta disponible en la Revista on line OPUS MUSICA Nº 15.

El congreso incluyó una puesta del "Melólogo Inés de Castro” (escena trágico-lírica), con música de Blas de Laserna y texto de Luciano Francisco Comella. Obra recuperada y editada por German Labrador (UAM), presentada por la Camerata del Prado bajo la dirección de Tomás Garrido. Laserna es uno de los compositores españoles más interesantes del siglo XVIII, y algunas de sus obras han sido editadas también por el ICCMU, pero es una lástima que no se disponga de más material para poder llevar a la escena su obra más representativa, haría falta un monográfico especializado que incluyera un colección de partituras.

Otro aspecto importante que destacar es el ámbito iberoamericano de estos repertorios, pues aun se conserva en España y América una documentación que espera ser estudiada rigurosamente. Estas obras son una fuente de especulación estética e ideológica muy interesante, debido sobre todo a su caracter de "outsider" respecto a los repertorios italiano, francés y alemán, con los que se suelen estandarizar. Cargado de peculiaridades socio-culturales y estéticas, su reconstrucción e interpretación va desde el historicismo conductista-positivista más extremo, pasando por el prisma de las teorías sobre "hibridación" (utilizando el enfoque de García Canclini), hasta lo vanguardista, lo popular y folklórico contemporáneo, enfoques que que dependiendo de las circunstancias, es decir, inmerso in situ, lo convierten en una "opera aperta", como diría Umberto Eco.

Los "monstruos", tópicos y arquetipos que coexisten en esta música son realmente fascinantes, pero por ello "periféricos" en consideración a repertorios más cerrados por la práctica y mitos contemporáneos, respecto a lo que "debe ser" o "lo que pueden ver" tanto los musicólogos, como los estudiosos del Teatro y los interpretes (mediados estos por una educación ideológica marcada por los nacionalismos y los eurocentrismos). Por esta razón, y aunque es un anglicismo, he utilizado la denominación "outsider" (cargada de connotaciones contrahegemónicas) para esta música y teatro salvajes, caricaturescos, versátiles, GROTESCOS y SUBLIMES, los cuales necesitan ser, como comentaron Dr. Joaquín Álvarez (del CSIC, también director del congreso), y ponentes como Dra. Susana Antón (Argentina), Dr. Josep Maria Sala-Valldaura (Catalunya) y Dra. Elisabeth Le Guin (UCLA): pensados como un modo, un "uso", no como un género "fosilizado"... como un metalenguaje, no como una maqueta,... y mucho menos como un "BIG MAC" cultural.

La obertura de La Flauta Mágica por Ingmar Bergman

2007-03-11T12:56:00.000+01:00

Luego del Oscar Honorífico recibido por Ennio Morricone, creo que valdría la pena considerar un fenómeno interesante, el de la música como "close up", es decir, como acercamiento a un rostro, a una imagen, como subjetivación u objetivación. Como búsqueda de ese inexorable espacio que se establece entre nosotros y los otros. Pienso en los famosos temas creados por Morricone para Sergio Leone, o en ese místico solo para oboe que escribió para "La Misión", especie de relectura de J. S. Bach y de A. Dvořák, todo un discurso de imágenes creadas con sonidos, con representaciones,con realidades encarnadas por personajes y espacios, construyendo un paisaje que se introduce como si se tratase de un "zoom in" en la mente del espectador y del actor.

Pero este no es un caso particular, personalmente considero que el caso más fascinante de "zoom in" musical es la obertura de La Flauta Mágica de W. A. Mozart propuesta por Ingmar Bergman("Trollflöjten", 1974): donde la música escrita por Mozart es concentrada por el cineasta en el rostro de una niña que forma parte del público que asiste a la representación de la ópera. Es impresionante como cada expresión de esta niña es cuidadosamente estudiada y coloreada con los rostros de otras personas del público (niños, ancianos, hombres, mujeres, y gentes de diferentes etnias), guardando un movimiento de cámara casi mínimo Bergman asume el tiempo y el espacio estructurados por la música y los convierte en melodías de timbres, de rostros cotidianos y misteriosos a la vez, como en una especie de "boyerismo" invertido de la escena al público, con lo que logra exponer un discurso silencioso a través de la música, es decir, el silencio de los rostros que a su vez "escuchan" la música de la obertura de Mozart se convierte en un "close up" al imaginario del espectador, al enigma de su interior.

En este sentido, esta especie de concepción de "close up sonoro" aplicada por Bergman, donde el rostro parece transmutarse en estructura abierta, en tema intrincado, fue cuidadosamente trabajada por su colega, el compositor sueco ERIK NORDGREN, quien trató de explorar ese paisaje insondable en la música que compuso para varias de sus colaboraciones, creo que Nordgren es también un caso muy interesante, cuya música debería ser más considerada, incluso aunque no haya recibido un Oscar.

Un Oscar honorífico para Ennio Morricone

2007-02-28T14:38:00.000+01:00

Quienes estaban apesadumbrados porque se supone que la música "clásica" contemporánea esta muerta y que no forma parte del imaginario de la vida cotidiana, se ha quedado atónito de alegría ante el hecho de que le haya sido otorgado un Oscar honorífico al compositor italiano Ennio Morricone.

Este, el galardón más prestigioso y resonante de la industria cinematográfica ¡otorgado a un compositor!, simplemente un acontecimiento único.

La obra de Morricone, de la que suele ser más conocida su producción de bandas sonoras para el cine, insta a reflexionar más sobre la relación estrecha que existe entre música y cultura visual, entre música y cine, hoy, al 400 aniversario de la ópera, el cine, es la obra de arte total por excelencia (con respeto a la ópera, y tomando en consideración que son experiencias distintas, aunque cada día se parecen más).

Además hablamos de un compositor italiano, que ha colaborado con producciones tanto estadounidenses como europeas, lo que también insta a reflexionar sobre la división entre cine "europeo" y "americano", alias cine "de autor", cine "de palomitas". La creación cinematográfica, y la musical en este caso, son más complejas que una delimitación geográfica.

L@s creadores musicales se siguen preguntando ¿qué significa escribir música hoy?, tal vez Morricone tenga parte de la respuesta, y no porque haya ganado un Oscar (algo circunstacial, muy bueno, pero circunstancial), sino por su Música, porque sigue haciendo música.

Por supuesto que todo esto es más complejo de lo que parece, y en el fenómeno de la creación musical intervienen muchísimas variantes, pero aún así este es un evento sin precedentes que vale la pena festejar.

¡Bravo por Ennio Morricone!¡Bravo por la Música Viva!

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ARCHIVO MULTIMEDIA (mini-reportaje)
Blog Dedicado a Morricone (incluye archivos multimedia)
Y el episodio Nº10 del podcast "Sonidos...del mundo de la Música" de Carlos Pérez Cruz, en iTunes.

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Página Web oficial de Ennio Morricone: http://www.enniomorricone.com/

¿Pensamiento Iberoamericano?

2007-02-24T14:47:00.000+01:00

Esta semana se han dado cita dos publicaciones dedicadas a un pensamiento iberoamericano, y a la cultura y el desarrollo en Ibero América, ambas patrocinadas por el AECI y la Fundación Carolina.
La primera publicación, presentada el martes 20/2/07, es la renovación de una idea de larga data: la revista en formato libro "Pensamiento Iberoamericano". Asistí a la presentación de la revista, la cual se hizo en Casa de América. Resultó muy interesante conocer y escuchar el discurso de algunos(as) de los que dirigen y representan los intereses del pensamiento en nuestra región.
La segunda publicación se presentó el 22/2/07, y es el boletín "C+D" (Cultura + Desarrollo), dedicado a difundir los proyectos del AECI en el ámbito de la cultura. Me pareció fabuloso el nombre del boletín, pues parodia el I+D maravillosamente y con eso lo dice todo. Realmente hay que aplaudir este tipo de iniciativas, pues demuestran que en la región existe un verdadero interés en crear redes de cooperación en pos del bienestar de las personas.

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El problema de "un pensamiento iberoamericano" (pues hay muchos) es que en la región existe una generalización del problema humano desde los enfoques económico y político, y la particularidad del ser humano no puede generalizarse, no existen generalidades, solo individuos, personas. Las cifras solo permiten observar los problemas, especialmente los relacionados con el polémico concepto "desarrollo", que no solo es lineal y comparativo, sino que, lamentablemente, muchas veces es producto de reflexiones hechas desde la ventanilla de un Mercedes Benz. Ya que no es usual que quienes generan la cultura o quienes necesitan sacar adelante los países sean las personas del pueblo, por así decirlo, sino quienes ostentan el poder hegemónico y cuyas carreras políticas se ven adornadas por este tipo de proyectos.

Personalmente tuve la oportunidad de recibir una beca de la Fundación Carolina en el 2005, y reconozco por propia experiencia que este tipo de apoyos son fundamentales, necesarios y urgentes pues democratizan el acceso y la difusión del trabajo y de los proyectos que nutren el desarrollo desde adentro, desde las personas.

Por esta razón me parece fantástico que estas dos publicaciones estén a la disposición de todos, solo soy crítica con ellas por la razón más importante, porque sé que este tipo de proyectos son capaces de crear grandes diferencias, sobre todo positivas, pero solo si se tratan desde la verdad del pueblo y de quienes crean día a día el pan nuestro, aunque la esperanza en un futuro mejor a veces les parezca irracional.

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NOTA: las palabras subrayadas con colores son enlaces directos on line.

IMAGEN:
Mario Torino, "La voluntad del pensamiento", en http://www.mariotorinoart.es/

El discurso sonoro según Nikolaus Harnoncourt

2007-02-15T21:10:00.000+01:00

El nuevo libro de Nikolaus Harnoncourt "La música como discurso sonoro" es una noticia que debería anunciarse con las trompetas del apocalipsis ¡que lucidez tan aplastante! Es impresionante como este director estupendo a logrado exponer algunas de las principales preocupaciones de la música académica de nuestra época, problemas que se debaten entre lo trascendente y lo histórico, entre lo ideológico, lo filosófico, lo estético y lo que vende.
Me enteré de la noticia por la revista El Cultural, del períodico español El Mundo, y sinceramente creo que este es un trabajo ejemplar, al igual que otras obras suyas como EL DIÁLOGO MUSICAL .
Ahora bien, esta obra requiere de una reflexión detallada, y en este espacio eso no me es posible, pero si compartir la alegría de quien encuentra agua en el desierto.

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Nota: los títulos en color son enlaces directos a la información indicada.

Arturo Toscanini DIES IRAE

2007-02-06T18:43:00.000+01:00

De nuevo me he topado con otra representación del "mundo de los directores de orquesta" según la cosmogonía de Luis Suñén, en su reportaje "Dios con batuta"(1) . Esta vez a tomado a Dios por Arturo Toscanini y viceversa. El autor cree hacer un homenaje a la muerte del hombre(2) con la muerte de Dios, pues qué mejor representación de la muerte del hombre que su incapacidad de convertirse en su idea de Dios.

En su reportaje Suñén plantea una nostalgia a la figura del "director furioso" que representa Toscanini en el imaginario histórico, y una añoranza del pasado bastante preocupante, pues es el tipo de añoranza que no deja de ser un sentimiento de fracaso del presente, es una añoranza por el aroma del asombro que hay en lo nuevo pero que no deja de ser un olor de copia nueva.

Creo que este tipo de representaciones de un Arturo Toscanini como si fuese un "Dies Irae", o un "Pater Nostre" renacentista que juzga su creación, o como ser todo poderoso en cuyas manos se define la vida o la muerte, es la aberración típica de una sociedad idólatra y desesperada en su propia autofagia.

Si como en este caso lo que se desea es celebrar la obra de un gran maestro (como es el caso de Toscanini) no hace falta deificarlo, pues no va a resucitar, no es Dios hecho hombre. Es un insulto a su legado buscar en las anécdotas de su carácter el secreto de su profunda y genial imaginación sonora e intelecto musical. La única ira real que puede desatarse con este tipo de fábulas es la de ver como se ha convertido su trabajo en una caricatura de las proyecciones mediocres de una sociedad que es incapaz de superarle.

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Notas:
(1) El Pais, Suplemento Cultural BABELIA, 03/02/2007.
(2)Este 16 de enero se cumplieron cincuenta años de la muerte de Arturo Toscanini.
ENLACE RECOMENDADO: http://www.toscaninionline.com/

Un Mozart "Nietzscheniano"...según Juan Martínez Val

2007-01-26T17:16:00.000+01:00

Esta semana me encontré con el libro de Juan Martínez Val(enlace) "MOZART HOY... ¿IMPOSIBLE? ¿QUÉ PODEMOS APRENDER HOY DE MOZART?" (PERGAMINO EDICIONES 03/2006. Edición: 1ª. Número de páginas: 240).

No estoy segura de compartir el optimismo del autor respecto a tomar iconos o modelos para regir nuestro presente, o si es válido buscar repetir fenómenos o personas en otro tiempo o contexto. Pero, considerando que la obsesión mozartiana a llegado a algunos límites realmente ridículos, y que en el 2006 se le tomó por Quijote, no está de más realizar una reflexión sobre un personaje innegablemente genial, el Genio por excelencia.

Martínez Val también diserta sobre otros importantes contemporáneos de W. A. Mozart, algunos de ellos por lo general subestimados ante la imagen del Genio, como es el caso del Maestro Franz Joseph Haydn, Antonio Salieri (sodomizado por el cine), Leopoldo Mozart (fascinante pedagogo) y Constanza, esposa del genio, personaje polémico y aun indómito.

Este parece ser un trabajo serio, pero espero que no vaya a tomarse como uno de esos manuales de autoayuda, sobre todo en nuestra sociedad post-burguesa donde se cree que hasta el genio y la creatividad pueden venir enlatados.

Considerando que el libro supone un pasar de la Ilustración a nuestros días anti-ilustrados o "sobreinformados", esta especie de "Así hablaba Zaratustra (digo Mozart)", puede resultar de un interés crítico para quien busque ir "más allá..." del centenario marketiniano, estudiando los discursos que se han construido alrededor de un compositor que como persona resultó ser tan sui generis como su obra.

La obsurdo de querer ocupar el trono de Karajan

2007-01-20T23:05:00.000+01:00

Este 6 d enero de 2007, el escritor y crítico LUIS SUÑÉN ha publicado en el suplemento cultural BABELIA del periódico español EL PAIS una estupenda caricatura de en lo que se ha convertido el mundo de la dirección orquestal.

Luego de la denominada "Era dorada", cuya imagen más popular es la de Karajan (así, a secas), toda una generación de estupendos directores y directoras no hace más que batirse en duelo para ver quién ocupa su trono, algo completamente absurdo.

El problema es que "el mundo de la música clásica", aunque cueste admitirlo, es tan superficial o "superflat" (para usar la denominación de Takashi Murakami) como cualquier industria, igual que la del pop, el jazz, el rap y así hasta más no poder entre todas las "músicas" del mercado.

El público "cosifica" a los directores, incluso las directoras han caído en esta trampa mortal. No solo se trata de que "los abonados" quieren su pan y circo, sino que los profesionales de la música consideran que es necesario cumplir con esta expectativa: Ser el siguiente Karajan. Y no se trata de "tradición", como asegura SUÑÉN en su reportaje, sino de mercado, de marketing.

Lo único que se vislumbra es caricatura, una profesión que exige tanto de quienes la ejercen no debería caer en semejante falacia, pero quien paga es quien manda en la fiesta.

Enlace a reportaje
Enlace a Herbert von Karajan Centrum
Foto: "Herbert von Karajan, fotografiert von R.Lebeck"

Iniciando el año 2007 con Einojuhani Rautavaara

2007-01-05T11:46:00.000+01:00

Si la Música es un empoderamiento de los eventos vitales, o del ser humano jugando a dios, la obra de Einojuhani Rautavaara (link) sería mi elección para crear un Golem.

Finlandia es un país en el extremo norte del Artico, y allí los cantos se confunden con las voces que llegan desde el silencio implacable del espacio. Rautavaara ha escuchado esas voces, y las que suben por las estepas y desde las tierras trepidantes de "civilización", con sus academias, sus aculogías y las músicas que en su diversidad se van volviendo inclasificables, tanto que solo se las mide por prácticas sociales.

No se trata de un compositor que "haya inventado algo nuevo", en él se pueden seguir las vertientes de los cambios y las continuidades. Pero he querido comenzar el año con él porque en su música he encontrado FE... y en lo absurdo del mundo, esto es un tesoro, un Golem para proteger a un pueblo que agoniza.

"The Golemanual" - reż. Israel Falke -
Sixfingers Theatre w Turku - Finlandia

Lux Terra

2006-12-15T08:53:00.000+01:00

Este Ángel es de donde yo vengo.
Un Ángel de barro
que trabaja la tierra con sus propias manos.
Un Ángel mestizo con el rostro marcado por el sol
y las desgarradoras fuerzas de la vida.

Un Ángel destructor y creador
que toma las estrellas
con esas mismas manos
que han trabajado la tierra
y la han hecho florecer.

**********************************************

(... el tiempo de fiestas-compras empieza,
así que dedico un espacio a la Luz que no viene
de los alumbrados eléctricos de las calles).

La dirección orquestal ¿Una Galería de imágenes?

2006-12-03T13:09:00.000+01:00

Durante el mes de noviembre el canal de televisión francés MEZZO incluyó en su programación una serie de documentales y conciertos dedicados a la figura del "Maestro", alias el Director de Orquesta.

El ciclo incluyó títulos como:

1. Celibidache´s Garden
2. Welcome Mr. Chung (Myung-Whun Chung)
3. Classic Archive:Evgeni Mravinsky
4. Ilya Musin: the master of masters
5. CIassic Portrayal: Graziella Contratto
6. Conversations with Jun Märkl

A continuación LA GALERIA(incluye enlaces) y algunas reflexiones...

Celibidache´s Garden

Welcome Mr. Chung

Classic Archive:Evgeni Mravinsky

Ilya Musin: the master of masters

CIassic Portrayal: Graziella Contratto

Conversations with Jun Märkl

* * *

Personalmente encontré fascinantes no sólo los documentales y conciertos, sino los contenidos... las lecturas "entrelíneas" de una imaginaria visual construida alrededor del culto al Maestro y a la profesión: dirección orquestal.

Como profesional del gremio también me pareció muy interesante la elección de la "nueva generación". Ver como al lado de Celibidache (graciosamente retratado por SU hijo en SU Jardín, donde naturaleza, mascotas, discípulos y monjes tibetanos se mezclaban de formas diversas); de Myung-Whun Chung y la orquesta de Radio France, en gira por España; de Evgeni Mravinsky y la música sinfónica de la URSS; de Ilya Musin sentado en un parque de Leningrado-San Petersburgo meditando sobre su vida; y luego incluir sin más a Graziella Contratto y Jun Märkl.

Vale la pena reflexionar que, si la idea era incluir a una nueva generación de directores en relación a los Maestros consagrados se eligiera:

1) A una directora y a un director de innegable talento (lo que señala los tiempos que corren).

2) Al elegir a una directora, por qué no se incluyó a una de las que compartieron espacio con Celibidache, Mravinsky y Musin, es decir, a personalidades de su misma altura, como lo fueron Nadia Boulanger o Verónika Dudárova... es más, por qué no se incluyó a alguna de las contemporáneas de Myung-Whun Chung, como Marin Alsop o Gisele Ben-Dor? ¿Es qué acaso las directoras son invento nuevo? Pues no, y así como Graziella Contratto y Jun Märkl son parte del legado de los tres Maestros lo son de muchas Maestras.

Otro aspecto de los documentales que me hizo meditar es lo gracioso que resulta ver como se alimentan los clichés y como las imágenes perviven en nuevas generaciones. El problema reside en que no se critica el como dichas imágenes se convierten en pose, en como se convierten en sinónimos del trabajo musical. Al parecer el "posar como" no se identifica con denigrar la profesión sino como algo positivo... lo cual es completamente irónico.

Sinceramente disfruté muchísimo de este ciclo de documentales, y confieso que me permitió meditar sobre la importancia de conservar la escuela crítica y la sabiduría del pasado, pero no convertir el presente en una caricatura.

Agnieszka Holland y su Friso de Beethoven

2006-10-16T14:48:00.000+02:00

Acerca de la impresionante metáfora radical que es la película "Copying Beethoven" de la directora polaca Agnieszka Holland, estrenada este 20 de octubre de 2006. Es importante señalar que, como músico, y amante de la obra del Maestro, esta es, sin duda, una obra cinematográfica que va ha suponer no solo un clásico polémico, sino un homenaje valiente y apasionado a la que es la obra emblemática de la idea moderna de humanidad, la Novena Sinfonía en re menor Op. 125, y una enunciación de las obras que abren la puerta al siglo veinte, los últimos cuartetos Op. 127, 132, 130, 131, 135, especialmente la Gran Fuga op.133.

Holland y su equipo, no solo han creado una joya del séptimo arte, sino una visión radical de Beethoven como símbolo, desde la iconografía de la época hasta el mito. Aquí el personaje histórico es más que un relato de hechos, es una experiencia poética y espiritual.

Esta no es una obra apta ni para las masas ni para los puristas. Es solo para aquellos capaces de experimentar eso que Pierre Boulez llama "imaginación" y Susan Sontag "pensamiento radical". Hay que saber ver, e hilar muy fino entre la delicada y sofisticada espesura de mente.

Ed Harris realiza una representación a la altura de su Pollock del año 2000. Respeta hasta el último detalle a esto que llamamos profesión, pero que en realidad es una forma de vida que devora la Vida: LA MUSICA.

Personalmente creo que hay que ser valiente para realizar un proyecto de esta envergadura, matizado de un humanismo y porque no, un feminismo, pues el personaje "Ana", la compositora y directora asistente de Beethoven dentro de la trama, es un símbolo de la emancipación de las mujeres, es un guiño al tiempo, a las creadoras e intelectuales, y porque no, a la musicología feminista. Se trata de un proyecto brillante, y lamento de ante mano que, como suele suceder, el mundo este sordo para oírlo.

En definitiva, una obra de ruptura, un poema de Schiller, de Klimt, y Friso de Holland.

Este artículo ha sido publicado en la Revista Digital OPUS MUSICA Nº 11, 2006 (dar click para enlazar). También se incluye una crónica sobre la ponencia de Joaquín Díaz en Nueva Economía Forum.

Ser en el Laberinto

2006-09-18T21:12:00.000+02:00

La Vida es un laberinto, y no siempre se vive para encontrar la salida, sino solo para hacer el recorrido. El asunto es que al ser un laberinto, tampoco se sabe donde se encuentra uno, igual te puedes subir a las paredes para mirar por arriba y tratar de ubicarte, o de repente encontrarte con un hilo de Ariadna, o con un Minotauro, es más, incluso puedes ser un Teseo heroico y traidor, o un Baco enamorado de la Ariadna abandonada; hasta te puede tocar ser el Minotauro que se encontraba tan en paz dentro de su casa (pues el laberinto es su casa), y de repente ser atacado por un Teseo que sin más te corte la cabeza.

La CREACIÓN por Nora Kelly

2006-08-23T18:04:00.000+02:00

La CREACIÓN por Nora Kelly

Encontré por casualidad este "borrowing" sobre la obra emblemática de Miguel Ángel y me sorprendió. Es perfecto para un "sin comentarios", habla por si mismo y para quien quiere escuchar.

Quijotes y Meninas

2006-08-08T10:52:00.000+02:00

"Yo sé quien soy -respondió don Quijote-, y sé que puedo ser,..." (1)

Leyendo "El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha" de Miguel de Cervantes Saavedra o hallándome ante Las Meninas de Diego Rodríguez De Silva y Velázquez me he preguntado : ¿prestamos realmente "atención" o sólo tenemos afición a una excesiva dependencia respecto al conocimiento racional y sistemático para disimular una conciencia desordenada? ¿Por qué todavía la diatriba hamletliana se mantiene ante nosotros como el enigma de la esfinge: quiénes somos, para qué estamos?

Pero en Las Meninas y El Quijote, parece que el enigma toma cuerpo y susurra lo evidente, tan evidente que nuestra racionalidad queda atónita ante la solución.

A este respecto Saul Bellow propone una imagen clara en sus propios recuerdos: "De manera que uno se instala en su habitación de tres dólares, ansiosamente civilizada con libros (principal apoyo en la vida) y unos cuantos carteles del Instituto de Arte: un Job de Velázquez que decía Noli me condemnare, un Don Quijote de Daumier cabalgando con imprecisos rasgos por el páramos castellano; y en ese polvoriento cubículo uno comprendía que se había apartado de la norma, que era un inconformista, un tipo raro", y prosigue, (...)"...cuando vuelvo a pensar en mi vida de intérprete, suele venirme a la memoria una frase de uno de los ensayos de Samuel Butler: La vida es como dar un concierto de violín al tiempo que se aprende a tocar el instrumento sobre la marcha, a lo que yo añado entonces que en la sala de conciertos reina un desmadre alcohólico y nadie presta atención a la música". (2)

¿Acaso el enigma nos pone en obligación de encarar que asumimos una actitud de fracaso periférico ante lo que un núcleo esquivo "es" a toda la técnica civilizada?, damos vueltas y la única solución que encontramos es poseer cosas, identificar cosas, teorizar, cosificar, y por qué no, vivir acomodadamente como Sartre y Simone... pero aún así, la posibilidad de "más allá" se no sigue escapando.

Es gracioso experimentar la fama de un clásico en los ojos de quienes lo diseccionan y quienes lo esquivan, y entrar en contacto con la indiferencia que esta presente en ambas experiencias. Somos indiferentes porque nuestras relaciones existen colateralmente al intercambio mercantil, a la producción y reconocimiento de "Héroes, patriarcas y monstruos" (citando a Enrique Gil Calvo), por lo que el tipo de orden que experimentamos es en sí mismo tan sólo un efecto colateral de nuestra conciencia desordenada, de nuestro deseo absurdo de tan sólo ver "quijotadas y sanchadas" (citando a Cervantes), de no ir "más allá", de no enfrentar el enigma, acercándonos más a ser discípulos de Alonso Fernández de Avellaneda que de nosotros mismos.

¿Quién puede vivir loco y morir cuerdo?¿Quién puede ser el que sale por la puerta?

Joel-Peter Witkin, "Las meninas" (3)

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NOTAS:
1. Cervantes, Miguel de, "El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha", Ed. VI Centenario, Ayuntamiento de Catilla-La Mancha, 2005, pp. 66.
2. Bellow, Saul, "Todo cuenta", Ed. Círculo de Lectores-Galaxia Gutenber (2005), pp. 156 y 209.
3. Respecto a las otras imágenes, estas son detalles, uno de la obra de Velázquez datada en 1656, y el otro, de su homólogo en un "estudio" sobre la misma obra realizado por Picasso en 1957.

Leonardo Boff

2006-08-07T20:42:00.000+02:00

Recientemente visitó Leonardo Boff España, como invitado de la Universidad de Granada (1), y pude escucharle en una entrevista que le realizara Antonio San José en su programa CARA A CARA (2).
La persona y pensamiento de Boff me recordó los años de mi infancia y adolescencia, cuando en Centroamérica la Teología de la Liberación se vivía y se sufría en la revolución y la utopía de las reformas. Recuerdo muy bien la influencia de dicho pensamiento, pero con el tiempo uno olvida a esos maestros silenciosos en pos de los gritos de la edad adulta. Ahora, escuchándole, de nuevo recuerdo, y empiezo a entender muchas cosas respecto ha mi propia persona y búsquedas.

Leonardo Boff es uno de esos seres que creía extinguidos, uno de esos por los que nuestra especie todavía no ha sido aniquilada, o no termina de aniquilarse. Son personas como él las que nos dan un poco de decencia, a pesar de que nuestro tiempo les pase por delante con el pretexto de la postmodernidad.

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Imagen:
http://www.rightlivelihood.org/images/recpt/boff.jpg

Notas:
1. En: http://www.elpais.es/articulo/andalucia/entrevista/Leonardo/Boff/inaugura/
nueva/linea/editorial/Universidad/Granada/elpepiautand/20060602elpand_28/Tes/
2. En: http://www.plus.es/codigo/noticias/cara_portada.asp

RECOMENDACION:
La columna semanal de Leonardo Boff

Nigel y el "barroco outsider"

2006-07-28T14:17:00.000+02:00

El concepto comienza donde termina el Olimpo, afirma E. M. Cioran, a este respecto, los entusiasmos de la interpretación musical caen como moscas. Es muy interesante encontrar por ello fenómenos como el de Nigel Kennedy y su proyecto como Director Artístico (2002) de la Orquesta de Cámara Polaca.

Si bien es cierto mucho de esto tiene que ver con el marketing y la imagen corporativa, en relación con la crisis general del mercado de la música mal denominada "Clásica", también tiene que ver con los aspectos positivos de dicha crisis, los cuales han llevado a una revaloración de los objetivos estéticos y éticos, por no decir filosóficos e ideológicos del gremio.

El ejemplo más común es la arriesgada propuesta de Nigel, en la década de los años 80, con "Las Cuatro Estaciones" de Antonio Vivaldi. Dicha producción, luego de su éxito de ventas, ha hecho necesario que hasta la crítica más encarnizada ceda terreno a la consideración de nuevas posibilidades interpretativas, llevadas de la mano no de un "payaso", sino de uno de los violinistas más brillantes de su generación, y no solo por "una orquesta", sino por un grupo de especialistas creativos y entusiastas como el equipo que lo acompañó en ese momento.

Personalmente encuentro gratificante la visión que Nigel aplica a su versión de obras del repertorio, especialmente sus sonadas andanzas barrocas, que son una fusión de erudita conciencia del estilo, revalorización del ejercicio de la improvisación y el instante, además de un reconocimiento del germen y esencia popular que yace en los elementos rítmicos, armónicos y melódicos de dicho repertorio. Aunando todo lo anterior, Nigel Kennedy suma un énfasis grotesco y manierista con claras connotaciones de anarquismo punk, estilo que podría denominar como una especie de "barroco outsider", siendo su trabajo de "reconstrucción" tan fascinante como el de Tom Koopman(1), otro de mis favoritos.

Es evidente que gran parte del éxito comercial de Nigel se ha debido a su imagen personal y sus manías, pero muchos se equivocan al señalarle como "payaso", en sentido recriminatorio, pues si es Payaso lo es con mayúscula, al estilo de Chaplin o Einstein con su violín. Lo que es ya mucho decir.

Nigel, Chaplin y Einstein, cada uno con su violín

Pero, ¿qué sucede con la Orquesta de Cámara Polaca? Da gusto ver la versatilidad de sus integrantes, la calidad con la que se desenvuelven y dejan evidente la riqueza de los contrates, sirviendo como excelentes compañeros, como cómplices y víctimas, pues sin su depurado estilo y capacidad creativa el efecto general de la puesta en escena o la interpretación no podría ser tan efectiva. Ellos, en su calidad de "orquesta" son aún más Payasos y Transgresores en contraste con Nigel, es todavía más difícil ser ellos.

The Polish Chamber Orchestra

La visión de este Equipo es realmente refrescante, pero en todo éxito hay siempre el peligro de convertirse en esclavo de una fórmula, por lo que Nigel, a diferencia de la orquesta, se ha visto estigmatizado con el "barroco" de su visión, a pesar de sus aventuras comerciales dentro de otros géneros, convirtiéndose en un Pigmalión, y en un efecto Pigmalión a su tiempo.

En todo caso, considero que Nigel Kennedy y la Orquesta de Cámara Polaca, como equipo, son un ejemplo de como se puede ser capaz de alcanzar las más altas expectativas académicas y a la vez transgredirlas, hacerlas crecer, no dejándolas solo en el recuerdo, en la continua representación del pasado, sino utilizando su conocimiento, y las propias armas de la academia para volverlas a la Vida presente (y reirnos de nosotros mismos con lucidez).

* * *

IN MEMORIAM

"Kôkaku Kidôtai" en el pensamiento musical

2006-07-28T12:11:00.000+02:00

Esta Era Biotecnológica que nos ha tocado vivir, existe en una forma de ver el mundo, una visión entre la carnalidad y un ideal de la máquina, por lo que, si se aborda a la Música como a un modelo de lo humano, dicho ideal se puede ver metamorfoseado por las aristas de este enfoque, tanto en el acto de componer, como en el de improvisar y ejecutar. Partiendo de que son criaturas humanas las que producen el susodicho pensamiento musical y las que construyen la Era.

Las posibilidades de la biotecnología transforman el mundo y sus metáforas - utilizando un gesto conceptual de Susan Sontag-, lo cual se filtra en la ideología del quehacer musical como arte en el imaginario de lo humano. Teodoro Adorno lo expone ya en la postguerra del siglo XX: "The inhumanity of art must triumph over the inhumanity of the world for the sake of the humane" (1). Pero, dicha aseveración lleva a una pregunta: ¿Qué es, qué significa humanidad?

Acotando al extremo una pregunta de semejante envergadura, la cual ya ha hecho correr "ríos de tinta" - o de petróleo, los cuales yacen ardiendo en medio oriente como los libros en la repisas que contiene dichos discursos- puede ser también una paradoja, como la que se muestra en la idea de una identidad de ser humano y lo particular de su existencia, en conflicto dialéctico con la inteligencia artificial. Paradoja presentada en Kôkaku Kidôtai, serie manga escrita en 1989-1991, creada por Masamune Shirow, (llevada al animé como Ghost in the sell, película animada de 1995, dirigida por Mamoru Oshii.).

En esta obra, Shirow representa los conflictos internos y externos acerca de la propia naturaleza de lo humano. Su protagonista, Kusanagi, es una voluptuosa y andrógina mujer que puede perfectamente representar la carnalidad humana "moderna". Su conciencia reside en lo único que conserva de su cuerpo orgánico humano, su cerebro, el cual ha sido intervenido tecnológicamente he instalado en un cuerpo cibernético (un cyborg).

Su cerebro (como representación de su mente), puede unirse temporalmente, por medio de redes virtuales, a otras entidades y mentes. Pero, lo más interesante es que (por diferentes razones de la trama) decide unirse permanentemente a una entidad autónoma de inteligencia artificial, que existe, (no queda claro si creada o generada espontánea) en la sinergia virtual. Esta unión y propuesta de compartir la conciencia y el cuerpo de Kusanagi, tiene "la intención de sacar a relucir aún más dudas acerca de la naturaleza de la identidad humana", y es reflejo de "un mundo donde la conciencia humana ya no es algo tan particular." (2)

Pero esta visión, aparentemente anti-antropocéntrica, no deja de ser una visión humana, una visión de los propios conflictos de esta conciencia. Conflictos que se proyectan sobre el ideal de la máquina y la inteligencia artificial, los cuales son utopías distópicas de un deseo carnal de perfección y control del ser humano, proyectado a través de su creación: la máquina. En este sentido es importante destacar que este acto de unión, de compartir y coexistir en el cuerpo de otro, no deja de ser la metáfora de un acto erótico, que aporta carnalidad y conciencia a lo humano, por medio de la metonímica de lo anti-humano: la máquina. En palabras de Peter Franklin: "A total collapse of belief in the self as a basis for the expression of transcendent truth, has guiltily adopted the objective observational zeal of the natural-scientist as the only permissible basis for affective enthusiasm. It is a music which seeks not imitatio Dei but imitatio naturae; that the work should become a model of scientifically perceived nature rather than a troubling mirror of the self". (3)

Así que, de imitar a la Naturaleza o a Dios se a pasado a imitar a la Máquina, en la necesidad potable del Ser, en su afán de conocer en que consiste su condición, su integridad, Su Ser, no dejamos de imitar nuestra creación. Por lo cual toda idea de pensamiento musical no será más que una versión de nosotros mismos, o de lo que creemos que deberíamos ser. La pregunta de una musicalidad implícita en el ser humano, ya plateada por John Blacking, consiste en que la criatura humana se pregunta, ¿en qué consiste lo humano? Y en qué consiste lo humano respecto a la Naturaleza, Dios y la Máquina como un Todo. En este sentido, ¿cómo se pretende plantear la mente, el cerebro, como un ecosistema de ideas, de información? Y al ser humano, como vehículo de dichas ideas, como cuerpo compartido, como elección e inclusión de sí mismo, su auto creación y destrucción.

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NOTAS:
1. Adorno, Teodoro. "Philosophy of Modern Music", tr. A. G. Mitchell and W. V. Bloomster (London: Sheed and Ward, 1973), pp. 132
2. Ambas en: http://es.wikipedia.org/wiki/Ghost_in_the_Shell
3. Franklin, Peter. "The Idea of Music: Schoenberg and others", British Library Cataloguing in Publication Data (1985), pp. 105

RECOMENDACIONES PERSONALES:

-Asimismo les recomiendo leer el artículo de Luis F. de Oliveira y Edson S. Zampronha "EL COMPUTACIONALISMO CLÁSICO Y EL MODELO DE UNA MENTE CREATIVA EN COMPOSICIÓN MUSICAL". Dicho artículo es un ejemplo del caso de un pensamiento musical como modelo de Lo Humano en relación con la Máquina y la biotecnología.
-Aprovecho para enlazar un blog donde se ilustrar dicho artículo de una forma muy interesante: Music from Rusia

SOBRE LA PELICULA EN CUESTION
-Para acceder al sitio web oficial sobre la película animada en cuestión (sinceramente una obra de culto).
-Un ejemplo para meditar es la propia banda sonora de Ghost in the sell. Puede escuchar en su ordenador los temas disponibles.

¿Pedagogía Musical?

2006-07-26T11:29:00.000+02:00

Discurso de inciación para aspirantes

Estimados alumnos y alumnas, bienvenidos al mundo perdido de la Pedagogía Musical, muchos de ustedes están aquí por una Idea, porque un Ideal los ha traído a estas aulas. Sus ideales pueden ser de lo más comunes y es normal que muchos coincidan en sus razones, pero no lamento decirles que ninguna de ellas es acorde con la Realidad del Mundo que les tocará enfrentar.

Ustedes, estimados alumnos y alumnas, han llegado aquí con sueños de fama y realización personal, pero desde ya les recomiendo ir eligiendo una profesión anexa a esta, ojala de marketing o ciencias liberales, lo más práctica y acotable posible para el capitalismo aplicado, sea aquí o en China.

Segundo, felicito a los que ya son dotados en las artes del cortejo y cuyas habilidades morales son extremadamente flexibles, pues tendrán que aprender a prostituirse y mantener "relaciones", lo demás es asunto de tocar la mayor cantidad de notas posibles en el menor tiempo imaginable, más unas cuantas frases elegantes dentro de un legato de telenovela.

Tercero, es indispensable que consideren el hecho de que la gran mayoría de las naciones actuales ha eliminado la rama musical del "entrenamiento" existente dentro de sus Sistemas Educativos, principalmente por culpa de otros que como ustedes llegaron a estas aulas y luego se dedicaron a la enseñanza y a ponerse ropas elegantes mientras fingían tocar con sobriedad alguna obra de repertorio abonado en iglesias, auditorios y teatros.

El espectáculo es prometedor, estimados alumnos y alumnas, sea como aspirantes a músicos del gremio de la Salsa, el Jazz, la Música de Cámara o el último tema de moda, preferiblemente aspiren a las "élites masivas", dentro de las cuales estamos incorporados, pues no suele haber mucho solitario en este gremio, por lo cual no duden en elegir un género donde puedan ser "vistos", esto es indispensable, aunque tampoco asegura nada, pero no duden en fortalecer sus dones para la comedia y mostrar un poco de carne cada vez.

Sobre el material de texto para el programa de formación general, no vendría mal pasarse buenas horas ante el espejo, leer revistas de personalidades y algún artículo sobre música. Además comprar las versiones en CD y DVD más accesibles en el mercado para no tener que meditar demasiado a la hora de "aprender" las obras que han de interpretarse en los exámenes.

Recuerden que los libros de rigor son los que contienen versiones resumidas de los "contenidos habituales", no vayan a hurgar demasiado en la conciencia, resultaría nocivo para la competencia -que se emponzoñaría con ustedes de manera innecesaria- , y afectaría la salud y paz general de nuestra sociedad, por lo cual, es recomendable leer solo de vez en cuando algún libro "extra" como best sellers de Dan Brown, lo cual quedará muy bien cuando se dediquen ustedes a pasearse por los pasillos, como si tuvieran otros intereses, así, los profesores pensarán que ustedes son como ellos, lo cual aliviará su Odio.

Desde ya les informo que algunos de ustedes tendrán serios problemas de salud durante los próximos años, y su carácter se volverá "un poco" más violento que el actual, perfilándolos como asesinos en serie, comportamiento que compartirán con sus colegas y profesores, lo cual es perfectamente normal dentro de la endogamia.

Por último, quisiera recordarles a los que están por graduarse, la importancia de que consideren inscribirse en concursos y clases maestras, pues al final su persona se define por un curriculum, el cual no necesita estar habitado por sus hechos o proyectos, sino por los nombres de esas personalidades e instituciones musicales sobre las cuales han leído en las revistas y artículos que señalé anteriormente. Recuerden estimados alumnos y alumnas que la imagen lo es todo. Además, así nosotros mantenemos el poder sobre ustedes (controlados en nuestros límites), y, esos distinguidos personajes e instituciones engruesen sus cuentas bancarias, haciéndoles a ustedes el favor de prestarles su famoso nombre, no se diga conocimiento... ustedes limítense a citarnos e imitar.

Así que bien..., si tienen alguna duda, consérvenla, les hará falta en el camino.

Cordialmente,
Nunca suyos...
Directivos(as) de Conservatorios y afines

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La elección de Paul Wittgenstein

2006-07-12T21:30:00.000+02:00

Los seres humanos vivimos divididos, creemos que tenemos que elegir entre los "ideales", pero esto es una versión simplista de la elección, pues los ideales son representaciones, deseos que, aunque nuestra época aparenta olvidarlos, yacen en la necesidad de auto trascendencia y autodestrucción.

Pero la elección puede ser una acción de otro, una acción que parece no tener nada que ver con nosotros, y entonces nos volvemos uno con la elección aparentemente indirecta, uno con la casualidad, como por ejemplo, con el Concierto para la mano izquierda (1931) de Maurice Ravel, escrito para su amigo el pianista vienés Paul Wittgenstein (quien había perdido su mano derecha en la I Guerra Mundial).

Esta obra es para mi como uno de los Silmarils de JRR Tolkien, una luz que revela la luz de quien lo mira, una herida de luz en el camino. Wittgenstein estaba amputado, pero la música seguía en él, como la herida de un brazo que ya no está. Y su elección de seguir utilizando el piano, y la elección de Ravel de concebir un concierto para él, donde la cultura de la guerra y el crimen no parecen tener fin, se vuelve un acto en nombre de la paz y la auto reconciliación con uno mismo, donde la música no es el fin, sino el camino a la elección.

Las mujeres en la "Santa Cena"

2006-07-03T18:55:00.001+02:00

¿Por qué se excluye a las mujeres de la imagen de la Santa Cena? ¿Por qué algunas mujeres necesitamos o consideramos que es criminal excluir a las discípulas de Jesús? ¿Por qué se crean reproducciones de la primera eucaristía cambiando los personajes tradicionales por mujeres?

Mary Beth Edelson, Some Living American Women Artists/Last Supper, 1971

Publicidad de un cartel donde muestra a mujeres "La Última Cena" de la marca Marithe y Francois Girbaud (París, 2005)

La situación es simple al extremo de la complejidad... que aún peor, sigue siendo polémica.

L` ultima cena di Bohdan Piasecki (2)

Pienso en que puede tener que ver con una idea-imagen de justicia, o como propondría Susan Sontag, de una estilización de la realidad en la imagen, la realidad como sombra de la imagen, si esta puesto es imágenes es "verdad", es una prueba, es justo.

Sontag cita: Un modernista tendría que reescribir el apotegma de Pater según el cual todo arte aspira a ser música. Ahora todo arte aspira a ser fotografía.(1)

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NOTA:
1. En "Sobre la Fotografía", pp. 159 (ed. española, EDHASA, 1981)

El "aura" de Seiji Ozawa, una "opción de libertad".

2006-06-22T13:02:00.000+02:00

El "aura", ese algo auto trascendente o autodestructivo que los seguidores de Walter Benjamín profesan, ese allure... que se olfatea en "La obra de arte en la época de su reproducibilidad técnica" (1), que convierte al ser humano, a su imagen, en objeto codiciado, en un "algo" que puede copiarse, reproducirse. En esta época de "todo esta dicho" y "hay palabras que no conozco" donde se juntan y nos abrazan hasta asfixiarnos esos que creemos nuestros propios deseos. Ahora, en que los modelos están en los escaparates del hipertexto de la memoria histórica, se me hace necesario reflexionar sobre la "imagen del director de orquesta", la heredada por quienes crearon el MITO.

Personalmente encuentro en la imagen de Seiji Ozawa, un ejemplo, una opción de libertad a considerar. En su ambigüedad refrescante, una especie de fusión entre oriente y occidente, él es una discontinuidad histórica (aunque se le considere resultado del "Japón Moderno", considero que es más complejo que eso). Me resulta fascinante su posición ante la orquesta y ante la música centroeuropea, y aún más su técnica, su gesto. Pero es en sus fotografías donde se revela la creación del icono, la selección de actitudes, la visión de la propia ambigüedad en lo sui generis (antes de ser reproducido y copiado por otros). Es más, me resulta muy interesante su dualidad a la inversa con Sergiu Celibidache, quien comenzó siendo un "occidental conquistador" y luego se convirtió al Budismo Zen (para seguir siendo un conquistador).

La imagen Ozawa me resulta indómita.... pues no es una copia de los directores de la Era Dorada, los respeta, pero manteniendo una especie de posición a lo Miyamoto Musashi (2) y su obra "El Libro de los Cinco Anillos" (3). Esto no deja de ser una visión a lo Akira Kurosawa (4), o una extensión de mi visión procesada. Pues para mí él es una idea, una alegoría, una paradoja de sí mismo ante una profesión y una forma de vida cuyos ideales se mueven entre la Adoración a la Música, el intelectualismo, el elitismo (populismo), el hedonismo... y un heroísmo fractal.

Creo que deberíamos ser más críticos con los iconos y la idolatría en general, y si no podemos renunciar a ella, al menos ser más cuidadosos con la elección de nuestros íconos. Hay que recordar la frase de Musashi: "no tengo maestro en ningún camino".

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MÁS INFORMACION EN:
http://en.wikipedia.org/wiki/Seiji_Ozawa

NOTAS:

Por una autofagia del pensamiento musical

2006-06-19T19:14:00.000+02:00

La extrema objetivación de la práctica musical esta saturando de tal forma a los músicos profesionales que ya parecen más máquinas futurista que personas. Un ejemplo es cómo el estudio o ejecusión de una obra, se convierte en un acto caricaturezco de lo que "se supone hace un músico" ¡Nos estamos momificando! Y lo más ridículo es que justamente la momificación es un intento de trascender la muerte, o conservar el cuerpo para otra vida, pero un cuerpo "muerto", seco, sin carne ni sangre... un cuerpo que tarde o temprano terminará en un museo, bajo la mirada voyeurísta de un público ... (¿no parece esta la alegoría de un concierto?).

Tenemos que salir del exclavísmo de los formalismos académicos y no convertir la exploración de la partitura o el acontecimiento musical en un acto de acumulación de conocimiento o de experiencia, tratar de buscar en la autofagia de la música una forma de conciencia, de pensamiento. Autofagia de nuestra propia condición como carne y sangre aquí y ahora.

Nuestra condición de ursupadores, de imitadores históricos y sirvientes de la industria musical, nos han transformado en repetidores, en "imágenes". Y el pensamiento musical, - si es que aún existe o se práctica más allá de la verborrea y hambre acumulativa de la musicología- , ha pasado a ser un artículo más en el mercado intelectual y del entretenimiento.

El acto de "hacer música", la musicalidad como forma de vida, es también una "forma de ganarse la vida" (citando a Daniel Barenboim). Lo cual no deja de ser una realidad práctica. Pero, tiene que haber algo más, no se trata sólo de poder pagar las cuentas y disponer del pasaporte del dinero, se trata de la vida de una criatura, de una criatura orgánica, de nuestra propia condición de seres vivos.

Si convertimos nuestra profesión en un acto arqueológico, ¿cuál es el lugar, el aporte de la arqueología musical, del acto teatral del concierto, de la música comunitaria?, si actualmente sólo damos "citas", actos de reafirmación de audiciones e ideas anteriores, como si vivieramos para la revalidación del pasado, o peor aún, de una "idea" de futuro. La propia conceptualización de "conservatorio" lo dice claramente.

El pensamiento musical necesita volverse autofágico.... hay que leer más a Susan Sontag y menos a Joaquín Zamacois. Necesitamos urgentemente dejar esa actitud conformista del oído absoluto y el seudo-virtuosismo mecanicista. Si la pasión por la música occidental y su fausticidad tiene aún víseras para seguir viviendo y sobreviviendo, es por su genética prometéica... ¡Pero la estamos matándo!, y con ella, a la posibilidad de nuestra propia supervivencia como profesionales, pues cuando llegue el día en que la inteligencia artífical y la ingeniería genética creen a quienes sean capaces de realizar la "copia perfecta", solo nos quedará la voluntad de seguir siendo musicales por propia conciencia. Si es que aún recordamos que significa eso.

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....AÑO CERO

2006-06-15T20:34:00.000+02:00

Vivimos en un perpetuo estado de posguerra, no aprendemos de nuestros errores. Estamos ante el horror y seguimos jugando.
Pienso en los niños que "juegan a la humanidad", y en el futuro que muere con ellos. En la contradicción, en la ambigüedad... y en la agonía del niño que fuimos.
Recuerdo los sonidos perdidos... la inocencia en ruinas.

Hay momentos "año cero" en la vida, cuando la perspectiva del horror y el rostro humano en su monstruosidad y natural hipocresía nos hiere de tal forma que solo el gesto del niño desesperado al borde del precipicio parece una opción.... o tal vez ser "heroico", o "santo" y dejarlo todo, soltarlo todo, o... tomar la máscara del monstruo y asumirla.

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IMAGENES:
Germania Anno Zero, 1947 (Dir: Roberto Rossellini) : Tras "Roma..." y "Pais?", dos títulos fundacionales del neorrealismo, Roberto Rossellini penetra en el huevo de la serpiente, los perversos efectos de la propaganda nazi en un joven desgraciado.

John Cage y Lin Hwai-Min

2006-06-14T09:46:00.000+02:00

Las propuestas del coreógrafo LIN HWAI-MIN y The Could Gate Dance Theatre of Taiwan, y muy especialmente su obra "Cursive II", con música e imágenes de obras pictóricas de John Cage (2003, DVD 2005-06), ha representado para mi un descubrimiento de esos que marcan un antes y un después en la vida de una persona.

La música de Cage, junto al gesto de Lin Hwai-Min, como un Todo, son una revelación.

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IMAGEN:
1. Cloud Gate Dance Theatre in Lin Hwai-mins Moon Water. Photo courtesy of Cal Performances.
2. J. Cage: WHERE THERE IS WHERE THERE--URBAN LANDSCAPE No.16, 1987-1989

INFORMACION:
http://www.cloudgate.org.tw/eng/english/cgdt.htm
http://www.time.com/time/asia/2005/heroes/lin_hwai_min.html
http://www.theage.com.au/articles/2003/10/10/1065676160242.html?from=storyrhs

Dos Proyectos en Costa Rica (2004-2005)

2006-06-07T10:18:00.000+02:00

En Costa Rica, dos de los proyectos que más me formaron como persona fueron la Orquesta Municipal de Cartago (OMC) y la Camerata de Cartago (CC). Ambos proyectos eran parte del mi labor docente en la Escuela Municipal de Música de Cartago, y se integraban en el desarrollo de la Orquesta Sinfónica Juvenil Municipal de Cartago (OSJMC), dirigido por Federico Molina desde la década de los 90`s.

Mi idea de comenzar con ensambles de cámara en ves de seguir con un ensamble sinfónico se basó en la filosofía de que la música de cámara es la esencia, la médula espinal del trabajo de grupo sobre la cual deben diseñarse los programas que se platean construir orquestas sinfónicas.

Asimismo, el trabajo junto a solistas y conjuntos vocales, como el Coro Heredia Canta (CHC) de la Universidad Nacional (UNA), y la colaboración con excelentes profesionales del ámbito nacional e internacional, unido a proyectos como el de "Barroco Americano" (en el cual se contó con la colaboración de la Universidad de Costa Rica-UCR) que tuvo una intervención especial en el "Festival de Música Barroca de Santa Ana" (CR). Así como la participación como en el "I Campamento Musical Centroamericano (CAMUC-2005)". Permitió a los jóvenes músicos de la orquesta una aproximación a un mundo que exige compromiso, disciplina, inteligencia emocional y una actitud reflexiva hacia la sociedad contemporánea.

La realización de giras a nivel nacional, así como la presentación en algunos de los festivales y salas de conciertos más importantes del país, nos permitió experimentar el placer del trabajo bien hecho. Lo cual refleja que aún siendo para muchos de ellos un hobbie, la Música no cayó en ningún momento en descuidos o ejecuciones mediocres. Lo cual debe servirnos de ejemplo para no caer en las típicas poses que llevan al conformismo y estancan a la gente en la dejadez y la mediocridad... en esa llamada "mano izquierda" que muchos usan para justificar sus propias deficiencias creyendo que "la ley del mínimo esfuerzo", el "saliendo del paso" o "haciendo lo que se puede" ... justifican lo criminal de su actitud. Criminal porque permiten que nuestra sociedad continúe en el síndrome de destrucción de sí misma.

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FOTOS de Francisco Mora*:
(1) CC, 2004, "V Muestra Internacional de Arte Libre Hernán Hidalgo Hidalgo". En el fondo se aprecia parte del mural "Solidaridad" elaborado por niños de la Casa del Artista, que para este año, fue la institución dedicada de la Muestra.
(2) OMC y CHC, 2004, "Conciertos por la Paz", dedicados a las víctimas del terrorismo (la idea nació a razón del atentado del 11 M en Madrid). Teatro del Centro Cultural Costarricense Norteamericano (CCCN).
*www.cartagovirtual.com

BEETHOVEN, Egmont y Coriolano: posibilidades abiertas (5)

2006-06-06T11:15:00.000+02:00

Haiku nº 5:
El Número 5 Representa el libre albedrío del ser humano:

El Coriolano de William Shakespeare (1607) hace su entrada en escena con una expresión de voluntad:
I will... (1)

El Egmont de Johann Wolfgang von Goethe (1787) también hace su entrada con otra expresión de voluntad:
Peace! Peace! good people. (2)

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Adorno cita para BEETHOVEN las palabras de
CLEMENS BRETANO (3):

"Sabiéndose y componiéndose versos a sí mismo
crea el mundo que él mismo es"

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IMAGEN:
"Beethoven's symphonies", Atelier Neo Art, Armand de Pully, Photography (2000).
En: http://www.art1art.com/photos/wulz/PH26001-Beethoven%20symphonies.htm
NOTAS:
1. Citado en: Adorno. T. W., "Beethoven, filosofía de la música", Ed. AKAl, 2003, pp.19
2. SCENE IX. The Roman camp. ACT I, (1607); aunque Beethoven utilizó el drama de H. J. Von Collin (1802).
3. Scene I, Act II, (1787). Traducción de Anna Swanwick.

Los vacíos pendientes: edición crítica de las sinfonías de BEETHOVEN(4).

2006-06-06T10:45:00.000+02:00

Adorno expone que el trabajo de Beethoven era producto de su criticismo, y que cada una de sus obras era resultado de la exhaustiva reflexión. Una posición que retoma Barry Cooper en su libro "Beethoven and the Creative Process"(1), cuya base se sustenta en los sketch materials del Maestro.
Esto genera muchas preguntas, ante todo considerando la consolidada tradición plasmada en la ejecución de las obras de Beethoven, y las intervenciones de que ha sido objeto, sea de sus contemporáneos o de las "lecturas" de compositores y directores como Berlioz, Wagner, Malher y Strauss (para citar algunos). Así como el enorme acervo existente actualmente de documentos audiovisuales (in vivo o in Vitro) los cuales yacen mimetizados en la práctica musical.

Por eso es importante considerar el "modelo" de Beethoven que nos ha llegado tras ese largo proceso de adoración, y tener dudas, dudas sobre nuestra propia capacidad crítica ante la partitura y ante nuestra propia memoria. Considérense por ejemplo los destacados trabajos de Bathia Churgin (EULENBURG), Armin Raab (G. HENLE VERLAG) y las Critical Edition de la Editorial NORTON. Incluso el trabajo de Ernesto de la Guardia(2), que, aunque demodé, refleja el "espíritu de análisis" de una visión sobre Beethoven, que para muchos aún no es ajena.
Ante esta situación, me remito a los postulados de E.T. Cone (3), donde el trabajo "critico" del ejecutante le obliga a enfrentarse a la "desesperación" de su propia condición como usurpador (ya no reproductor). Y desarrollar criterios sobre dicha condición y la propia duda. A este respecto, el musicólogo español Rubén López Cano en su artículo "La historia interminable"(4), hace una interesante propuesta donde expone lo "modélico" del problema, según la visión de un autor empírico y un autor modelo, donde justamente me pone el caso de Beethoven como ejemplo.

Personalmente creo que enfrentarse a la edición de una partitura de BEETHOVEN, sino ya a la bibliografía existente sobre EL, es como embarcarse en la investigación de las religiones, donde quizá Adorno sea el Mircea Eliade.

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NOTAS:
1. OXFORD UNIVERSITY PRESS (USA), 1993
2. "Las Sinfonías de Beethoven", RICORDI.
3. "The pianist as critic", en: Rink, John."The practice of performance" (1995), Cambridge:Cambridge, p. 241-253
4. En: http://www.geocities.com/lopezcano/RLC.html
IMAGEN: Manuscrito de la Novena Sinfonía, L. v. Beethoven; En: http://www.unesco.org/webworld/mdm/2001/eng/germany/beethoven/beethoven_1bis.html

Cage, Sontag y Cioran: La "estética del silencio" en BEETHOVEN (3)

2006-06-06T10:36:00.000+02:00

"Everything had been said in the saying of nothing."
PAUL GRIFFITHS(1)

¿Existe una "estética del silencio" en BEETHVEN?
Pienso en la obra seminal de John Cage 4'33" (1952).

Un ejemplo de lo que "veo" en mi mente es:

Pero estos signos, este corpus no es "silencio". Aún así, en la ejecución la ausencia de sonido suele identificarse como "silencio". Pero (y no voy decir que la sordera es ausencia de sonido), el silencio en Beethoven es más que un agente de movimiento, es un estado de la mente.

Recuerdo a E. M. Cioran y su idea sobre una conciencia de los órganos, de que "En el fondo, todo se reduce a una cuestión de fisiología" (2). Y me viene a la memoria la idea de Susan Sontag sobre el silencio como estado de "conciencia", como reflexión dialéctica, como "abolición":

Therefore, art comes to be considered something to be overthrown. A new element enters the individual artwork and becomes constitutive of it: the appeal (tacit or overt) for its own abolition- and, ultimately, for the abolition of art itself.(3)

Y no se trata de "todo" lo que hay o no hay que "decir", usando la analogía respecto a comunicar o representar en la obra musical. Sino en "escuchar", en escuchar como "enfermedad virtual" (citando de nuevo a Cioran).

Hay que escuchar al silencio en Beethoven, escucharlo con nuestra mente y cuerpo saturados por la memoria auditiva del siglo XXI, y tratar de encontrar en qué consiste.

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NOTAS:
1. Citado en : http://www.lichtensteiger.de/silence.html
2. En : http://archivodigital.cervantes.es/documentacion/concioran.pdf , (pp. 2).

3. Susan Sontag, Styles of Radical Will, The Aesthetics of Silence.
Citado en: http://www.lichtensteiger.de/silence.html

IMAGENES:
1. Andy Warhol, Beethoven 1987, Portfolio of four screenprints on Lenox Museum Board ,Size: 40 x 40" (101.6 x 101.6 cm),Edition: 60.
2. "Silence for piano", en: http://www.lichtensteiger.de/silence.html

BEETHOVEN y GOYA: la "inanidad" (2)

2006-05-31T14:32:00.001+02:00

Como uno de los motivos fundamentales del trabajo debe destacarse el hecho de que hemos perdido irremediablemente a Beethoven, su lenguaje, su contenido, en general la tonalidad, es decir, el sistema de la música burguesa, y de que el aspecto que de él obtenemos sólo lo conservamos en fase de extinsión.
La mirada de Eurídice. Todo debe entenderce a partir de ahí.

T. W. ADORNO(1)

Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828).

Ludwig van Beethoven (1770-1827)

Por lo general la "idea" de Beethoven y Goya suele fundamentarse en el carácter revolucionario y aún contemporáneo de su obra, la coincidencia de que ambos sufrieran de una sordera progresiva en las últimas décadas de sus vidas (y murieran casi el mismo año), sus personalidades "conflictivas" ("controversiales"), y por supuesto, lo inacotable de su vida y legado. Pero, para mí, el unir estos dos nombres y las obras en cuestión (que es a lo que tengo acceso), tiene como finalidad asumir no solo la perdida de su presencia como seres humanos (pues solo puedo acceder a ecos...), sino LA INANIDAD (citando a Adorno), que yace en la experiencia de ambos como idea.

Las Pinturas Negras y la arquitectónica beethoveniana comparten una especie de inanidad, es decir : "Solo allí donde se aproximan asintomáticamente a la nada se funden como puro devenir en el todo"(2). Así que antes de comenzar el estudio de una obra, los intérpretes y musicólogos debemos tener presente que somos a Beethoven lo que el "perro semi-hundido" a Goya.

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IMAGEN: "Half-submerged dog" F. Goya, 1820. Prado Museum , Madrid.
NOTAS:
1. En: "Beethoven: filosofía de la Música", Ed. AKAL, 2003, pp. 16
2. Idem, pp. 181

5 HAIKUS de viaje hacia BEETHOVEN (1)

2006-05-31T10:02:00.000+02:00

Haiku es simplemente lo que está sucediendo en este lugar, en este momento.
BASHO(1)

He comenzado un viaje de investigación sobre cuatro obras de Ludwig van Beethoven (1770-1827):
Las Overturas de Coriolano (op. 62) y Egmont (op. 84) y las Sinfonías Nº 2 en Re Mayor y la Nº 5 en Do menor, las cuales constituyen por lo general programas de concurso para directores. Pero, ¿porqué, además de la tradición, se suele agrupar a estas cuatro monumentales obras, iconos actuales del organismo sinfónico? ¿Cómo existen estas obras en el imaginario colectivo contemporáneo y cuáles pueden ser las implicaciones de este viaje que me propongo?
Primero, he acotado a algunos de mis acompañantes, eligiendo a la musicóloga israelí Bathia Churgin, al compositor y pianista Edward T. Cone, al filósofo alemán Teodoro Adorno, al filósofo rumano E. M. Cioran, a la Estética del Silencio de John Cage y Susan Sontag, entre otros.
Sí, esto puede implicar no solo una posición hacia el criticismo en la ejecusión musical y investigación musicológica, la teleología, la idea de "vanguadia" y nuestro occidente judío-cristiano, sino también, un Haiku de la experiencia cotidiana de un siglo XXI en su diáspora de sonidos, espacio-tiempo e ideas, acotados en la persona humana.

BEETHOVEN (...)

Y...¿Que significa Beethoven para mí? ... pues, el eterno contemporáneo.

* * *

LOS CINCO HAIKUS (pequeñas reflexiones)
1. HAIKUS de viaje hacia BEETHOVEN
2. BEETHOVEN Y GOYA: la inanidad.
3. Cage, Sontag y Cioran: la "estética del silencio" en BEETHOVEN .
4. Los vacío pendientes: edición crítica de las sinfonías de BEETHOVEN.
5. BEETHOVEN, Egmont y Coriolano: posibilidades abiertas.

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*En: http://personales.alumno.upv.es/~ossanji/quees.htm
IMAGEN: Portrait of Beethoven, by Michel Katzaroff (early 1930s).

¿Directoras de Orquesta o mujeres directoras?

2006-04-03T14:28:00.000+02:00

La alternativa es inexorable: o soy viajero de las antiguas épocas, y me enfrento con un espectáculo prodigioso que me resultaría casi ininteligible o soy viajero de mi época, precipitándome en la búsqueda de una realidad desvanecida.
(...)
Su verdadera tarea no es ejercer su talento para la explicación sino, al ser testigo de su época, fijar las más amplias y edificantes normas de desesperación.

SUSAN SONTAG,
Contra la interpretación (fragmento)

Nuestra época ha visto caer muchos muros, y los límites convencionalmente aceptados, de todo tipo, han sido, por tanto desafiados *... en este sentido, la dirección orquestal, como profesión y forma de vida, no ha sido una excepción. Su principal desafío sigue siendo la Música, pero a esta se ha sumado, por un lado, el enfrentar la necesidad de continuar desarrollándose, sobre todo luego de la llamada Era Dorada durante la cual se creo el Mito del Maestro, y por otro lado, asumir el desafío de su "patriarcalidad", de que el género de las personas que la ejercen no tiene que ser siempre el mismo, y por tanto el hecho ético de que esto no debería interferir en las posibilidades de quien asume y se dedica a dicha profesión.

Pero nuestra sociedad, profundamente iconoclasta, aún vive del mito, y con tal de ocultar su afición, han dividido la dirección orquestal en Maestros y mujeres directoras... sea con propósitos de marketing o por el simple hecho de seguir con el afán racionalista de separarlo todo... de "taxomizarlo". Esto obviando que lo importante debe ser la calidad profesional y no las apariencias... en el eterno dilema de ser o parecer.

En este sentido, no se puede negar que nos movemos en un mundo comercial, donde la música es considerada igualmente que un valor de marca, un coche o la moda de temporada, y donde se trafican seres humanos como cosas... por eso es indispensable que reflexionemos sobre lo fácil que caemos en fórmulas "conceptualizadoras" del mundo, y seamos consientes de nuestra responsabilidad, con nuestra época, con la Música, pero ante todo, como seres humanos.

En este sentido, si uno de los principales retos del ser humano es ser testigo, crítico y constructor de su época, lo cual debería implicar abrir espacios para el debate y el diálogo, para la diversidad y el desacuerdo. ¿Por qué cuando se tratan asuntos de género, al igual que cuando se tratan los políticos, económicos, religiosos, culturales, etc., queda un amargo sabor de boca?... como recordándonos que aún los seres humanos seguimos dividiéndonos en grupos afines, homogéneos, hegemónicos o contra-hegemónicos, y aún peor, justificándonos en nombre de la humanidad y la igualdad. (¿!)

Es cierto que los hechos revelan que las directoras, sea de orquesta, banda de música o coro, al igual que en otras profesiones mitificadamente masculinas, y además, epítomes, como en este caso, del ser patriarcal y la virilidad... a sido para muchas un verdadero calvario, mártires de una sociedad que no les permite competir en igualdad de condiciones en pos de la tradición o el mercado. Pero, igualmente sucede con hombres que han decidido emprender profesiones señaladas como femeninas... o aún peor: de mujeres... y es allí donde se visualiza parte importante del problema, el hecho de que aún prevalecen las categorías de femenino y masculino como intrínsecas a un género específico. De nuevo la bipolaridad de nuestra mentalidad occidental.

Por esto se ha hecho necesaria una crítica feminista de la historia, con el fin de recuperar las voces silenciadas y poner en discusión los constructos sobre los cuales el mito patriarcal se sustenta. Pero esto no debe significar que pasemos de un mito patriarcal a un mito feminista. El asunto es crear espacios para las personas. Por que si nos basamos en los booms... estos tarde o temprano se agotan, y entonces solo queda lo contundente... la excelencia personal y profesional, la calidad del trabajo y el compromiso, en este caso, con la Música.

Pero el fenómeno sigue, y por eso cito a la directora de orquesta Gloria Isabel Ramos Triano, quien en una entrevista respondió así a la pregunta:

-¿Considera que por su condición femenina posee una sensibilidad mayor a la hora de dirigir la orquesta?

-No. Creo que ser mujer u hombre (risas) es independiente. Hay muchas mujeres muy sensibles, hay muchos hombres muy sensibles, al igual que menos sensibles. Por supuesto, el hecho de ser mujer u hombre te condiciona pero no de una manera estricta o predeterminada. Hay otras facultades dentro de la persona aparte del hecho de ser hombre o mujer.**

(....)

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Para mayor información sobre este tema:
http://www.kapralova.org/
http://alaghomnaom.blogspot.com/

NOTAS:
FOTO: Banda Sinfónica de Nueva Odessa, Sao Pablo, Brasil, Susan Campos directora invitada (Auditorio del Conservatorio de Tatuí, 2004)
* Sontag, Susan; Contra la interpretación, Buenos Aires, Alfaguara, 1996, pp. 380-381.
**http://213.172.35.98/epoca1/2005/05/22/noticias/cultura/P90683A.html